Sobre 'Blade Runner 2049' y el cine de Denis Villeneuve

Nota: Este texto es una ampliación del que ya publicamos en su momento en 'La soledad del perro guía' acerca del cine de Villeneuve, actualizándolo con todas aquellas ideas que hemos podido extraer de su última película 'Blade Runner 2049'. Nuestra intención no es otra que acercarnos a la filmografía del director canadiense en su conjunto, analizando ciertas ideas que aparecen en sus películas de forma recurrente.

Denis Villeneuve sigue diseccionando con el pulso y la precisión de un experto cirujano como la violencia afecta a un grupo en general y a las personas en particular analizando las repercusiones morales de los actos llevados a cabo por y sobre los protagonistas de sus películas. Recuperamos y ampliamos ciertas líneas, ideas y conceptos que ya dedicamos en este mismo blog al cine del director canadiense tras el estreno primero de 'Prisioneros' ('Prisioners') y después 'Sicario' en el cine así como en la crítica de su más que notable cinta 'Polytechnique'. Tal y como afirme en su momento, Villeneuve es uno de los directores mas interesantes que hay actualmente y sus películas para bien y para mal, no dejan indiferente a nadie.

Es necesario ver toda la filmografía de Villeneuve para poder profundizar en el tratamiento que este hace de la violencia en sus películas y cada nueva cinta no deja de ser una evolución lógica en las obsesiones del director canadiense. La sorprendente 'Un 32 août sur terre', sin lugar a dudas su película mas cómica hasta el momento, narra la historia de Simone (Pascale Bussières) que tras sufrir un extraño accidente de tráfico decide dar un giro de ciento ochenta grados a su vida, para ello nada mejor que dejar el trabajo y tener un hijo con su mejor amigo Phillipe (Alexis Martin). Villeneuve juega de manera notable con el humor (Sutil en muchos momentos) y una medida sensibilidad que junto a dos entrañables protagonistas consiguen hacer que el espectador vea esta película con bastante simpatía. El director y guionista canadiense vuelve a explorar el miedo de muchos jóvenes al pasar la psicológica barrera de los treinta...

..para ello Villeneuve sitúa a los personajes en diversos ambientes que reflejan perfectamente la sensación de estar perdidos en medio de la nada (El desierto al que acuden los dos protagonistas donde por si había alguna duda, la conversación entre Simone y Phillipe echándole esta en cara todas las carreras que esta ha empezado y no ha acabado refuerza la idea de que Phillipe -y también Simone- vagan constantemente por un desierto, están totalmente perdidos) o de estar encerrados en sus propios sentimientos, incapaces de expresarlos de una manera clara y abierta (Para ello Villeneuve los encierra en un hotel cápsula). Aunque 'Un 32 août sur terre' parece seguir las pautas marcadas por el cine romántico y por lo tanto alejarse de la forma en la que el director canadiense analiza como la violencia afecta a las personas, este es capaz de hacer de su primer largometraje una pequeña muestra de las obsesiones que desarrollará de manera mas amplia en el resto de su filmografía ya que en 'Un 32 août sur terre', Villeneuve no evita tocar ningún tema. (Nota: Si existe alguna duda de la forma en la que el director canadiense juega con el humor y el paisaje/ambiente sirva de muestra esa escena en la que los protagonistas llegan al desierto con la idea de hacer el amor para que Simone quede embarazada. Una imagen vale más que mil palabras)

Con 'Maelström', Villeneuve continua con su evolución alejándose poco a poco de la comedia para acercarse al drama sin ningún tipo de rodeo ni concesión. A pesar, o mas bien conociendo la dureza de la historia que el canadiense tiene entre manos (Cinta con la que 'Otra Tierra' -'Another Earth' de Mike Cahill o '21 gramos' -'21 grams'- de Alejandro González Iñárritu comparte ciertas ideas), este nos deja una escena inicial acerca de la visión que da su película de los noruegos que hace imposible que al espectador no se le escape una sonrisa. Además son varios los momentos deliberadamente cómicos que hay en la película (Alguno de ellos reforzado por el uso de la música no siempre elegida con acierto) que hace que el espectador vea de una manera mas placida (Por decirlo de alguna manera) la tremenda historia de autodestrucción que sufre la protagonista (Una esplendida Marie-Josée Croze a la que muchos recordamos por su trabajo en la excelente 'Las invasiones bárbaras' -'Les invasions barbares'- de Denis Arcand). Si bien 'Un 32 août sur terre' deja un mensaje ciertamente pesimista, 'Maelström' da cierta esperanza a sus personajes algo que la aleja de alguna manera de su predecesora.

Villeneuve vuelve a hacer de una mujer la protagonista de su película, y este vuelve a presentar un par de ideas comunes a ambas películas: La importancia de la maternidad (En 'Maelström', la protagonista, Bibiane se someterá a un aborto que servirá como elemento disparador de todos sus miedos y frustraciones por culpa de la imposibilidad de aceptar lo que ha hecho, mientras que en 'Un 32 août sur terre', Simone desea por encima de todo quedarse embaraza y tener un hijo. Esta idea ampliada a la familia estará presente en muchas de las cintas del director) y la importancia que un accidente de tráfico tendrá en la vida de sus protagonistas (Si este será para Simone el hecho diferenciador que la animará a cambiar su vida, para Bibiane será el punto de inflexión para iniciar su constante caída al vacío). Villeneuve vuelve a mostrar la violencia como algo cotidiano y que podemos encontrarnos al cruzar una calle una noche cualquiera, algo que no solo afecta a la victima sino también a sus familiares y a las personas involucradas en tan dramático hecho.

Lo peor que se puede decir de una cinta tan impactante como 'Polytechnique' es que esta llega seis años después del 'Elephant' de Gus Van Sant que se alzó con la Palma de Oro y el premio al mejor director en el Festival de cine de Cannes en el 2003 (Esta misma idea puede hacerse extensible al notable cortometraje 'Safari' dirigido por Gerardo Herrero en el año 2014). Si Van Sant exploraba de manera ficcionada la matanza del instituto Columbine (El 20 de abril de 1999, Eric Harries y Dylan Klenbold mataron antes de suicidarse a quince personas, además veinticuatro resultaron heridas de diversa gravedad), Villeneuve hace lo propio con la masacre llevada a acabo por Marc Lépine en la ciudad de Montreal el 6 de diciembre de 1989. Lépine que mostraba un odio visceral hacia las mujeres y el feminismo acabó con la vida de catorce chicas e hirió a catorce más. Pero Villeneuve no explora simplemente la enfermiza personalidad de Lépine, ni 'Polytechnique' es una mera sucesión de escenas que reflejan el infierno que sufrieron las personas que vivieron la matanza que este llevó a cabo. No, Villeneuve profundiza en la forma y la manera en la que estos terribles hechos afectaron a todos aquellos que los vivieron dejando heridas no solo físicas sino también psicológicas. El director canadiense nos deja con 'Polytechnique' una terrible, lapidaria y sincera reflexión acerca de la violencia que viven las mujeres. Villeneuve vuelve a mostrarse pesimista como ya hizo en su opera prima y demuestra que por muy duras que puedan ser sus películas, sus finales pueden ser todavía mas desgarradores.

A pesar de que 'Un 32 août sur terre', 'Maesltröm' y 'Polytechnique' son tres grandes películas, Villeuve era un desconocido para el gran público hasta que en el año 2010 este adaptó a la pantalla grande la obra del también canadiense aunque nacido en el Líbano, Wajdi Mouawad en la que una madre pide a sus hijos que encuentren a su hermano y a su padre de los que no se sabe nada tras la guerra en Libia. En 'Incendios' ('Incendies'), Villeneuve trasciende del drama familiar para explorar los efectos de la guerra en las personas donde este juega a ser Atom Egoyan y como hace (O mejor dicho, hacía) el autor de cintas como 'El liquidador' ('The Adjuster') es necesario ver el final de la película para juntar todas las piezas que conforman la misma y entender la verdadera naturaleza del drama que el director nos está contando. Es clara la evolución del cine del director, si en 'Maesltröm' se atisban ciertos elementos humorísticos que desaparecen completamente en su siguiente película 'Polytechinque', será esta  la que marque definitivamente hacía donde va a evolucionar el cine del canadiense.

La violencia inherente a una guerra llevará a que una familia se rompa (Algo que ya vimos en 'Maesltröm' y en 'Un 32 août sur terre' aunque en este caso es el proyecto de una familia lo que se destroza por un dramático suceso) y a que tanto Jeanne Marwan como su hermano Simon Marwan necesiten encontrar la respuesta a ciertas preguntas para así poder encontrar su sitio en un mundo después de que la muerte de su madre les diera a conocer una realidad que hasta ese momento desconocían. La necesidad de los personajes para encontrarse y coger de alguna manera las riendas de su vida es algo presente en las cintas de Villeneuve, esa Simone que decide formar una familia con su mejor amigo en  'Un 32 août sur terre', la Bibiane de 'Maelström' que tras un aborto y un accidente de tráfico intentará poner fin a su constante caída, la Valérie de 'Polytechenique' al intentar superar la matanza que vivió o los hermanos Marwan cuya situación familiar se ha visto trastocada al descubrir que estos tienen un hermano cuya existencia desconocían.

Pero fue el 2013 el año del verdadero salto a la fama de Villeneuve gracias a dos películas: 'Enemy' y sobre todo la muy comercial 'Prisioneros' ('Prisioners'), ambas protagonizadas por Jake Gyllenhaal y que hasta el momento del estreno de 'Blade Runner 2049' compartían no solo a su actor principal sino también el hecho de que eran los dos únicos largometrajes de Villeneuve donde los protagonistas no son mujeres, además ambas parecen compartir cierta esencia con el cine del director David Lynch. Tal y como comentamos en su momento acerca de 'Prisioneros' ('Prisioners'): "Seria un error pensar que Villeneuve se ha traicionado en su última película (En referencia a la cinta protagonizada por Gyllenhaal y Jackman), que se ha vendido al cine comercial americano, pero el director canadiense ha sido capaz de tomar un guión de Aaron Guzikowski que nos evoca constantemente a 'Zodiac' y plasmar todas aquellas obsesiones que ya mostró en sus obras anteriores. Si en 'Una historia verdadera' ('The straight Story'), Lynch cogió a sus oscuros personajes y los sacó a la luz sin perder la esencia a pesar de resultar sorprendente en el tono, en 'Prisioneros' ('Prisioners') Villeneuve coge a sus personajes y los lleva a un entorno donde es mas fácil llegar al publico pero sin traicionar su esencia: La dureza de sus imágenes y el conflicto moral que nos propone, hace de esta película una cinta que no es de fácil visionado'. Tal y como sucedía en 'Incendios' ('Incendies'), un dramático hecho hará que una familia se enfrente a una situación que los desborda y que les llevará a plantearse hasta donde llegarían para dar con el paradero de su hija desaparecida.

Ese mismo año, Villeneuve adaptó la novela de José Saramago 'El hombre duplicado' con su para muchos sobrevalorada 'Enemy' en la que es hasta el momento su cinta mas extraña y lynchniana gracias a un turbio comienzo, al muchas veces abstracto concepto del dopplegänger y sobre todo gracias al uso de cierta araña que conseguía desubicar completamente al espectador. Adam Bell, en pleno proceso de autodestrucción, descubre en una película a un doble perfecto lo que le obsesionará hasta el punto de intentar dar con él (Resulta llamativo que 'Maelström' guarde cierto parecido con 'Another Earth' y esta con la idea del doble y la obsesión por conocer si el otro 'yo' ha conseguido hacer con su vida algo mejor como sucede en 'Enemy', idea que por cierto también es algo que se puede apreciar en la interesante 'Coherence'). El director canadiense deja de lado la violencia física (Atropellos, torturas, abortos, violaciones...) para centrarse en la manera en la que una persona se va degradando poco a poco dejándonos su película mas críptica y hermética (Como nota informativa decir que 'Enemy' cuenta con la presencia de Sarah Gadon, actriz muy a tener en cuenta y que ha trabajado con grandes directores como el propio Denis Villeneuve, David Cronenberg o el hijo de este Brandon Cronenberg en su notable debut en el largometraje 'Antiviral'. Como no puede ser de otra manera, los ecos del cine David Cronenberg también se aprecian en este 'Enemy')

Con 'Sicario', Villeneuve volvió a contar con una mujer en el papel protagonista y a explorar como afecta la violencia a un grupo en general y a una persona en particular. Para ello, Villeneuve narra la historia de Kate Macer (Emily Blunt), policía reclutada por un extraño grupo de élite para luchar contra los cárteles mejicanos que parece que empiezan a establecerse en territorio norteamericano. Lo que para esta comienza siendo una gran oportunidad para acabar con todo aquello que supone una amenaza se convertirá en un oscuro juego de intereses que hará que esta se replantee todo aquello por lo que está luchando (Idea constantemente representada en el cine de Villenuve: Los Marwan se replantean su posición en su familia y el mundo, igual que Keller Dover hace lo propio con los límites de lo ético para conseguir dar con el paradero de su hija, igual que Valérie se plantea su situación en un mundo lleno de violencia contra las mujeres...). Como dice el personaje interpretado por Victor Garber en esta película: 'Te preocupas por no traspasar la línea pero las líneas ya se han movido', Villeneuve juega en sus películas con estas líneas (Por ejemplo con ese intento por extraer información a un joven con cierta discapacidad en 'Prisioneros' -'Prisioners'-) y 'Sicario' no podía ser menos: Las líneas que determinan donde está lo correcto y lo ético se desplazan y se mueven según ciertos intereses y lo que es peor: El espectador puede llegar al pensar que los actos que llevan a cabo los protagonistas pueden estar mas que justificados. El guion escrito por Taylor Sheridan se encarga de no dejar lazos sueltos, de intentar justificar todas las motivaciones de los personajes y nosotros como espectadores hemos de situarnos a un lado u otro, algo parecido a lo que ocurría con la reacción del personaje interpretado por Hugh Jackman en 'Prisioneros' ('Prisioners')

El idilio de Villeneuve con la ciencia ficción comenzó con 'La llegada' ('Arrival') cinta protagonizada por Amy Adams y Jeremy Renner donde el guionista Eric Heisserer adaptaba una historia corta de Ted Chiang que tiene por título 'La historia de tu vida' ('Story of your life'). Resulta llamativo que el uso de la ecuación '1+1 = 2' posee una vital importancia en 'Incendios' ('Incendies'. Película que adapta la segunda parte de la tetralogía 'La sangre de las promesas' escrita por Wajdi Mouawad por lo que hay que reconocer la autoría de Mouawad en las frases que hacen referencia a dicha ecuación) y en otra de las historias cortas de Chiang, 'División por cero'. En los dos casos, la idea de que todo aquello que es conocido se desmorona por culpa de un axioma que se da por cierto es mostrada con notable inteligencia tanto por Chiang como por Mouawad y por tanto también por Villeneuve. De hecho el cine de Villeneuve se podría definir así: 'La forma en las que las personas afrontan su lugar en el mundo al ver como este se desmorona por culpa de un axioma que se da por cierto'. La llegada de unas naves extraterrestres a la Tierra, hará que el gobierno contacte con experta en lingüística Louis Banks para que esta les ayude a comunicarse con los tripulantes de las naves y averigüe las intenciones de estos con respecto al planeta y sus habitantes. Banks se encontrará en medio de una difícil situación: Encontrar un lenguaje para hablar con esos extraterrestres en forma de cefalópodos en medio de una creciente espiral de tensión que puede desembocar en una guerra a gran escala.

El lenguaje de los cefalópodos es la llave para conocer el pasado y el futuro lo que llevará a Banks a saber que las decisiones que esta tome en la vida la llevarán a ser madre y que su hija morirá. Otra vez volvemos a encontrarnos con la idea de la maternidad que ya ha sido planteada por Villeneuve en 'Un 32 août sur terre' o en 'Maelström', y la posición de los padres reflexionando acerca de donde están los limites aceptables de su forma actual (Ocultar la existencia de un hermano y revelarlo solo en el momento de su muerte a sus hijos en 'Incendios' -'Incendies'-, o planteándose hasta donde estaría una persona dispuesta a llegar para dar con el paradero de su hija desaparecida). Villeneuve explora no solo la carga dramática y la violencia inherente a la historia derivada de los actos y las decisiones de los protagonistas, en especial los de ella. La decisión tomada con Ian de que nunca cambiarán nada que afecte al futuro es una sentencia de muerte para la hija de ambos. Aunque 'La llegada' ('Arrival') parece centrarse en la creación del lenguaje dejando 'la historia de su vida' como algo secundario, algo residual, esta cobra fuerza no solo por los flashbacks que sazonan a la película sino y muy especialmente porque la decisión de Ian y Louis acarreará dramáticas consecuencias. El sacrificio realizado por Louis, el de guardarse aquello que afecta a su hija parece enlazar con la decisión de Nawal Marwal de ocultar a sus hijos la existencia de un hermano.

Ahora nos llega la que es la nueva película de Denis Villeneuve, ‘Blade Runner 2049’, secuela de la mítica película dirigida en 1982 por Ridley Scott y que es considerada por muchos y de manera mas que justa como una de las cintas claves dentro del cine de ciencia ficción. Villeneuve pone en imágenes, de una manera absolutamente abrumadora, el guion escrito por Hampton Fancher (‘Blade Runner’) y Michael Green que parece ocupar el hueco dejado por David Webb Peoples (‘Doce Monos’ –’12 Monkeys’-, ‘Sin Perdón’ –‘Unforgiven’-). ‘Blade Runner 2049’ es una película de una fuerza visual como pocas, donde cada fotograma desprende una belleza increíble capaz de seducir a casi cualquier espectador y donde la soberbia banda sonora compuesta por Benjamín Wallfisch y Hans Zimmer hacen que ver esta película en condiciones sea una experiencia casi única… pero… ¿Es ‘Blade Runner 2049’ un bonito y lujoso envoltorio para algo vacío y sin alma?

‘Blade Runner 2049’ vuelve a poner sobre la mesa varias de las obsesiones que el director canadiense ha expuesto a lo largo de su filmografía. Otra vez, Villeneuve explora la forma en la que las personas afrontan su lugar en el mundo al ver como este se desmorona. Otra vez, Villeneuve se acerca a los sentimientos de una persona que ha de enfrentarse a una situación para la que no está preparado. Otra vez, Villeneuve examina como la violencia afecta a un grupo en general y a una persona en particular. ‘Blade Runner 2049’ vuelve a explorar la humanidad (Los sentimientos, el alma. Poder disfrutar de Nabokov, llorar cuando ves sufrir a los tuyos, la necesidad de compartir tu vida con alguien, alejarte de la soledad, el amor, dejarte deslumbrar por un milagro), y tener una identidad propia alejada de tu creador, reforzada por la importancia de tener un nombre y no un numero de serie. El nombre es algo que distingue a una persona dentro de una comunidad, de un grupo.

K y Joi  no dejan de ser una versión de Phillipe y Simone que esta vez no se quedan encerrados en un hotel cápsula sino en un emanador,  K no deja de ser una versión de Bibiane que observa como su mundo se desmorona, como un hecho violento marcará un antes y un después en su existencia que le hará caer al vacío planteándose su propia existencia llevándolo a aferrarse a cualquier tipo de esperanza/ilusión. K no deja de ser una versión de Valerie que tendrá que enfrentarse al odio de una parte de la sociedad en la que vive. K no deja de ser una versión de los hermanos Marwal a los que una reveladora información hará que se replanteen su mundo y su existencia y K no deja de ser una versión de Kate Macer que verá como los intereses están por encima de las personas. Un director tan personal y arriesgado como Villeneuve no podía poner en juego su carrera (Dirigir una cinta como ‘Blade Runner 2049’ podría haber supuesto el fin de Villeneuve como director) por una película en la que el no creyera, que no aportara nada a su filmografía salvo un jugoso cheque, que no plasmara una evolución lógica en su cine.

Resulta inevitable no pensar en la película de Spike Jonze ‘Her’, en la que en una sociedad individualista que camina avocada a la mas absoluta de las soledades su protagonista Joaquín Phoenix se acabará enamorando de un sistema operativo con la voz de Scarlett Johansson, al ver la relación entre K y la virtual Joi. Hampton Fancher y Michael Green parecen haber tomado ciertos elementos de la cinta de Jonze volviendo a examinar la terrible soledad en la que vive su protagonista, donde en el caso de ‘Blade Runner 2049’ se refuerza con la idea del rechazo que sufre K por ser quién es. La nueva generación de replicantes son mas fácilmente distinguibles que sus predecesores pero queda claro que estos a pesar de su naturaleza artificial poseen alma lo que los hace humanos, de hecho mas humanos que los propios humanos.

Ryan Gosling interpreta a ese joven Blade Runner, amante de ‘Palido fuego’ (‘Pale Fire’) y cuya soledad parece que le devora por dentro, de la misma manera que este dio vida a los protagonistas de ‘Drive’ o ‘Solo Dios perdona’ (‘Only Gods forgives’) de Nicolas Winding Refn; con pocas palabras y expresividad. Resulta imposible no pensar en las dos cintas de Winding Refn, no solo por compartir protagonista y por la forma que este tiene de interpretar a los diferentes personajes sino porque en un caso nos encontramos ante dos solitarias personas que cansados de su trabajo buscaran de alguna manera su redención, mientras que en el otro porque las palizas que recibe K en ‘Blade Runner 2049’ no tienen nada que envidiar a las de Julian en ‘Solo Dios perdona’ (‘Only Gods forgives’). Es un agradable placer ver a Harrison Ford volver a interpretar a Deckar treinta y cinco años después en el que sin duda es su mejor trabajo de los últimos años, como ver a Jared Leto como el dueño de ese imperio obsesionado por crear vida. El tema que lleva por nombre el del personaje que interpreta Leto ‘Wallace’ compuesto por Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer nos trae sin ningún género de dudas la banda sonora de la soberbia 'Léolo' de Jean Claude Lauzón.

Pero si algo tiene fuerza en esta película son sus personajes femeninos. Es cierto que Silvia Hoecks no puede hacernos olvidar el trabajo de Reuter Hauer en la cinta de Scott, es cierto que McKenzie Scott no puede hacernos olvidar a Darryl Hannah, (Enfrentarse a un clásico es lo que tiene) pero sus trabajos consiguen estar a la altura de lo esperado. La primera es una gran villana, la segunda consigue que su sensualidad traspase la pantalla y que junto con Gosling y Ana de armas nos deja una excelente escena que perdurará en la memoria colectiva. Resulta sorprendente a la vez que agradable ver a Carla Juri protagonista de la notable ‘Wetlands’ de David Wnendt en un pequeño papel en ‘Blade Runner 2049’ (Tras ver la cinta de Wnendt entendemos porque esta tiene un problema con su sistema inmunitario) y lo mismo podemos decir de la actriz cubana Ana de Armas que tras participar en series como 'El internado' se está forjando una muy sólida carrera en Estados Unidos.

Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer nos dejan una soberbia banda sonora que complementa perfectamente a las imágenes rodadas por Villeneuve y que como no podía ser menos sigue perfectamente la estela de la música compuesta por Vangelis para la película original de Scott. Lo mismo se puede decir del ritmo, de la atmósfera, del color con la que el director canadiense dota a cada plano de su película, ‘Blade Runner 2049’ es una muy digna sucesora que ha sabido respetar la esencia original y se ha enfrentado a momentos venerados por los seguidores de la ciencia ficción con solvencia (De celdillas encadenadas. Encadenadas. Todos los espectadores recordarán los test a los que eran sometidos los replicantes para conocer su verdadera naturaleza. Encadenadas. La forma en la que Villeneuve muestra la escena en la que K es sometido a diversos controles para saber si su esencia ha sufrido alguna desviación con respecto a su referencia reforzada por la música de Wallfisch y Zimmer hacen que este momento no tenga nada que envidiar a la cinta original. Repita tres veces: De celdillas encadenadas). Villeneuve llena su película de planos perfectamente estudiados que rebosan una belleza arrebatadora, el guion escrito por  Hampton Fancher y Michael Green sigue perfectamente las líneas marcadas por la historia original que posee mucha mas profundidad que la que los espectadores más críticos quieren ven. Sin duda alguna ‘Blade Runner 2049’ es una de las grandes cintas de ciencia ficción del año y como ocurrió con la película de Riddley Scott el tiempo la pondrá en su sitio y sin duda alguna en un lugar destacado.

Dos cintas dirigidas por Ridley Scott y que son consideradas como obras de referencia en el cine de ciencia ficción y en un caso también de terror como son 'Blade Runner' y 'Alien' han conocido en los últimos años o bien un par de precuelas como 'Prometheus' o 'Alien: Covenant' o una secuela como esta 'Blade Runner 2049'. Como no podía ser de otra manera estas películas han sido recibidas con diferentes opiniones y en muchos casos demasiado polarizadas. Scott dejó de lado la aventura sin sentido de 'Prometheus' para dar paso a ciertas preguntas existenciales acerca de quién creó al creador y la necesidad de David (Michael Fassbender) de convertirse en ese ser dador de vida. En 'Blade Runner 2049' nos encontramos con Niander Wallace (Jared Leto) cuyo anhelo es el mismo que el del personaje interpretado por Fassbender en las precuelas de 'Alien'. Pero mientras en 'Alien: Covenant' todo acaba por no funcionar quedándose en una cinta destinada a llenar la parrilla de las televisiones en semana santa (La imagineria religiosa está mas que presente en esta película. No debemos pasar por alto ideas como la fotografía de la tripulación a lo última cena o el extraño colgante que lleva la protagonista: Un Clavo, entre otras), 'Blade Runner 2049' deja de lado a Wallace para centrarse en las creaciones, en la necesidad de ser amados, de ser tratados como el resto de personas. Con suavidad y sin forzar, Villeneuve plantea que significa tener alma.

El siguiente párrafo puede considerarse SPOILER SPOILER SPOILER por lo que si no quieres leerlo te recomendamos que saltes a la parte final de la crítica donde mostramos el trailer de la película y destacamos lo que nosotros consideramos como lo mejor y lo peor de la película. No iba a escribir estas últimas líneas pero sentía que me dejaba algo muy importante en el tintero, algo que hablando del cine de Villenevue es de vital importancia destacar y eso no es otra cosa que la importancia de la familia y la maternidad. El anhelo de Simone por ser madre, la imposibilidad de Bibiane para aceptar el aborto al que se ha sometido, el embarazo de Valérie en 'Polytechnique', Nawal Marwan revelando a sus hijos la existencia de un hermano, la forma en la que Keller Dover se enfrentará a las normas establecidas para dar con el paradero de su hija, la aceptación de Louise Banks para no cambiar el futuro aunque ello conlleve la muerte de su hija, la necesidad de K por tener una familia y por supuesto y como no podía ser de otra manera, el milagro, aquello que desea Niander Wallace y que dos replicantes consiguieron: Crear vida. Y como bien dice K aquello que nace, tiene alma. FIN DEL SPOILER SPOILER SPOILER

Lo mejor: La banda sonora. La belleza de las imágenes. La valentía de Villeneuve para enfrentarse a una película que podía haber hundido su carrera.
Lo peor: No es una película accesible para todo tipo de público.