sábado, 9 de marzo de 2019

Festival Retina: A girl walks home alone at night - The Black Heart Rebellion

Título: Una chica vuelve a casa sola de noche - A girl walks home alone at night
Año: 2014
Género: Drama - Romance
Duración: 101 min. 
Director: Ana Lily Amirpour
Guión: Ana Lily Amirpour
Música en directo: The Black Heart Rebellion
Interpretes: Sheila Vand, Arash Marandi, Marshall Manesh, Mozhan Marnò, Dominic Rains, Rome Shandanloo, Milad Eghbali, Reza Sixo Safai, Ray Haratian, Masuka the cat
Nota Película: 6,5
Nota Música: 8
Sinopsis: Una ciudad donde el pecado campa a sus anchas. Una joven vampira que recorre sus calles por las noches. Un chico que debe cuidad de su padre drogadicto. Como no puede ser de otra manera, sus caminos acabarán cruzándose.



Crítica:
Cuando en 'La soledad del perro guía' escribimos acerca de 'The Bad Batch' definimos a esa película como 'Una chica vuelve sola a casa por el desierto', fusionando el título de la cinta que supuso el debut de Ana Lily Amirpour con el lugar donde sucede gran parte de la trama de 'The Bad Batch'. Nos parece adecuado empezar (También lo haremos al acabar) a hablar de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') recuperando ciertos planteamientos que desarrollamos al hablar de 'The Bad Batch' ya que ambas cintas están mas conectadas de lo que en un principio podría parecer, las ideas que Ana Lily Amirpour plasmó en su primer largometraje se convirtieron en obsesiones en 'The Bad Batch', una película mas grande y ambiciosa que 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') lo que llevó a que tanto los aciertos como los errores fueran mas visibles.
El cine de Ana Lily Amirpour posee por momentos una clara una fijación en las imágenes, en la estética por encima de la historia o de la trama, lo que puede llevar a que algunas escenas exploren con demasiada temeridad la fina línea entre lo que puede resultar poético y lo que puede ser considerado como ridículo.
El pasado siete de marzo del 2019, pudimos disfrutar gracias al ciclo Retina de la proyección de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') con la música en directo del grupo belga The Black Heart Rebellion lo que sin duda alguna es un gran reto ya que Amirpour es tremandamente hábil a la hora de fusionar las imágenes con la música. Enfrentarse a borrar el recuerdo del momento en el que suena el 'Death' de White Lies en el espectador que ya ha visto la película o conseguir transmitir las mismas sensaciones (O parecidas) que se sienten al verla por primera vez es algo extremadamente complicado. Si a eso sumamos los diversos temas que suenan en la película como son los de la banda Federale cuyas composiciones se inscriben dentro del género conocido como 'western music' (Música con raíces folks que se solía escuchar en el Oeste de Estados Unidos) o los de Radio Tehran, liderada por Ali Azimi, la misión alcanza cotas de gran dificultad. The Black Heart Rebellion consigue igual que hizo Tunng con 'Fahrenheit 451' hacer mas grande aún a la película de Amirpour convirtiéndose en parte fundamental de la misma, complementando perfectamente a las imágenes y aunque resulta imposible hacernos olvidar a los White Lies, Federale y Radio Tehran entre otros, consiguen dar una nueva dimensión a la película. La música del grupo de Gante podría haber sido la banda sonora original de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') y a nadie le tendría que resultar extraño.

La música compuesta por The Black Heart Rebellion para complementar a las imágenes de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') sigue la línea del anterior trabajo de la banda, 'People, when you see the smoke, do not think it is fields they are burning'. Temas como 'Body Breakers' o 'Dorsem' son claramente el germen de la banda sonora compuesta por el grupo para la película con la única salvedad que la voz del cantante queda 'diluida' en la música de una manera realmente hermosa y que parece alejarla de propuestas como 'Flower bone ornaments' en lo que el uso de la voz se refiere, lo que personalmente me parece un gran acierto.
The Black Heart Rebellion consigue que su música compense el dubitativo inicio de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night'). El encuentro entre Saeed (Dominic Rains), ese homenaje al Ninja de los 'Die Antwoord' (Banda que está presente en la banda sonora de 'The Bad Batch' y de la que como no puede ser de otro modo Amirpour es seguidora) y la protagonista de la película (Sheila Vand) a ritmo de la música de The Black Heart Rebellion posee mucha mas fuerza que lo mostrado inicialmente por Ana Lily Amirpour siendo sin duda alguna el momento donde se empieza a apreciar aquello que la banda va a ofrecer al espectador.
Aunque para las líneas anteriores hemos recuperado ciertas frases e ideas que escribimos para la crítica/análisis de 'The Bad Batch' (Lo siento, sigo negándome a llamarla 'Amor Carnal') creemos que los siguientes párrafos hemos de incluirlo sin ningún tipo de modificación.
'The Bad Batch' y 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') son dos películas que parecen cortadas por el mismo patrón. Hay demasiadas ideas comunes a ambas cintas como para pensar que Amirpour no ha cogido la historia que le sirvió para debutar en pantalla grande y ampliarla, modificarla, e intentar mejorar aquellas partes que fallaban. Esta vez, la directora y guionista cambia el vampirismo por el canibalismo, pero vuelve a mostrar a una chica joven que deambula bien por las calles de una ciudad bien por el desierto, otra vez volvemos a ver una 'smily face' bien sea tatuada en la mano del traficante de drogas bien sea en el pantalón de la protagonista, otra vez volvemos a encontrarnos con un monopatín que es usado para que personas que por diversos motivos no pueden moverse lo usen para desplazarse, otra vez volvemos a encontrarnos con la importancia de un pequeño animal, bien sea un conejo bien sea un gato, otra vez los personajes parecen no tener nombre sino apodos, otra vez las ciudades donde viven las protagonistas son lugares donde el mal campa a sus anchas, otra vez volvemos a ver como dos personas que a pesar de todo aquello que las diferencia e encuentra pero parece que se alejan....

...pero sobre todo otra vez el camino de ambos personajes se cruzará en medio de la nada de la misma manera: Las drogas, el colocón que sufren los protagonistas harán que estos se vayan de la fiesta en la que se encuentran y que precisamente no están disfrutando. Si Arash se queda embobado mirando la luz de una farola, Arlen hace lo mismo con las estrellas. En ambas situaciones dichos personajes se encuentran indefensos ante la amenaza que se cierne sobre ellos: Una extraña vampira o un caníbal, pero algo surgirá entre los personajes que hará que estos últimos no solo se apiaden de Arash y de Arlen sino que surgirá entre ellos algo especial.
Hay que analizar la moralidad que desprenden ambas películas. En 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night'), la vampira a la que da no-vida Sheila Vand ataca a todos ellos que no se comportan de forma correcta, a los pecadores que habitan la ciudad donde vive, mientras que en 'The Bad Batch', Arlen rechaza la aparente comodidad de la ciudad que la ha acogido: Bajo su manto de tranquilidad, de seguridad, de confort se encuentra el vicio, el mal. Las apariencias engañan y aquellos que parecen mas libres son los que mas tienen que esconder. En ambos casos, las dos protagonistas rechazan el mal que habita en sus ciudades.
En 1999, David Lynch dirigió 'Una historia verdadera' (‘A straight story’) cinta que se alejaba del cine al que nos tiene acostumbrados el director. Como no podía ser de otra manera se escribieron líneas y líneas acerca de la película y del aparente giro radical que esta había supuesto en la filmografía de Lynch. De todo lo que leí hubo algo que creo que acertó completamente, no recuerdo quién lo escribió pero sus palabras venían a decir que Lynch lo único que había hecho era coger a sus personajes oscuros y sacarlos a la luz. Se puede decir que Amirpour ha hecho algo parecido: Ha cogido a sus personajes y los ha sacado de la oscuridad de la noche a la luminosidad del día en el desierto. Los personajes que muestra la directora: La vampira, el chico, su padre drogadicto y con problemas o la transexual que se ve en algunas escenas parecen tener su replica en 'The Bad Batch', el canibal, Arash, el loco que va gritando por las calles de Confort o ese vagabundo que deambula por el desierto (Poner en cuarto lugar y por tanto establecer una comparación entre la transexual y al vagabundo no es algo gratuito ni aleatorio, ya que ambos personajes parecen vivir según sus reglas alejándose de las normas establecidas por las férreas sociedades que hay a su alrededor)



Proyecciones con música en directo que engrandecen a la película que se proyecta y aportan algo nuevo a la misma, es un placer al que muchos no estamos acostumbrados. El trabajo de The Black Heart Rebellion no solo complementa perfectamente a las imágenes de 'Una chica vuelve a casa sola de noche'  ('A girl walks home alone at night') sino que además se puede disfrutar de forma independiente.

Lo mejor: El momento que comparten Arash y la protagonista en casa de ella. La música de The Black Heart Rebellion complementa perfectaemente a las imagenes.
Lo peor: La fina línea que aveces separa lo poetico de lo ridiculo. Que The black Heart Rebellion no sigueran tocando durante

domingo, 3 de marzo de 2019

Crítica/Análisis: Free Solo

Título: Free Solo

Año: 2018
Género: Documental - Escalada
Duración: 100 minutos
Director: Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chi
Fotografía: Jimmy Chi, Clair Popkin y Mikey Schaefer
Música: Marco Beltrami
Interpretes: Alex Honnold, Jimmy Chi, Sanni McCandless, Tommy Caldwell, Dierdre Wolownick
Nota: 7,5
Sinopsis: Yosemite. El Capitan. Montaña rocosa vertical de 900 metros. Siguiente reto para el Alex Honnold aficionado a la escalada en solitario y libre.







Crítica:
En 1985, Werner Herzog dirigió un documental titulado 'The Dark Glow of the Mountains' ('Gasherbrum - Der Leuchtende Berg') donde el director narraba la ascensión de Hans Kammerlander y Reinhold Messner a las montañas Gasherbrum I y II, una tras otra, sin parar, sin campamento base, sin oxigeno y con el único equipamiento de una mochila. Tan extremadamente arriesgada aventura fue plasmada por el director alemán en su obra donde este no solo exploraba las motivaciones que llevaron a Kammerlander y Messner a llevar a cabo tan difícil y complicado reto, sino también la forma en la que estos se enfrentaron a sus miedos, a la posibilidad de morir... Resulta imposible no hablar del documental de Herzog a la hora de escribir acerca de 'Free Solo'.
'Nuestra idea no era de rodar una película de montañismo. Lo que queríamos era descubrir lo que pasa por la cabeza de los montañeros cuando se lanzan a llevar a cabo empresas de riesgo extremo'. Esta frase deja claras las intenciones de Werner Herzog en 'The Dark Glow of the Mountains' ('Gasherbrum - Der Leuchtende Berg'). La exploración de la 'locura', de aquello que nos lleva a cometer actos que se salen fuera de lo 'común', es algo extensible tanto a gran parte de la obra cinematográfica de Herzog (Tanto documentales como películas) como a la forma en la que este tiene de entender la vida y el cine ('Ademas, aquí se da por sentado que subiré un barquito de plástico por una colina de algún estudio de cine -...- y he agregado que bien será un barco de verdad sobre una montaña de verdad' -Werner Herzog sobre el rodaje de 'Fitzcarraldo' en 'La conquista de lo inútil'-). Jimmy Chi habló con Alex Honnold de la idea que este tenia con  Vasarhelyi  acerca de la posibilidad de hacer un documental sobre él y su intento de escalada libre a El Capitán. Tras un largo silencio y viendo la determinación de Honnold por llevar a cabo este reto, Chi le comentó que algo así debía ser grabado, registrado, capturado...
Andrew Grossman publicó en el año 2013 un muy interesante artículo acerca del documental de Herzog donde se plasman ciertas ideas que son extensibles al trabajo de Vasarhelyi y Chi. Grossman escribe 'La "locura" de los alpinistas no es sólo una fantasía colorida o una metáfora de Herzog; como sabemos, otros alpinistas a los que Messner había acompañado en el pasado perecieron (...) Cuando Messner habla con lágrimas de la muerte de su propio hermano escalando y describe su pasión por el montañismo como "escalada morbida"'. Como no puede ser de otra manera Vasarhelyi y Chi abordan también el tema de la muerte 'Ahora estoy en ese punto donde tengo 30 ó 40 amigos que han fallecido en las montañas'. 'Free Solo' muestra la manera en la que su protagonista se enfrenta a lo que esto significa y ha significado en su vida. Su filosofía, definida como un poco cruel por el mismo, acerca de que es la muerte y que es el amor. Dos caras de una misma moneda sobre las que Honnold piensa exactamente igual  'Si me muero, ellos pensaran: Que mal. pero la vida sigue. Estarán bien', 'Si me muero encontrarán a otro, no es tan importante'.
Tanto 'The Dark Glow of the Mountains' ('Gasherbrum - Der Leuchtende Berg') como 'Free Solo' no sólo muestran lo que ha significado la perdida para los protagonistas de amigos, conocidos, familiares.. sino que es para ellos abordar los retos que los exponen directamente a la muerte. 'Si no volvemos en dos semanas, significará que estamos muertos. No vayáis en nuestra búsqueda. No nos encontrareis'. 'Lo mas fácil será llamar al 911 y decirles... ya sabes.. un escalador...' Aunque Varashelyi y Chi muestran los sentimientos de Honnold (Aquí no hay entrevistas como tal, no hay una voz ajena a la del protagonista que sea la conductora de la historia como sucede en el documental de Herzog) se echa en falta una mayor profundidad en todo aquello referente a la 'locura' del protagonista, de la que no se huye en ningún momento (Se muestra la difícil relación con su padre, la forma de ser de este, de sus obsesiones y como afectó a su hijo, de sus relaciones con sus parejas. 'No le afectan las emociones igual que al resto delas personas') pero sobre la que nos gustaría que por momentos se tratara como hace Herzog en muchas de sus obras.
Esta idea no solo se aprecia en la forma que tienen Varashelyi y Chi de plasmar los miedos de Honnold sino también en la manera en la que estos muestran a Sanni McCandless, definida por estos como opuesta a Honnold y cuya relación con este hace que baje la guardia llegando a cometer errores de principiante que le llevan a lesionarse. En manos de otros directores se habría profundizado mas acerca de hasta que punto el miedo del héroe ha le llevado a cometer errores o si estos han sido por que Honnold ha descubierto lo que significa tener otra pasión mas allá del alpinismo. Hay que reconocer que los directores intentan huir del morbo, intentando mostrar con pinceladas como es el protagonista de su documental pero sin eclipsarlo a él y a su reto. Las palabras de Chi; 'La combinación entre un carácter vulnerable y carácter sobrehumano era una yuxtaposición interesante',acerca de Honnold demuestran la mas que interesante personalidad de este que lo podría hacer protagonista de un documental independientemente de como si en este caso intenta un reto de gran dificultad..
Como no puede ser de otra manera, 'Free Solo' posee imágenes de gran belleza que harán las delicias de los aficionados tanto si son amantes de la escalada o no. Vasarhelyi y  Chi querían mostrar de la mejor manera la epopeya de Honnold ya que su mayor interés era hacer justicia a la escalada que este iba a llevar a cabo por lo que era fundamental el equipo con el que rodearse para grabar. 'Todos son escaladores profesionales y además son grandes cineastas. Como sabes, ser escalador profesional de alto nivel es difícil de conseguir, pero encontrar a alguien que pueda filmar y sea capaz de rodar de una forma cinematográfica es una combinación muy difícil. No hay mucha gente a la que llamar, solo un puñado por todo el mundo y tenemos ese equipo. Es una pequeña comunidad en el escalón superior y en el mundo de la escalda. Todos nos conocíamos y muchos de nosotros somos amigos de Alex' (Jimmy Chi en una entrevista concedida a Jazz Tangcagy)
'Free solo' no solo explora los sentimientos de Honnold, también lo hace con los de su novia, sus amigos y los de todo el equipo involucrado en el rodaje de este documental. Tal y como los directores reconocen, este no es un documental que se basa en imágenes de archivo, sino de una obra que iba fluyendo conforme grababan, conforme editaban por lo que nadie sabia como iba a acabar sobre todo conociendo el gran riesgo para la vida de su protagonista, lo que derivaba en una tensión fácilmente visible en muchos de los momentos que el espectador podrá ver en pantalla (La presión acerca de como enfrentarse al posible fallecimiento de Honnold debió de ser algo difícil de llevar. Otro punto que el documental muestra pero sobre el que podría haber profundizado mas aunque hubiera supuesto hacer de los secundarios los protagonistas durante parte del mismo)
'¿Esas montañas y cumbres no se encuentra en el fondo del alma de cada uno de nosotros?' Esta frase de Werner Herzog intenta extrapolar los sentimientos de Kammerlander y Messner (También aplicables a Honnold) a todos nosotros. La fascinación nos hace adictos igual que el padre de Honnold a los viajes. '¿Crees que estás en tu sano juicio? Creo que todos los artistas, la gente creativa está loca. Incluso el arte y la creatividad son formas de degeneración (....) La pregunta no tiene respuesta porque la respuesta soy yo mismo' ('The Dark Glow of the Mountains' -'Gasherbrum - Der Leuchtende Berg'-). 'La gente piensa: Oh, bueno.. debe simplemente buscar emociones. Debe de tener algún problema' ('Free Solo'). Vasarhelyi y  Chi ruedan un notable documental que habla de la superación de uno mismo, de la locura, de la perdida, de enfrentarse a los miedos. Los directores muestran con mayor o menor profundidad todos estos temas con gran ritmo y sin que el interés decaiga en ningún momento (Seguro que estos han aprendido y mucho de James Marsh y su 'Man on Wire'). Sin duda alguna 'Free Solo' es un gran documental. De obligada visión tanto si gusta la escalada como si no.

Lo mejor: Las impresionantes escenas de la escalada libre a El Capitán
Lo peor: El material de partida es tan bueno que es imposible no pensar que habría hecho Herzog con él.



Creemos interesante compartir el corto 'Silence' de Bernardo Gimenez


No hemos podido resistirnos a pensar en 'Lobo hombre americano en Londres' ('An american werewolf in London') al ver a Honnold acercarse y observar a El Capitán.


viernes, 1 de marzo de 2019

Sobre 'Glass (Cristal)' y el cine de Shyamalan

Título: Glass (Cristal)
Año: 2019
Género:  Ciencia Ficción - Thriller - Secuela
Duración: 129 min. 
Director: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Música: West Dylan Thordson
Interpretes: James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Anya Taylor-Joy, Sarah Paulson, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Luke Kirby, Adam David Thompson
Nota: 4
Sinopsis: En la búsqueda de David Dunn por dar con el paradero de 'La Bestia', este se acabará topando con un viejo conocido, Elijah Price.




Crítica:
Tengo un problema con muchas de las películas de Shyamalan: Me gusta lo que cuentan pero no como lo cuentan. Creo que el director y guionista sabe lo que quiere pero no como lo quiere, sabe a donde quiere llegar y de donde partir pero no como recorrer ese camino, lo que lleva a que muchas de sus historias se tomen demasiadas licencias con situaciones no del todo lógicas o directamente poco justificables. 'Glass (Cristal)' no solo sirve para cerrar la trilogía que comenzó en 2000 con 'El protegido' ('Unbreakable') sino que también es un perfecto resumen del cine al que Shyamalan nos tiene acostumbrados y que tiene tantos seguidores como detractores.
El nombre de M. Night Shyamalan dejó de ser desconocido para el gran público cuando en 1999 estrenó 'El sexto sentido' ('The Sixth Sense'), su tercera película como director (Sus dos primeras cintas fueron 'Praying with Anger' y 'Los primeros amigos' -'Wide Awake'-, que no tuvieron mucho apoyo por parte del público) que marcó el inicio de los conocidos giros finales del director y que sentó las bases de lo que sería para muchos el devenir de su cine: Películas hechas por y para un determinado fin, al cual hay que llegar independientemente de como se haga. El todo vale en su máximo esplendor.
Dos escenas, dos momentos de 'El sexto sentido' ('The Sixth Sense') explican claramente lo que quiero expresar en el anterior párrafo. La clara intención de Shyamalan de construir una historia, de rodar una película que no juega limpio con el espectador, que incluso justificando que la voz narrativa es la del protagonista y muestra su punto de vista de los acontecimientos, es tramposa. La cena entre Anna Crowe (Olivia Williams) y Malcolm Crowe (Bruce Wilis) rodada con la clara intención de que el espectador sepa y tenga claro que ambos personajes comparten lugar siendo perfectamente conocedores de la presencia del otro (La mirada de Anna directamente a Malcolm así lo expresa). Malcolm en casa de Cole Sear, esperando a este en presencia de su madre, Lynn Sear, sentados en un sofá sin dirigirse la palabra. La escena tal y como está construida lleva a que el espectador piense, como no podría ser de otra manea, que esta ha dejado entrar a Malcolm, que han mantenido una breve conversación. Una escena no muestra solamente un momento sino todo lo que ese momento conlleva, algo que Shyamalan sabe y usa para su beneficio propio, de esta manera es fácil sorprender al espectador. El director utiliza la elipsis narrativa para omitir información importante para su historia.
Un año después, Shyamalan dirigió la que para muchos es su mejor cinta (No me incluyo en este grupo porque sin duda alguna me quedo con 'Señales' -'Signs'-) que cogía la misma estructura que 'El sexto sentido' ('The Sixth Sense') para construir su historia: Protagonistas que debido a un hecho traumatico (Un disparo de un paciente, un brutal accidente de tren) han de aceptar su nueva condición llevando a cabo para ello una misión (Bien sea ayudar a un niño a enfrentarse a 'sus fantasmas', bien sea salvar a una familia de las manos de un psicópata). Con todo 'El protegido' ('Unbreakable') era una película mas elaborada y redonda que el anterior trabajo del director.
La historia de David Dunn parecía no tener continuidad hasta que en el año 2016, Shyamalan dirigió 'Múltiple' ('Split'), cinta que tras un prometedor arranque y el gran trabajo de sus dos protagonistas principales (James McAvoy y Anya Taylor-Joy) se iba apagando por culpa de una historia que llegado un momento no sabía como evolucionar de forma satisfactoria. Sin que nadie lo supiera se diera cuenta, 'Múltiple' ('Split') se convirtió en la secuela de 'El protegido' ('Unbreakable').
Ahora nos llega 'Glass (Cristal)' cinta que pone punto y final a la trilogía que comenzó con 'El protegido' ('Unbreakable') y continuó con 'Múltiple ('Split'). La por ahora última película de Shyamalan lo tiene todo a su favor, al menos a priori. La complicidad del público que ha vuelto a apoyar al director después de los fracasos que supusieron 'After Earth' y 'Airbender: El último guerrero' ('The last Airbender'), el interés creado con 'Múltiple' ('Split') acerca de esta película, juntar en una misma historia a dos personajes considerados por muchos como iconicos dentro del Universo Shyamalan como son David Dunn (Bruce Willis) y Elijah Price (Samuel L. Jackson) con La bestia y el resto de personalidades del personaje interpretado por James McAvoy, y una mas que prometedora idea sobre la que construir toda una película: ¿Son realmente Dunn un héroe, y Price y La bestia, villanos? ¿todo aquello que sienten y piensan son delirios de grandeza? y ¿Son los cómics reflejo de una realidad que muchos desconocemos?
'Glass' es un perfecto resumen de todos aquello que ha hecho que Shyamalan tenga un grupo tan grande de detractores. Desde el innegable egocentrismo del director (Los cameos pueden tener su gracia, pero cuando la persona que lo hace no sabe actuar y como en este caso se dedica a intentar mantener los ojos dentro de sus órbitas, el cameo no solo se hace exasperante sino prescindible) hasta todas esas licencias que este se toma a la hora de construir sus historias y que le sirven para llevar a la historia donde el quiere sin importarle lo mas mínimo la coherencia de aquello que está narrando. La historia al servicio del efectismo.
En el siguiente párrafo se va a hablar explicitamente de ciertos aspectos que sin duda se pueden considerar como SPOILERS SPOILERS por lo que si no quieres leerlos te recomendamos que saltes al siguiente párrafo. No todo es comprensible en 'Glass (Cristal)'. El primer hecho que nos viene a la cabeza es el de como con un material tan interesante, el director y guionista ha rodado una cinta tan rutinaria. El segundo es ver como este ha preparado todo para llegar a un final no por desgracia no ofrece todo lo que como espectadores nos gustaria. El esperado enfrentamiento entre los tres personajes acaba por resultar fallido y carente de emoción. Pero.. ¿De verdad Shyamalan cree que el espectador se va a acabar creyendo que tres 'superhéroes' o 'supervillanos' pueden estar vigilados por solo dos personas bastante poco profesionales y un montón de cámaras de seguridad? Que dos personas como Pierce y Daryl se encarguen del control de Dunn, Price y La Bestia solo tiene una justificación: A Shyamalan le interesa justificar lo que va a pasar en su historia aunque aunque carezca de sentido o lógica. FIN SPOILERS FIN SPOILERS
'Glass (Cristal)' es una película que tiene un mas que interesante punto de partida: Enfrentar a tres personalidades distintas y enfrentadas para explorar y analizarlos. Shyamalan podría haber creado una gran historia acerca del enfrentamiento entre lo real y aquello que se percibe, que siente y que lleva a las personas a distorsionar su propia realidad. Un climax final decepcionante y una historia que por momentos no sabe sacar provecho de todas las herramientas que tiene a su favor, hacen de 'Glass (Cristal)' un claro 'quiero y no puedo (o no sé)'.  Decepcionante.


Lo mejor: Su premisa
Lo peor: Como se desaprovecha esa premisa. El cameo de Shaymalan..

martes, 19 de febrero de 2019

Crítica: Perdiendo el Este

Título:  Perdiendo el Este
Año: 2018
Género: Comedia romántica
Duración: 89 min
Director: Paco Caballero
Guión: Nacho G. Velilla, Antonio Sánchez, David S. Olivas, Oriol Capel y Daniel Monedero
Música: Juanjo Javierre
Interpretes: Julián López, Miki Esparbé, Younes Bachir, Chacha Huang, Edu Soto, Leo Harlem, Carmen Machi, Fele Martínez, Tom So, Silvia Alonso,  Javier Cámara
Nota: 2
Sinopsis: Braulio es joven y está sobradamente preparado. Pero hay un problema: Vive en España y la tasa de paro entre los jóvenes hace que la búsqueda de trabajo sea prácticamente imposible. Tras un curso intensivo de chino, se irá al país asiático a buscarse la vida, pero todo se complicará cuando vea que le va a caducar el visado y tendrá que volver a su país.



Crítica:
La ley del mínimo esfuerzo llevada a la pantalla grande y en su máximo esplendor. Lo peor que se puede decir de 'Perdiendo el este' no es que sea una muy mala película, que lo es, es que los nada mas y nada menos que cinco guionistas que han trabajado en esta película han cogido exactamente la misma estructura de 'Perdiendo el norte' y cambiado Alemania por China, unos pocos chistes y una maratón por un encierro, sin ningún tipo de rubor ni vergüenza, han 'escrito' la misma historia. Supongo que el respeto al espectador queda en un segundo plano, lo que importa es que gracias a una buena campaña publicitaria y a las rentas de cintas anteriores, el incauto pase por taquilla que al final es lo que parece que realmente preocupa e interesa.
'Perdiendo el este' no solo se aprovecha del éxito que tuvo la película dirigida en el año 2015 por el zaragozano Nacho García Velilla (Cuyo cine se puede definir como bien intencionado pero claramente fallido ya que todas sus películas están lastradas por el hecho de parecer episodios alargados de las series de televisión en las que este ha trabajado -'7 Vidas', 'Aida'...- pero... ¿Para que esforzarse en ofrecer algo nuevo cuando la formula repetida hasta la saciedad ha funcionado siempre tan bien?), sino también del polémico monólogo que Julian López hizo en el 'El Club de la comedia' acerca de los chinos. Pero que nadie intente buscar en la cinta de Caballero, toda la sorna, toda la mala leche de las palabras de López, aquí protagonista absoluto. No, 'Perdiendo el este' es una cinta edulcorada, sosa hasta decir basta que tiene que utilizar al personaje de Esparbaré para contar chistes que se pueden escuchar en el recreo de un colegio de educación primaria. El fumao que a pesar de su sobreactuación, tanta gracia nos hizo en 'Perdiendo el norte' ha quedado aquí relegado a ser una caricatura de la caricatura del personaje que hizo en la cinta de Velilla. Una de las cosas que mas nos gustó de esa película ha pasado a ser de lo peor y de lo mas cargante de 'Perdiendo el este', un personaje prescindible.
Siguiendo la máxima que ha hecho posible esta película, la del reciclaje, recupero, como ya he hecho con la sinopsis, una parte de aquello que escribí acerca de 'Perdiendo el norte' donde establecía una relación entre esta y 'Soul Kitchen' y que cambiando Alemania por China, norte por este, Nacho G. Velilla por Paco Caballero y cuatro por cinco puede ser aplicado a la cinta de Caballero. "No se nos debe pasar por alto que en 'Perdiendo el Norte' volvemos a encontrarnos con esa idea de que los personajes buenos son de origen extranjero, a lo que hay que añadir que  ambas cintas se mueven dentro de la comedia romántica buen rollista. Pero donde Akin ponía frescura y ritmo, Nacho G. Velilla se muestra excesivamente torpe y tosco dejándonos algún buen chiste pero regalándonos toda una serie de escenas a las que no ha sabido sacarles provecho. Muchas de ellas mal resueltas lo que hace que el tono general de la película esté mas cerca de un flojo episodio de televisión que de un largo pero que sobre todo hace que nos planteemos si detrás de 'Perdiendo el Norte' esta el trabajo de nada mas y nada menos que cuatro guionistas"
No hay en 'Perdiendo el este' ese pequeño punto de critica que podía haber en la cinta de Velilla. No nos encontramos con ese anciano con alzheimer que simboliza a todo un país, no hay nada mínimamente critico, ni esa es la intención, ya que esta es solo la de construir una cinta leve que sirva al público para que se evada de sus problemas durante hora y media. Loable intención lastrada por una historia sin gracia, ni chispa ni fuerza que esta vez toma la leyenda del hilo rojo que ya vimos en la soberbia 'Your Name' de Makoto Shinkai o que parece querer parodiar el encuentro entre Mina y Drácula en un cine en 'Drácula de Bram Stoker'  donde la 'magia' no es rota por un lobo sino por dos jóvenes hiperhormonados para recurrir al chiste fácil y obvio.
Cuando escribimos acerca de 'Perdiendo el norte' acabamos con: "Esta película conectará con una parte del público al que hará pasar un buen rato, pero al resto esta cinta le parecerá una muy muy floja comedia totalmente prescindible" Prácticamente podemos decir lo mismo de la película dirigida por Paco Caballero. La que podríamos definir como 'formula Velilla' ha llegado a un punto en el que solo se puede decir eso de renovarse o morir...


Lo mejor: Carmen Machi
Lo peor: La nula gracia de la historia.

miércoles, 13 de febrero de 2019

Festival Retina: Tunng y Fahrenheit 451

It is the strangest world
We're living in
And though we feel like giving in
It's a beautiful dream
Como espectadores, a veces tenemos la enorme suerte de encontrarnos regalos como el que pudimos disfrutar el pasado sábado 9 de febrero en el teatro del mercado en Zaragoza. De la mano del festival Retina, el grupo inglés Tunng puso música en directo a la cinta de Francois Truffaut 'Fahrenheit 451' que adapta a la pantalla grande la novela homónima de Ray Bradbury. Poner música, reinventar aquella que fue compuesta para una película o crear una nueva, es siempre arriesgado, sino que se lo digan a Paddy Steer obligado a que el espectador se olvide de Nick Cave y Warren Ellis al acercarse a 'La carretera'('The Road'), pero sin ningún tipo de dudas podemos decir que Tunng consiguió elevar la cinta de Truffaut otorgándole una nueva dimensión y personalidad, en definitiva, mejorandola. A día de hoy creo que será difícil volver a ver 'Fahrenheit 451' sin la música de Tunng.
He de ser ciertamente crítico con la adaptación que Truffaut hizo de la novela de Bradbury. No solo creo que esta ha envejecido estéticamente hablando, mal sino que además se han introducido ciertos cambios que personalmente no acaban de convencerme (La lectura del cómic sin diálogos o ver al matrimonio mostrarse cercano). Pero también he de ser sincero y reconocer que la película de Truffaut posee la misma fuerza crítica que la obra de Bradbury, como no podía ser de otra manera y que es un enorme acierto que los personajes de Clarisse y Linda Montag estén interpretados por la misma actriz, Julie Christie. En la adaptación que Fassbender llevó acabo de 'Desesperación' ('Despair') de Vladimir Nabokov, los personajes de Hermann Hermann y Felix fueron interpretados por dos actores distintos, Dirk Bogarde y Klaus Löwitsch, rompiendo de alguna manera con la idea del doble que el escritor usaba su novela (Y en muchas otras). Truffaut juega de manera soberbia con el hecho de que Christie de vida a las dos mujeres importantes en la vida de Montag (Oskar Werner), dos personalidades completamente opuestas con un mismo rostro.
I'm home alone in your flat,
bed sheets around my head
The hum of daytime TV
moans like the Walking Dead

El grupo inglés Tunng que en bandcamp es descrito de la siguiente manera: 'Desde su formación en 2003 y a lo largo de cinco álbumes, Tunng es un grupo que ha explorado las fronteras entre la música acústica y la electrónica, convirtiéndose en sinónimo del género fokltronica (Según wikipedia, este es un género que comprende diversos elementos de la música folk y la música electrónica, con uso de instrumentos acústicos) adapta sus propias canciones a las escenas y situaciones que plasmó Truffaut en su película. Estos no solo se limitan a poner música a 'Fahrenheit 451', a ser un simple acompañamiento de las imágenes proyectadas sino a llevarse a la película a un terreno mas personal, complementarla y hacerla todavía mas grande. La manera en la que estos usan la música y los diálogos es simplemente soberbia. Es una lastima que en mi caso mi nivel de inglés no me permitiera disfrutar como me hubiera gustado de la letra de las canciones de Tunng mientras veía la película. Obviamente es un fallo solo achacable a mi como espectador. 


Crítica/Análisis: Polar

Título: Polar

Año: 2018
Género: Acción - Thriller
Duración: 118 minutos
Director: Jonas Akerlund
Guión: Jayson Riothwell según la novela gráfica de Víctor Santos
Música: Deadmaud5
Interpretes: Mads Mikkelsen, Vanessa Hudgens, Katheryn Winnick, Fei Ren, Ruby O. Fee, Matt Lucas, Robert Maillet, Anthony Grant, Josh Cruddas, Lovina Yavari, Ayisha Isaa
Nota: 3
Sinopsis: Llega el momento esperado por todos los trabajadores y mas cuando eres un asesino de élite: La hermosa y dorada jubilación. Pero todo se complicará para Duncan Vizla cuando un grupo de jóvenes asesinos quieran dar con su paradero y acabar con él.




Crítica:
'Polar' o como querer aprovecharse del fenómeno 'John Wick' y acabar rodando 'La casa del lago'. Se pueden decir muchas cosas de la adaptación de la novela gráfica de Víctor Santos que Akerlund como director y Riothwell como guionista han llevado a cabo pero sin duda alguna hay una palabra que lo describe perfectamente y esa no es otra que decepcionante. Decepcionante porque la potente narrativa visual de la obra de Santos parece haber quedado eclipsada por una estética mas propia de un mal videoclip, pero sobre todo por la sensación que queda en el espectador de que esta es una cinta que intenta emular a las películas dirigidas por Chad Stahleski y que por supuesto, no lo consigue.
John Wick

En el año 2014, Chad Stahelski dirigió una cinta de acción que sorprendió a propios y extraños. 'John Wick' protagonizada por Keanu Reeves, se convirtió casi desde su estreno en una obra de culto y tal fue su éxito que ya ha conocido dos secuelas. La mas que cuidada estética de la película así como la brutalidad de las escenas de acción cuidadosamente coreografiadas hicieron de esta película una cinta fácilmente disfrutable por los amantes del género. Sin quitar ningún merito a la película de Stahelski hay que reconocer que su existencia o su concepción de la violencia no sería la misma si no fuera porque tres años antes, Gareth Evans se puso detrás de las cámaras para dirigir 'The Raid: Redepmtion' película que sin duda alguna ha marcado un antes y un después en lo que al cine de acción mas brutal, salvaje y directo se refiere (Si, Stahelski trabajó en 'Matrix' otra cinta que marcó un hito en la historia del cine de acción pero la brutalidad de 'John Wick' está mas presente en 'The Raid: Redepmtion' que en 'Matrix'). Si no podemos evitar hablar de la cinta de Evans al hacerlo de la de Stahelski tampoco podemos evitar hacerlo, en este caso con mucha mas razón, al hablar de 'The Night comes for us' de Timo Tahjanto.
Taciturno. Poco hablador. Traumatizado por el pasado, por de alguna manera la perdida propia o ajena. Duncan Vizla tiene algo, mucho del John Wick de Reeves (Actor este que parece que se siente mas cómodo en papeles con poco diálogo. Ahí está por ejemplo 'Destination Wedding' de Víctor Levin, ese inicialmente reverso oscuro de la trilogía dirigida por Richard Linktalker y protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, que acaba convirtiéndose en una película romántica mas al uso) Aunque 'Polar' parece querer alejarse de su claro referente llegando incluso a ridiculizarla, ahí está la escena del perro, esta no solo no lo consigue sino que ademas sitúa al espectador aficionado a las cintas protagonizadas por Reeves a una posición realmente crítica sobre aquello que va a ver. El patinazo a la hora de despreciar aquello a lo que quieres imitar es épico porque ni si quiera funciona coma broma.
La culpa. Jason Bourne.
Del mismo modo que 'The Raid' de Gareth Evans cambió el concepto acerca de como plasmar la violencia en el cine, Paul Greengrass con su acercamiento a Jason Bourne hizo lo propio en lo que a las escenas de acción se refiere y si no que se lo digan a Martin Campbell y su 'Casino Royale'. El espectador no se va a encontrar en 'Polar' con una forma parecida a como Greengrass usa la cámara en sus películas pero si con el peso de la culpa de las acciones llevadas a cabo en el pasado. Resulta inevitable establecer cierto paralelismo entre 'El mito de Bourne' ('The Bourne Supremacy') y 'Polar' por la manera en la que el presente de ambos protagonistas está marcado por aquello que ocurrió en una habitación en Berlin o en una calle cualquiera de una gran ciudad.
Acción Vs Drama. La casa del lago

Lo peor que le puede pasar a una película que este basada en una novela gráfica o novela a secas es que sea incapaz de despertar el interés del espectador por la obra en la que se basa. Y sin ningún tipo de dudas eso ocurre en este caso. La estética elegida por el director para plasmar ciertos momentos de su película así como a ese supuesto grupo de asesinos de élite solo consigue establecer demasiada distancia entre el espectador y aquello que está viendo. La forma de editar ciertos momentos mas que llamar la atención del espectador como por ejemplo podía ocurrir en 'Assassination Nation' llevan e este pensar que son efectos de saldo extraídos de descartes otras películas. Akerlund quiere ir de moderno y rompedor y acaba consiguiendo que el espectador piense que en la cabeza del director todo podía parecer muy bonito pero que ha sido incapaz de plasmarlo en pantalla con un mínimo de fuerza y elegancia.
Podemos hablar de tres partes claramente diferenciadas en el 'Polar' de Akerlund, tres partes que suceden casi de forma simultanea, no como capítulos independientes. La primera de ellas es de la que hemos hablando en el párrafo anterior que es con la que comienza la película y que produce una pereza en el espectador por momentos difícilmente superable. La segunda de ellas es cuando la violencia se estiliza, se hace adulta y empieza a ofrecer aquello que el espectador espera de ella y la tercera hace referencia a toda la parte dramática de la historia cuyo mayor fallo no es la previsibilidad sino la falta de pasión que trasmite esta parte a pesar del esfuerzo de Vanessa Hudgens. Lo mejor sin duda es el lugar donde suceden los hechos, esas casas en el lago (Aquí no hay cartas que unen pasado y presente, sino la culpa) y la visita del personaje de Mikkelsen a la escuela del pueblo donde vive.
Pasillos
Es la que hemos definido como la segunda parte de las tres en la que hemos dividido a 'Polar' cuando esta nos muestra todo aquello que como espectadores queríamos y tanto nos ha costado disfrutar. Cuando la violencia despliega en todo su esplendor y Akerlund nos deja dos de las mejores escenas de su película, dos de esos momentos que no sirven para justificar el visionado de toda la cinta pero que por lo menos ofrecen al sufrido y paciente espectador algo que lo saque del tedio en el que se ha visto sumido.
Y otra vez la sombra del cine de Evans vuelve a estar presente en una película de acción/violencia reciente. No solo aquello que le sucede a Andi (Donny Alamsyah) toma forma sobre el Black Kaiser en 'Polar' sino que ademas, la estética de la violencia de la que hace gala Evans  vuelve a estar presente en la cinta de Akerlund y otra vez sacando el máximo provecho de un espacio mínimo: Un pasillo. Si la brutalidad de 'The Raid: Redemption' empieza a brillar en su máximo esplendor a partir de la escena en la que Rama (Iko Uwais) ayuda a Bowo (Tegar Satrya) a huir de una horda de perseguidores sedientos de sangre, 'Polar' ofrece lo mejor de si misma en ese pequeño espacio, un momento que no justifica el visionado de toda la película pero que sin duda es lo mejor de la misma y que nos deja al Mads Mikkelsen que todos esperábamos ver y que tanto nos ha costado disfrutar.
Pero para llegar a todo esto, el espectador se ha tenido que enfrentar a la parte inicial de 'Polar' que desde luego es lo peor de la cinta a lo que hay que sumar tanto Blut como la interpretación de Matt Lucas, actor que le da vida en pantalla. Es una lastima que la obra de Santos haya conocido una adaptación tan floja y aburrida como esta y mas teniendo en cuenta que detrás de ella está el director de 'Lords of Chaos' y que cuenta con un actor como Mikkelsen. Netflix ha dado con la clave del éxito en lo que a series se refiere, pero por ahora tiene que seguir buscando como hacer lo mismo con las películas. Una lastima.

Lo mejor: La visita de Vizla a la escuela.
Lo peor: El tono de videoclip chusco de la primera parte de la película.

lunes, 11 de febrero de 2019

Sobre 'Burning' de Lee Chang-dong y la obra de Haruki Murakami

Título: Burning

Año: 2018
Género: Drama - Thriller
Duración: 148 minutos
Director: Chang-dong Lee
Guión: Chang-dong Lee y Jungmi Oh según un relato corto de Haruki Murakami
Música: Mowg
Interpretes: Ah-in Yoo, Steven Yeun, Jong-seo Jun, Soo-Kyung Kim, Seung-ho Choi, Seong-kun Mun, Bok-gi Min, Soo-Jeong Lee, Hye-ra Ban, Mi-Kyung Cha, 
Nota: 8
Sinopsis:
Después de conocer a Hae-mi, esta le pedirá a Jong-su que cuide de su gato mientras está de vacaciones. Cuando la chica vuelva no lo hará sola. Un extraño joven la acompañara...




Crítica:
Lee Chang-dong es mas Murakami que el propio Murakami, o mejor dicho y para ser exactos, Lee Chang-dong  y Oh Jungmi son mas Murakami que el propio Murakami...
Tras la publicación en España de 'El elefante desaparece' libro que agrupa diversas historias cortas del escritor japones, entre ellas 'Quemar Graneros' utilizada por Lee Chang-dong y Oh Jungmi para escribir el guión de 'Burning' o esa autentica maravilla titulada 'Sobre el encuentro con una chica cien por cien perfecta una soleada mañana del mes de abril' y que de alguna manera está muy presente en el 'Your Name' de Makoto Shinkai, Rafael Narbona escribió acerca de esta recopilación y de la obra de Murakami en general: 'Lo insólito y grotesco se mezcla con lo cotidiano y previsible. Los personajes son individuos insatisfechos, que no encuentran mucho sentido a sus vidas. La sombra del fracaso se mitiga con una tibia esperanza. Carecen de objetivos, pero esperan algo. Esa actitud les libra de un nihilismo sin posibilidad de redención'. Esta frase define al menos para mi, aquello con lo que me encuentro al leer muchas de las obras de Murakami y como no puede ser de otra manera, define también las adaptaciones a la pantalla grande que han llevado acabo de algunas de estas.
Jong-su conoce a una joven aficionada a la pantomima. Cuando esta se marche de viaje a África le pedirá un pequeño favor, que pase por su casa para cuidar a su gato durante su ausencia. Al regresar Hae-mi no lo hará sola sino con Ben, un misterioso joven con una curiosa afición.
A pesar de la corta duración de la historia escrita por Murakami y de la manera en la que Lee Chang-dong y Oh Jungmi se muestran fieles a la estructura de la misma son varios los cambios que hemos observado que nos han llamado significativamente la atención, alguno de ellos por no acabar de entenderlo, otros porque tal y como inciábamos esta crítica/análisis hacen que Chang-dong con su 'Burning' sea mas Murakami que el propio Murakami.
¿Podrás darle de comer cuando vaya a África?
Son muchas las ideas que de forma recursiva aparecen tanto en las novelas como en las historias cortas de Haruki Murakami. Una de ellas y sin ningún tipo de dudas es la presencia de los gatos, en algunos casos presentes como en 'After Dark' ('Unos cuantos gatos contemplan la escena desde un lugar alejado'), en otros ausentes o perdidos como en 'Crónica del pájaro que da cuerda al mundo' ('Miré el plato del gato: las sardinas secas estaban tal como yo las había dejado la noche antes y no faltaba ni una. Era evidente que el gato no había vuelto') o en 'Kafka en la orilla' ('Si, busco a señores gatos extraviados. (...) va recogiendo información de aquí y allá hasta que descubre el paradero del gato desaparecido'). El gato ('Los gatos tienen su propio estilo de vida. No son tontos' -'Crónica del pájaro que da cuerda al mundo') del que se pueden encontrar referencias en casi todas las historias de Murakami no está presente en 'Quemar Graneros' (Nombre de la historia corta que forma parte de 'El elefante desaparece') pero si en la película de Lee Chang-dong.
No hay en 'Quemar Graneros' la necesidad de que nadie visite la casa de la protagonista durante su ausencia para cuidar  a un gato que parece que sufre un raro autismo, a un gato que se esconde cada vez llega un extraño, un gato que parece que no existe. Una forma de actuar que puede ser extensible tanto a Jong-su como a Hae-mi. El gato como reflejo de la situación en la que se encuentran sus protagonistas, idea plasmada en unas de las historias de Murakami que vuelve a estar presente en 'Burning'.
Modelo
Otra de las ideas recurrentes en muchas de las historias de Murakami es la forma en la que este describe y desarrolla a los personajes femeninos protagonistas y que en muchos casos producen un gran impacto en los masculinos. En algunos casos ellas trabajan como modelos (Las orejas por ejemplo son otra de las obsesiones del japones) 'Trabajaba de correctora a tiempo parcial para una pequeña editorial, era modelo de publicidad especializada en orejas' ('La caza del carnero salvaje'), 'Se ganaba la vida como modelo publicitaria y así se pagaba las clases de pantomima que impartía no se que maestro' ('Quemar Graneros') pero en todos o en casi todos de ellos, los encuentros fortuitos son vitales para el desarrollo de las historias entre los protagonistas. Mas allá de la presentación inicial de Hae-mi en 'Burning', el espectador tiene claro que esta no es May Kashara o la protagonista de 'La caza del carnero salvaje', no tiene esa arrebatadora presencia que pone patas arriba el mundo de Toru Okada o cuya desaparición obsesiona al narrador de la historia de 'La caza del carnero salvaje' y que si que tiene la protagonista de la historia corta de Murakami: 'Me olvidaba del trabajo, de las cosas que no quería hacer, de problemas insignificantes que era incapaz de resolver o de pensamientos incomprensibles. Era una habilidad suya' ('Quemar Graneros'). Los personajes femeninos de Murakami parecen remitirnos directamente a la Clarisse de 'Fahrenheit 451' de Ray Bradbury y la influencia que esta tiene sobre Montag.
Pozo. 
Cuando debas ir hacia abajo, 
busca el pozo más profundo 
y baja hasta el fondo.

Aunque al hablar de pozos es probable que al lector le venga a la cabeza la novela de Koji Suzuki y las adaptaciones a la pantalla grande que llevaron a cabo Hideo Nakata y Gore Verbinski, estos están presentes en muchas obras escritas por todo el continente asiático. 'El brillo del sol de aquel día nublado después de mi experiencia en el interior del pozo ciego' escribe Kenzaburo Oé en 'El grito silencioso'. Este elemento, el pozo, el pozo seco en el que el protagonista se adentra de una forma física o metafórica vuelve a estar presente en muchas de las obras de Murakami. 'El pozo, como todos los objetos que pertenecían a la casa, parecía llevar mucho tiempo abandonado, olvidado. Allí se respiraba algo que apetecía llama insensibilidad opresiva. Quizá cuando la gente los abandona, los objetos inanimados se convierten en objetos aún más inanimados' ('Crónica del pájaro que da cuerda al mundo'), 'Fue como si viviera sola en el fondo de un profundo pozo' ('Kafka en la orilla'), 'Mi pozo era demasiado profundo, demasiado oscuro, y no existía suficiente cantidad de tierra para cegarlo' ('El fin del Mundo y un despiadado País de las Maravillas'), 'Me sentí como si estuviera agazapado en el fondo de un pozo' ('La caza del carnero salvaje').
Igual que ocurría con el gato, el pozo es un elemento usado de forma recursiva por Murakami que no está presente en 'Quemando Graneros' pero si en la adaptación que Lee Chang-dong y Oh Jungmi han llevado a cabo de la obra del japones. 'Cuando debas ir hacia abajo, busca el pozo más profundo y baja hasta el fondo'. Las palabras del señor Honda en 'Crónica del pájaro que da cuerda al mundo' así como las de Okada 'Un pájaro que no puede volar, un pozo sin agua', pueden servir para explicar la relación existente entre Jong-su y Hae-mi y la situación en la que se encuentran sus vidas, encalladas, paralizadas, ya que ella hace referencia a la manera en la que el la ayudó a salir de un pozo al que cayó siendo niña, algo que solo parece recordar la propia Hae-mi.
Burning
Puede resultar extraña, al menos a la persona que escribe estas líneas le sucede, la forma elegida por los guionistas para construir tanto a su personaje principal como la relación que existe entre él y Hae-mi. El protagonista de 'Quemando Graneros' está casado y por la forma de narrar su relación con ella parece no ser tan inocente y por momentos simplón, menos manejable y manipulable, que el Jong-su de 'Burning'. También puede resultar extraña la forma en la que los guionistas cogen el esqueleto de la historia de Murakami y reinventan ciertos pasajes especialmente en lo que a su parte final se refiere, mostrando las ideas desarrolladas por el escritor japones y llevándolas un poco mas allá. Si hemos dicho que 'Burning' es mas Murakami que las obras del propio Murakami, la parte final de la película aunque puede dejar mas preguntas que respuestas, parece resolver algunas preguntas mas que la historia en la que se basa.
Steven Yeun da vida a Ben, a ese extraño con el que Hae-mi vuelve de vacaciones. El actor tras la mas que decepcionante 'Mayhem' de Joe Lynch continua con su intento de sobrevivir al personaje que le dio la fama, Glenn en 'The Walking Dead'. Son pocos los actores que han conseguido alejarse de las series de televisión que los hicieron famosos pero con cintas como 'Burning', Yeun puede encontrar la senda al éxito que a otros se les negó. Yoo Ah-in resulta perfecto como protagonista de la película de Lee Chang-dong, como esa persona a la que las circunstancias le desbordan, como ese SPOILER SPOILER SPOILER granero que ha sido incendiado por un extraño FIN DEL SPOILER FIN DEL SPOILER y la Hae-mi de Jung Jong-seo no es el personaje seductor al que nos tiene acostumbrados Murakami pero en el contexto de la historia y de la vida de Jong-su funciona a la perfección para mostrar la ilusión y luego la obsesión que este desarrolla...
Lee Chang-dong construye una película con pulso y fuerza cuyo ritmo no decae durante sus casi dos horas y media de duración. Además de imágenes de una belleza exquisita, el espectador se encontrará con la delicadeza de la banda sonora compuesta por Mowg que en base a las variaciones sobre ciertas melodías aparentemente sencillas consiguen complementar perfectamente a las imágenes de Lee Chang-dong. 'Stalk' que introduce arreglos sobre la base de 'The Way Home' o de 'Burning' entre otros, la sutileza de 'Dream', de 'Suffer and Suffer' o ese maravilloso 'Void' hacen de esta una banda sonora a la altura de la película.
'Burning' es sin duda una de las grandes cintas de la temporada que injustamente se han quedado fuera de las nominaciones a la mejor película de habla no inglesa en los premios Oscars. Lee Chang-dong se acerca al universo creado por Murakami, lo lleva a su terreno cambiando ciertas cosas e ideas y sin duda alguna lo expande. 'Burning' cinta de ritmo pausado es una de esas películas de obligada visión.


Lo mejorEl trío de actores protagonistas. La banda sonora, la belleza de sus imágenes. La manera en la que los guionistas expanden el Universo Murakami 
Lo peor: A pesar de la manera en la que abordan la historia, algún cambio resulta chocante.