lunes, 9 de septiembre de 2019

Sobre 'El protector' de A.J. Quinnell, 'Bala Blindada' y 'El fuego de la Venganza'

Título: Bala Blindada - Man on fire

Año: 1987
Género: Acción - Drama
Duración: 92 minutos
Director: Élie Chouraqui
Guión: Élie Chouraqui y Sergio Donati según la novela de A.J. Quinnell
Música: John Scott
Interpretes: Scott Glenn, Jade Malle, Joe Pesci, Brooke Adams, Jonathan Pryce, Paul Shenar, Danny Aiello, Laura Morante, Giancarlo Patri, Inigo Lezzi, Alessandro Haber, Franco Trevisi
Nota: 7
Sinopsis: En ex-agente de la CIA, Creasy, empezará a trabajar como guardaespaldas de una niña. Cuando esta sea secuestrada, él decidirá tomarse la venganza e ir en busca de la niña.




Crítica:
Hay novelas que vienen con banda sonora incluida. Hay novelas a las que el lector le puede poner su propia música. ‘El protector’ (‘Man on fire’) de A.J. Quinnell es una de ellas. Johnny Cash, Dr. Hook y Linda Ronstadt y su ‘Blue Bayou’ es la propuesta del autor, cualquiera de los temas que forman parte de los primeros discos del grupo italiano Calibro 35 es la de la persona que escribe estas líneas.
Italia. El país vive una ola de secuestros. Pepino Manchetti es la tercera víctima solo en el mes de enero.  Las familias adineradas viven con miedo a que sus hijos sean los siguientes. Ettore Balletto con la idea de calmar a su mujer Rika contratará a un exmercenario alcohólico como guardaespaldas para su hija, Pinta.
Creasy tiene algo de los protagonistas de ‘El salario del miedo’ ('Le salarie de la peur') de Georges Arnaud. De ese grupo de personas que se encuentran atrapadas en un poblado de Guatemala. De ese grupo de personas cuyo pasado les persigue y del cual son incapaces de huir. De ese grupo de personas que harán cualquier cosa por, de alguna manera, intentar volver a empezar. Si Arnaud mostró como sus protagonistas se aferraban a la idea de transportar un peligroso cargamento de nitroglicerina a través de la selva, Quinnell hace lo propio mostrando a un exmercenario que trabajará como guardaespaldas de una niña. Obviamente el desarrollo de ambas historias es diferente pero estas muestran como un grupo de personas se enfrentan a situaciones que les desbordan, donde el poder de superación está presente y donde esa rabia que muestra el titulo original de la novela de Quinnell se puede aplicar tanto a Creasy como a alguno de los protagonistas de la novela de Arnaud y sus adaptaciones a la pantalla grande (‘El salario del miedo’ –‘Le salarie de la peur’-, Henri-Georges Clozout, 1953 y ‘Carga maldita’ –‘Sorcerer’-, William Friedkin, 1977). Y Creasy tiene algo también del John Rambo de ‘Rambo. Acorralado’ (‘First Blood’) de David Morrell que fue llevada a la pantalla grande por Ted Kotcheff, de ese inadaptado obsesionado por la guerra y que despreciado mostrará la ira y la rabia que lleva dentro contra aquellos que de una u otra manera lo ha atacado o intentan hacerlo. Rambo como Creasy son ‘Men on fire’.
La brevedad, la concisión contra el exceso. La estética sobria propia de muchas cintas de los años ochenta contra esa que podríamos definir como propia de un videoclip de la MTV.  ‘El protector’ (‘Man on fire’) de A.J. Quinnell ha sido llevada al cine en dos ocasiones. La primera (‘Bala Blindada’ –‘Man on fire’-) en 1987 de la mano de Élie Chouraqui (‘Las flores de Harrison’ –‘Harrison’s flowers’), la segunda, diecisiete años mas tarde (‘El fuego de la venganza’ – ‘Man on fire’-), dirigida por Tony Scott que situaba ahora la historia en México. Son varios los cambios que los guionistas de ambas películas (Chouraqui, Sergio Donati y Brian Helgeland) han establecido con respecto a la novela original, y otros utilizados por Chouraqui y Donati en su película son mantenidos por Helgeland. Procedamos a analizar las tres obras en conjunto.
Italia/México

A.J. Quinnell y Chouraqui junto con Donati situaron la acción de la novela y su película en una Italia sometida por las Brigadas Rojas (Quinnell hace referencia al auge del terrorismo en Europa, al grupo ya citado hay que sumar el Ejercito Rojo y los nacionalistas vascos) y los grupos mafiosos (El tratamiento que hace Quinnell de la lucha de poder entre los capos de Milán, Turín, Roma o Nápoles es similar al que Don Winslow plasma en sus novelas ‘El poder del perro’ -‘The power of the dog’-, ‘El cártel’ -‘The Cartel’- y ‘La frontera’ -‘The Border’- acerca de los cárteles mexicanos. De alguna manera la idea de la venganza de Art Keller tras la tortura y el asesinato de su amigo Ernie Hidalgo puede traer a la memoria la de Creasy. En la novelas de Wilson este muestra la lucha de un hombre contra los cárteles de la droga mexicanos, -y también contra los gobiernos del pis centroamericano y el de su propio país- en la de Quinnell este muestra también la de un hombre contra todos aquellos que han tenido alguna relación con el secuestro de la chica a la que protegía, independientemente del puesto o cargo que ocupan dentro de la organización criminal), mientras que Helgeland y Scott llevaron la historia al México actual donde la corrupción policial parece que campa a sus anchas y la violencia indunda sus calles.La cinta de Scott acaba dando las gracias a Ciudad de México, un lugar muy especial. 
Concisión. Exceso

Adaptar una novela a la pantalla grande no es una tarea sencilla. En muchos casos los guionistas han de decidir que fragmentos o pasajes de la historia formarán parte del guión que luego se rodará. Como no puede ser de otra manera, el espectador y el lector deben de entender que estos pueden tomarse ciertas licencias a la hora de hacerlo. Chouraqui y Donati se muestran parcos en explicaciones, no entran a explicar en profundidad la situación que vive el país, la ola de secuestros que las familias adineradas están viviendo. El uso de la voz en off por parte de estos en ‘Bala Blindada’ (‘Man on fire’) sirve para entender la historia desde el punto de vista de Creasy pero no para tener una idea global de lo que ocurre. Tony Scott en ‘El fuego de la venganza’ (‘Man on fire’) dedica los tres minutos y medio primeros para ubicar al espectador, para explicarle la situación en América latina (Un secuestro cada sesenta segundos) y el funcionamiento de un secuestro así como el pago del rescate.
Chouraqui y Donati no entran en grandes detalles a la hora de narrar su historia, por momentos el espectador tendrá la sensación de que estos insinúan mas que cuentan, lo que aleja su película de la de Scott donde todo resulta excesivamente explicado, masticado y regurgitado para que seguir o entender la historia no sea algo complicado para el espectador.'El fuego el la venganza' ('Man on fire') es una muestra del cine que nos llega desde hace unos años: Violento pero politicamente correcto (No se quiere ofender a nadie) y de fácil digestión.
 Los personajes.

Creasy.

Scott Glenn. Denzel Washington. Ex-agentes de la Cia. Creasy. Ex-mercenario. Incapacidad para relacionarse con las personas. El alcoholismo del protagonista de la novela de Quinnell está presente en ‘El fuego de la venganza’ (‘Man on fire’) pero no así en ‘Bala Blindada’ ('Man on fire'), y lo mismo se puede decir de la importancia de los símbolos religiosos. Un crucifijo de oro macizo con una cadena finamente labrada. Una medalla de San Judas, patrón de las causas perdidas. Regalos de para una persona que no está acostumbrada a ellos, para una persona que no está acostumbrada a muestras de cariño. Los personajes de Glenn y Washingtiong, el mismo, contratados para lo que parece un trabajo menor, ser guardaespaldas de una niña. 
Pinta/Samantha/Lupita

‘El profesional’ (‘León’). La película dirigida en 1994 por Luc Besson narraba la amistad entre un asesino profesional, León (Jean Reno) y una niña  (Natalie Portman) cuya familia ha sido asesinada. León y Creasy, dos personajes solitarios, acostumbrados por diversos motivos al silencio, a estar casi constantemente con sus fantasmas. La obsesión de cuidad de una planta es sustituida por Scott por liberar a un loro de su jaula. El Guido, el David, el Paul de Creasy, es el Tony de León (Actor este último interpretado por Danny Aiello que también trabajó en ‘Bala Blindada’ –‘Man on fire’-). Dos personajes antagónicos, un asesino y una niña que acaban estableciendo una profunda amistad en medio de la violencia que les rodea. Si algo tienen en común Pinta, Samantha (‘Bala Blindada’, -‘Man on fire’-), Lupita (‘El fuego de la venganza’ –‘Man on fire’-) y Mathilda (‘El profesional’ –‘León’-) es una gran inteligencia y empatia. Los esfuerzos que hacen estas por llegar a aquellos que los han acogido bajo su tutela y protección (Creasy y León de alguna manera se convierten en sus padres) hacen que la barrera que estos han construido a su alrededor se derrumbe. Marco Polo, fundamental en la manera en la evolución de la amistad de estos personajes para Quinnell y Chouraqui es dejado de lado por Scott. ¿Una manera de suavizar una referencia literaria demasiado compleja para el público americano? Recordemos que en la película de Chouraqui este hace constantes referencias a la novela ‘De ratones y hombres’ (‘Of mice and men’) de John Steinbeck. A pesar de tratarse de adaptaciones de una misma novela, parece que el público al que van dirigidas es muy distinto.
Hay dos diferencias fundamentales entre Pinta, Samantha y Lupita. La primera de ellas es la crueldad de Samantha, algo que la aleja del personaje creado por Quintal y del interpretado por Dakota Fanning. El atractivo de Creasy (El 'Tú eres atractivo para las mujeres, debes saberlo. Y no puedes vivir aislado. Afectas a los otros' deriva en este se acueste con Rika, la madre de Pinta) es utilizado por Samantha para atacar duramente a este y a su madre, cuya ausencia esta cree que podría cambiar si el guardaespaldas estuviera con ella. La dulzura que muestran Pinta y Lupita, es rota de manera radical en este momento por Samantha. 
En el siguiente párrafo hay SPOILERS SPOILERS por lo que si no quieres leerlos te recomendamos que saltes al siguiente. Resultan llamativos los cambios introducidos por Chouraqui, Donati y Helgeland con respecto a aquello que le ocurre a la niña. Si Quinnell deja claro que los secuestradores la violaron sucesivas veces y esta acabó muriendo de forma cruel, en las adaptaciones a la pantalla grande Samantha y Lupita son rescatadas por Creasy. Mientras Scott hace de su película una cinta adaptada a los tiempos (La niña es salvada por el héroe que se sacrifica por ella, lo que rompe con la novela original y cierra las puertas a una saga centrada en el personaje principal), Chouraqui aunque cambia el destino que Quinnell da la niña en su novela, deja un claro poso de amargura con un plano en el que parece insinuar que las secuelas que tiene esta tardarán en curarse. ‘Bala Blindada’ (‘Man on fire’) insinúa sin entrar en el detalle de la novela de Quinnell (‘Buscaría a otra muchacha, quizá más joven aún. A medida que envejecía, le gustaban cada vez más jóvenes’,  ‘Entonces esos cerdos se la llevaron, abusaron de ella, la dejaron ahogarse en su propio vómito. Es como si lo viera. Le vendaron los ojos. La ataron a una cama inmunda, la usaron para distraerse. ¡Miserables!’). La venganza llevada a cabo por Creasy en 'Bala blindada' ('Man on fire') no solo busca dar con el paradero de Samantha si no también calmar los fantasmas de su pasado por no poder haber ayudado a una niña. Sorprende que siendo la cinta de Chouraqui una película sórdida, este exonere al padre para culpar a uno de los sirvientes. La truculencia de la idea desarrollada por Quinnell en su novela y por Scott en su película, es dejada de lado por  Chouraqui y  Donati en lo que supone una de las grandes decepciones de esta película. FIN SPOILERS FIN SPOILERS
Rika/Jane/Lisa

La madre de la protagonista tiene tres tratamientos diferentes según nos quedemos con la novela o con alguna de las dos adaptaciones a la pantalla grande. De la mujer caprichosa cuya única obsesión son las apariencias en 'El protector' ('Man on fire'), se pasa en ‘Bala Blindada’ (‘Man on fire’) a una persona simplemente perfilada, sin ningún tipo de profundidad, mientras que en ‘El fuego de la venganza’ (‘Man on fire’) esta se aleja de la superficialidad de la Rika de la novela de Quinnell, para mostrarse como una mujer fuerte que tiene claras las ideas.
Guido/David y Satta. Paul y Miguel.

Guido, David (Joe Pesci), Paul (Christopher Walken). Los mejores amigos de Creasy. Aquellos a los que este, asilado del mundo, va a visitar, aquellos que le consiguen un trabajo aparentemente sencillo: Ser guardaespaldas de una niña. El pasado marca a estos personajes especialmente en el caso de Guido y de u David atormentado y por momentos psicótico como se puede apreciar en la canción que canta ('Johnny B. Goode') en el transcurso de una boda. Es fundamental la presencia de Satta y de Miguel Manzano en las historias, policías que investigaran el secuestro de las niñas y cuya relación con Guido, David o Paul será fundamental para Satta y Miguel. Como hemos dicho varias veces en esta crítica/análisis, Chouraqui se muestra demasiado parco en explicaciones y la relación entre David y Satta resulta simplemente perfilada. Igual que ocurre con la madre de Samantha, los guionistas de 'Bala Blindada' ('Man on fire'), Satta resulta un personaje excesivamente secundario para la importancia que realmente tiene en la historia.
La prensa. Maríana García Guerrero

La situación en Italia y México resulta insostenible. La gente necesita algo de esperanza, pensar que las cosas pueden cambiar. Gracias a la manipulación por parte del poder y las mafias o por periodistas valientes, la prensa tiene un lugar destacado a la hora de ofrecer a la gente lo que busca.  La difusión de la foto de Creasy por parte de la mafia en los periódicos ('Y usted lo convertirá en héroe - advirtió Gravelli. -Después será un héroe muerto - respondió Cantarella -Y a los muertos se les olvida pronto'), las presiones por parte de Adan Barrerá en 'El cártel' de Don Winslow La presencia de Maríana García Guerrero que ayudará a Creasy en 'El fuego de la venganza' ('Man on fire'), los periodistas de Ciudad Juárez en la novela de Winslow, dos casos en los que estos en busca de la verdad son capaces de poner su vida en riesgo. Es cierto que Scott no lleva al personaje de Mariana al límite, pero al espectador no le hace falta algo así para saber el peligro que esta corre. Chouraqui abre su película con el acoso de la presa a la policía italiana con la clara intención de saber que ha pasado con Creasy. Otra vez la economía de medios vuelve a estar presente en 'Bala Blindada' ('Man on fire'), Chouraqui y Donati no dedican gran parte del metraje a desarrollar la idea de que Creasy se ha convertido en una especie de héroe para la gente o la importancia de la venganza que ha llevado a cabo, solo un par de escenas con los periodistas como protagonistas sirve para mostrar esta idea en todo su esplendor.
La estética.

No soy muy fan de la estética con la que Scott rueda su película. Me satura y me cansa. Hace que por momentos me cueste centrarme demasiado en lo que está ocurriendo, siento que se desvía la atención del espectador hacía elementos que no tienen nada que aportar a la historia. Pero ese no es el principal motivo por el cual estéticamente prefiero la película de Chouraqui. 'Bala Blindada' ('Man on fire') está rodada con un gusto exquisito. Desde el uso de la música de John Scott en la escena inicial de la película que lleva al espectador a sentir el terror de aquello que ha sucedido y le van a contar (Nada mas terrorífico que ver un hospital con unas telas blancas moviéndose lentamente) a la manea en la que Chouraqui juega con los espacios y ambientes: La enorme casa de la familia para la que trabaja Creasy que parece querer representar la opulencia y decadencia de esta o ese cine porno de ambiente gay que parece beber directamente del 'Taxi Driver' de Scorsese. 'Bala Blindada' ('Men on fire') no deja de presentar a un inadaptado social (Ambos personajes tienen grandes traumas) que busca proteger a una menor (Samantha o Iris), pero mientras el Creasy de Chouraqui busca calmar a sus fantasmas gracias a una persona que le ha hecho sentir un amor que se podría definir como verdadero, Bickle por culpa de su delirio de grandeza deforma la realidad convirtiéndose en el héroe que es Creasy pero no él.
A ritmo del ‘Blue Bayou' de Linda Ronstadt avanza la historia de Creasy para Quinnell y Tony Scott pero no así para Chouraqui. Desconocemos si fue un tema de derechos de autor o que los guionistas de 'Bala Blindada' decidieron dejar fuera de su película un elemento tan importante para su protagonista. 'El protector' ('Men on fire') de A.J. Quinnell es una novela que se lee bien, que entretiene y se disfruta y que como no puede ser de otra manera desarrolla la historia de su protagonista con mas profundidad que en sus adaptaciones a la pantalla grande (La parte centrada en Gozzo y todo lo que le ocurre allí a Creasy no está ni en la obra de Chouraqui ni en la de Scott). 'El fuego de la venganza' ('Man on fire') es una cinta lastrada por su larga duración, por una estética demasiado deudora de los videoclips de la MTV (Si, hubo un momento en el que en esta cadena de televisión solo se ponían videoclips) pero que se beneficia del gran trabajo de Dakota Fanning que sin ningún tipo de paliativos, devora a Denzel Wahstington. 'Bala Blindada' ('Man on fire') es una película con una duración mas que ajustada, que huye de todo aquello que pueda desviar el punto de vista sobre lo que el director quiere contar lo que deriva en que el espectador tenga la sensación de que le gustaría saber mas sobre la situación en Italia, acerca de ciertos personajes... Tanto la cinta de Chouraqui como la de Scott son un fiel reflejo de la estética predominante en el momento en el que se rodaron.






'Bala Blindada' ('Man on fire')
Lo mejor: Scott Glenn. La estética de la película.
Lo peor: El espectador puede sentir que por momentos le falta información

'El fuego de la venganza' ('Man on fire')
Lo mejor: Dakota Fanning
Lo peor: Esos movimientos de cámara que sirven mas para distraer que para ayudar a la historia.

'El protector' ('Man on fire')
Lo mejor: La profundidad que tiene la historia y que no está en las películas de Scott y Chouraqui
Lo peor: La parte del entrenamiento a la policía maltesa sirve para conocer mas en profundidad al protagonista pero resulta excesivamente alargada

martes, 3 de septiembre de 2019

Crítica/Análisis: Assimilate

Título: Assimilate

Año: 2019
Género: Ciencia ficción
Duración: 93 minutos
Director: John Murlowski
Guión: John Murlowski y Steven Palmer Peterson
Música: Sven Faulconer
Interpretes: Joel Courtney, Calum Worthy, Andi Matichack, Katherine McNamara, Cam Gigandet, Mason McNulty, Terry Dale Parks, Vito Viscuso, Jennifer Pierce Mathus
Nota: 5
Sinopsis: Un par de amigos tienen una idea 'innovadora': Grabar con cámara oculta (Concepto que parece que desconocen que significa) como es la gente del pequeño pueblo donde viven.. Pero como no podía ser de otra manera, descubrirán algo terrorífico...





Crítica:
La novela de Jack Finney 'Los ladrones de cuerpos' ('The Body Snatchers') ha sido llevada al cine en cuatro ocasiones, por cuatro directores diferentes y en cuatro épocas distintas. Don Siegel, Phillip Kaufman, Abel Ferrara y Oliver Hirschbiegel mostraron con mayor o menor acierto la paranoia que el escritor norteamericano plasmó en su obra llevándola al contexto social y/o político en el que se rodaron las películas. John Murlowski y Steven Palmer Peterson parecen tomar como base la novela de Finney así como otras obras con ideas similares y vuelven a contextualizarla en el momento en el que vivimos, en la época de los youtubers, de los instragramers.. Sin duda alguna, Murlowski y Peterson parece que han querido rodar una versión de 'Los ladrones de cuerpos'  ('The Body Snatchers') para millennials...
Pequeñas comunidades, para algunos idílicas, para otros aburridas, ven su tranquilidad sacudida por culpa de la paranoia y de la psicosis colectiva. David Gardner o David McLean según la versión de 'Invasores de Marte' ('Invaders from Mars', 1953, 1986) que estemos viendo o los protagonistas de 'Assimilate' bien podrían ser pacientes del doctor Miles Bennell en 'Los ladrones de cuerpos' ('The Body Snatchers'), todos comparten los mismos miedos que aquellos que en las páginas de la novela de Finney acuden  a este: Sus familiares cercanos no son en realidad quienes parecen ser. A pesar de los claros referentes que Murlowski y Peterson tienen a la hora de construir su historia (No huyen de ellos, no pueden, así que los muestran directamente. Sirva de ejemplo ese momento que nos remite directamente a la escena de los títulos de crédito iniciales de 'La invasión de los ultracuerpos' -'Invasion of the Body Snatchers'- de Kauffman), estos son incapaces de plasmar en pantalla el miedo derivado de la psicosis que la situación que están viviendo sus protagonistas y todo lo que está provocando en ellos.
En el año 2013, Cody Calahan dirigió 'Antisocial', una cinta con una interesante premisa que acababa por diluirse en la mas absoluta de las medianias. Internet y las redes sociales han pasado a ser parte activa y en muchos casos fundamental en el desarrollo de las historias y la forma en la que están son narradas y plasmadas en pantalla grande. 'Assimilate' no es 'Searching' y tampoco es 'En el ojo de la tormenta' ('Into the Storm'). La parte centrada en la web serie que están intentando llevar a cabo los protagonistas no ocupa demasiado metraje, cosa que es de agradecer y mucho. Zack Henderson y Kayla Shepard no son Matthew Bennell y Elizabeth Driscoll, ya no hay miedo a caer dormido sino a sufrir heridas. Los otros siguen estando alrededor de los protagonistas, acechándolos, intentando hacerlos suyos. Las formas son las mismas o similares como la manera de señalar al diferente. Cualquier momento de 'La invasión de los ultracuerpos' ('Invasion of the body snatchers') trasmite mas desasosiego que cualquier fotograma de 'Assimilate'. La cinta de Kauffman y la de Murlowski a pesar de hablar de temas parecidos, juegan en distintas ligas y casi parafraseando a Jules Winnfield podríamos decir que ni siquiera es el mismo deporte.
El joven David Gardner ve como un extraño meteorito cae en un campo cercano a su casa. Tras ir su padre a comprobar si lo que cuenta su hijo es cierto o no, David notará que la forma de actuar de este ha cambiado de forma radical. La perdida de emociones, algo común a la obra de Finney, sus adaptaciones al cine y a 'Assimilate',  hace que estos pierdan parte de su humanidad (Aquello que nos hace humanos no son los recuerdos, son los sentimientos. La capacidad de recordar no nos lleva a sentir, los personajes están anestesiados). Poco a poco, Gardner irá viendo como al resto de personas que viven en su pueblo les va ocurriendo lo mismo. No son dobles lo que William Cameron Menzies y Tobe Hooper 'utilizan' para hacer crecer la desconfianza y el miedo de David, pero sus reacciones son similares a las de los protagonistas de 'Assimilate'. La búsqueda de la ayuda de un adulto (En las dos versiones de 'Invasores de Marte' -'Invaders from Mars'- tenemos a dos niños y en la cinta de Murlowski a un grupo de adolescentes), sea la enfermera del instituto o el ayudante del sheriff que vive asilado en una pequeña casa como si de Jim Hopper se tratara, o las marcas (Mordiscos, extrañas heridas en la nuca) que de alguna manera marcan la diferencia entre aquellos que siguen siendo humanos de los que han perdido su capacidad para sentir, hacen que resulte imposible no comparar ambas obras. (La cinta de Cameron Menzies fue estrenada en 1953 y la novela de Finney publicada en 1955. Ambas obras son un claro reflejo de la paranioa que la sociedad americana vivía en aquellos momentos, ambas obras hablan de lo mismo de forma parecida)
En 1996, Fred Dekker dirigió la notable 'El terror llama a su puerta' ('Night of the Creeps'). La cinta que es toda una declaración de amor a un género, mostraba a dos amigos, Chris y J.C que tras una prueba para entrar en una hermandad, liberaban a un extraño parásito que convierte a la gente en zombies. La influencia de la obra de Dekker no solo está presente en 'Assimilate' (Esas extrañas criaturas bien podrían haber llegado a la Tierra igual que lo hicieron las de 'El terror llama a su puerta' -'Night of the creeps'- y se desplazan por el suelo de manera similar) sino también en películas recientes que aparentemente no tienen nada que ver ni por temática ni por ir destinadas a un tipo de público parecido, ahí está por ejemplo la reciente 'Shazam!' y Billy Batson y Freddy Freeman. La relación entre ambos personajes y en especial la construcción del segundo remite directamente a Chris y J.C. Queda claro que John Murlowski y Steven Palmer Peterson aman un tipo de cine, han crecido con un tipo de películas y que esta 'Assimilate' ha sido su 'El terror llama a su puerta' ('Night of the creeps'), su declaración de amor a esas cintas, a esa manera de hacer cine...
...pero no todas las declaraciones de amor llegan a buen puerto, no siempre nos encontramos con cintas como la de Dekker o 'The Faculty' (Cinta a la que 'Assimilate' parece querer ajustarle cuentas y que reivindica 'Amos de títeres' -'The Puppet Masters'- de Robert A. Heinlein por encima de la obra de Finney). A veces las intenciones se quedan en eso, en intenciones y poco mas. 'Assimilate' es una cinta que entretiene, un pastiche de referencias que el aficionado al género disfrutará pero que falla por su mas que absoluta previsibilidad, por sus explicaciones, algunas demasiado obvias y otras demasiado forzadas y por que por desgracia la sombra del 'Cell' de Tod Williams parece por momentos eclipsar a la cinta de Murlowski. Aunque el chiste pueda resultar demasiado obvio, 'Assimilate' se ha quedado en otra copia mas. Puede que la forma sea la misma, da igual si estamos en Santa Mira, en Stepford, en el instituto Herrington, pero al fondo le ocurre lo mismo que a los personajes de esta película, le falta mas sentimiento, mas pasión.. No dudo de las mejores intenciones de Murlowski y  Peterson pero plasmadas en esta película resulta demasiado frías.


Lo mejor: A pesar de su previsibilidad, la película no aburre.
Lo peor: La sensación de que la película podía haber dado para mucho mas

domingo, 25 de agosto de 2019

Crítica: Fast & Furious: Hobbs & Shaw

Título: Fast & Furious: Hobbs & Shaw

Año: 2019
Género: Acción - Comedia - Ciencia Ficción (Si, ciencia ficción)
Duración: 137 minutos
Director: David Leitch
Guión: Chris Morgan y Drew Pearce según una historia de Morgan
Música: Tyler Bates
Interpretes: Dwayne 'The Rock' Johnson, Jason Statham, Vanessa Kirby, Idris Elba, Eiza González, Helen Mirren, Eddie Marsan, Eliana Sua, Cliff Curtis, Joe Anoa'i
Nota: 7
Sinopsis:
Luke Hobbs y Deckard Shaw tendrán que formar equipo para intentar que una oscura corporación se haga con un terrible virus que licua a la gente por dentro.





Crítica:
Seamos sinceros ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ (‘Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw’) es un completo sinsentido, excesivo, elefantiasico en su concepto del espectáculo, pero una cinta total y absolutamente disfrutable, una de las cintas de acción mas descerebradas y entretenidas que hemos podido disfrutar últimamente, una cinta que reivindicamos: Cuando vamos al cine a ver películas de acción, llenas de humor y sin ningún tipo de respeto hacia las leyes de la física y de la lógica, queremos ver películas como esta.
La familia se separa. La familia crece.

Chris Morgan, el mismo guionista que llevó a la saga iniciada en el año 2001 por Rob Cohen con ‘A todo gas’ (‘The Fast and the Furious’) a su cota de mas baja calidad dejándola herida de muerte con ‘A todo gas: Tokio Drift’ (‘The Fast and the Furious: Tokio Drift’), es la misma persona que está detrás del resurgimiento de la saga, de los guiones de las últimas siete entregas (Cuento la novena película dirigida por Justin Lin y que todavía no se ha estrenado) y de este spin-off centrado en dos de esos personajes secundarios que acaban por devorar a los principales y que como no puede ser de otra manera parece que enfadó y mucho a la gran estrella de la saga, Vin Diesel, e incluso a un tal Tyrese Gibson cuyo papel se ha visto relegado a ser el tipo personaje cuya única función es la de decir toda una serie de chistes con mayor o menor gracia.
‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ (‘Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw’) sigue la línea marcada por la saga en lo que al concepto de la familia se refiere. A pesar de estar ante una serie de películas de acción excesiva y carente de sentido como pocas, las cintas que forman parte de la saga poseen un cierto tufo de propaganda rancia, de ese cine que sirve para ir dejando un claro mensaje en el espectador y ese no es otro que el de la familia es lo mas importante (La familia puede ser lo mas importante pero también una condena que se lo digan si no a Charlie Burns). Esta idea está presente en mayor o  menor medida en todas y cada una de las películas de la saga y como no puede ser de otra manera vuelve a estar presente en este spin-off. Si bien es cierto que la familia se separa (Aquí no están ni Toretto, ni Leti, ni el resto de ladrones aficionados a tunear coches y al óxido nitroso reconvertidos en poco menos que agentes secretos), ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ (‘Fast & Furious Presents: Hobbs and Shaw’) amplia el Universo de Fast & Furious de tal manera que si las películas siguen funcionado en taquilla (Contando con el mercado asiático o sin el, pero al fin y al cabo recaudando), tendremos mas entregas centradas en los personajes principales o en los que ahora son secundarios.
Nostalgia. Referencias. Guiños.

‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ (‘Fast & Furious Presents: Hobbs and Shaw’) es una cinta llena de nostalgia, algo que es reforzado por diversos guiños al cine de los años ochenta que nos marcó a muchos (Los posters que podemos ver en la pared de una de las casas: ‘Superdetective en Hollywood’ o ‘Cobra’ entre otros. Los comentarios acerca de Terminator, la imposibilidad de no pensar en que todos estos momentos se perderán en el tiempo como lagrimas en la lluvia) y bromas a anteriores trabajos de los actores (Sirva de ejemplo el mini que Shaw utilizó para un trabajito en Italia y la queja por no haber tenido un buen conductor de autobús) lo que hace que esta película sea una delicia para todos esos espectadores a los que nos gusta buscar este tipo de guiños. Incluso cintas recientes como 'Vengadores: Infinity War' (''Avengers: Infinity War') están claramente presentes en la película de Leitch, no solo por la forma en la que el personaje interpretado por el insoportable Kevin Hart juega con la voz (Ay.. Chris Pratt cuanto se te echa de menos) sino también porque al final, las motivaciones de algunos personajes resultan prácticamente similares.
Pero a ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’ (‘Fast & Furious Presents: Hobbs and Shaw’) le ocurre como a la saga de ‘John Wick’: Como buenos 'artesanos' cogen ideas y escenas ya vistas antes y pasadas por su propio filtro, las ofrecen como algo nuevo. David Leitch fue director no acreditado de la primera cinta centrada en las aventuras del personaje interpretado por Keanu Reeves, algo que se puede observar en esta nueva película tanto en la concepción de algunas escenas de acción (La visita inicial de Shaw a un club nocturno bien podría haber sido realizada por Wick) como en la iluminación de las mismas (El uso de ciertos tonos en la casa de Hattie –Vanessa Kirby- parece estar claramente influenciado por la cintas dirigidas por Stahelski)…
...pero si hay una película que parece haber marcado tanto a Leith como a Stahelski a la hora de rodar 'Fast & Furious: Hobbs & Shaw' ('Fast & Furious Present: Hobbs and Shaw') y 'John Wick: Capítulo 3 - Parabellum' ('John Wick: Chapter 3 - Parabellum') esa no es otra que 'La villana' ('Aknyeo') de Byung-gil Jung. Si la persecución en motos de la tercera película de la saga protagonizada por Keanu Reeves parece estar claramente inspirada en la cinta de Byung-gil Jung, lo mismo se puede decir del personaje interpretado por Kirby y su primer encuentro con Hobbs.
No hay mucho que decir acerca de los actores. Johnson y Statham saben ante que película están y que es lo que se espera de ella. Elba intenta dar un toque de calidad con su superman negro y Kirby pone el contrapunto a los tres de manera mas que solvente. Sin duda alguna lo mejor de la película es el cameo de cierto actor (No vamos a decir quién es aunque a estas alturas lo sabe ya todo el mundo) y lo peor es la obsesión de Leitch por mostrar de una u otra manera a Roman Reigns aunque no aporte absolutamente nada. Tal es la cantidad de planos innecesarios en los que aparece Reigns que todo parece indicar que este ha de convertirse o va a convertirse en la nueva estrella de este tipo de películas.
Por último hay que destacar la banda sonora de Tayler Bates y los diversos temas que forman parte de esta que se alejan de lo que suele ofrecer esta saga. La adrenalitica 'Time in a bottle' de Yungblud, 'Better as One' de The Heavy, banda que en directo tiene que ofrecer lo mejor de ella y que esperemos que tarde o temprano llegue a festivales como el Slap! y lo mismo se puede decir de Brothers Voodoo y su 'Keep you alive'. Bandas como Yonaka, The who o Tha movement hace que las canciones que van sonando a lo largo de la película sean (Por lo general) un placer para el espectador.


Lo mejor: Cierto cameo que sin duda se come a Hobbs, a Shaw y al resto de personajes.
Lo peor: Que la gente de la espalda a desprecios a la lógica y las leyes de la física tan entretenidos como este..

sábado, 17 de agosto de 2019

Critica: Midnight Runner - Domestik

Midnight Runner - Der Läufer
Frío análisis acerca de aquello que convierte a una persona aparentemente normal en un asesino. Elemento disparador: El suicidio del hermano del protagonista, de aquel que es la única persona capaz de entender una infancia traumática, tiempo vital en el desarrollo de una persona y que el director Hannes Baumgartner no explora relegándolo, gracias a unos pequeños comentarios al inicio de la película, casi a una mera anécdota. 'Mignight Runner' se centra en la obsesión de Jonas Widmer, en la manera en la que este encuentra una 'vía de escape' a la frustración que le produce la ausencia de su hermano, una relación abocada al fracaso, el infructuoso intento de acercarse a una compañera de trabajo y ser incapaz de ganar una carrera. La personalidad de Widmer se acerca al perfil que John Douglas hizo del asesino de Karla Brown: 'Personalidad explosiva y violenta, así que podía haber cometido delitos menores. Si había estado casado, se acaba de separar, divorciar o tenía problemas de pareja. Era un perdedor con una pobre autoestima. Podía parecer seguro, pero en el fondo era un sujeto profundamente inadaptado'. Baumgartner se pierde al querer explorar el comportamiento del protagonista de su película, se queda en la superficie. Insinuar puede ser un método efectivo si se sabe como usarlo. Como espectadores no buscamos el morbo, no queremos que una cinta como esta se convierta en una mera sucesión de muertes y asesinatos, pero si lo que esperamos de ella: Un análisis de aquello que puede llevar a una persona a convertirse en una asesino y sin duda alguna esta película no lo consigue. 'Midnight Runner' se ve bien, no aburre pero deja la sensación de que podía haber dado para mucho, mucho mas. Nota: 5



Domestik
Obsesión. Si algo tienen en común las dos películas de estas pequeñas críticas es no es otra cosa que la manera en la que los personajes se obsesionan mientras sus vidas se desmoronan poco a poco y de forma inevitable. En el caso de los protagonistas de 'Midnight Runner' y 'Domestik', evolucionar como corredores o ciclistas, en el caso de la protagonista femenina de la cinta de Adam Sedlák, ser madre. En 'Thanatomorphose', Eric Falardeau exploró la manera en la que el cuerpo de una mujer se descompone en vida por la manera en la que esta se siente despreciada y ninguneada por su pareja y su amante, algo parecido a lo que hizo Leigh Janiak en su 'Honeymoon'. No es esta película y por mucho que se haya dicho una cinta de body horror, pero si que explora la degradación física de los protagonistas. Sedlák se centra demasiado en Roman dejando por momentos de lado a Charlotte que sin duda alguna tendría que haber tenido mas peso en la película. 'Domestik' es una cinta que se toma su tiempo para ir narrando poco a poco la historia, para que el espectador vea como las obsesiones van corroyendo por dentro a los dos protagonistas como la carcoma hace con la madera, lo que puede frenar a mas de un espectador. Y también es cierto que muchos españoles aficionados al ciclismo no estableceran muchas simpatías con esta película, con todo la cinta de Sedlák es una película muy recomendable y de gran fuerza visual. Nota: 6,5

sábado, 3 de agosto de 2019

Critica/Análisis: Midsommar

Título: Midsommar

Año: 2019
Género: Drama - Terror
Duración: 137 minutos
Director: Ari Aster
Guión: Ari Aster
Música: The Haxan Cloak
Interpretes: Florence Pugh. Jack Reynor, Vilhem Blomgren, William Jackson Harper, Will Poulter, Elloria Torchia, Archie Madekwe, Henrik Norlén, Gunnel Fred,  Isabelle Grill
Nota: 5
Sinopsis: Un grupo de amigos harán un viaje a un pequeño y aislado pueblo sueco donde cada noventa años se realiza un festival de verano. Lo que para ellos iba a ser una fiesta, se convertirá en una autentica pesadilla





Crítica:
No soy de esos a los que 'Midsommar' les ha impactado ni les ha sorprendido. Esperaba mas, bastante mas de Ari Aster tras su soberbia 'Hereditary'. Esta no va a ser una crítica destructiva, no es mi intención, solo voy a tratar de explicar porque creo que esta película no es para mi una cinta que esté a la altura de 'Hereditary'... Y desde luego, aquí no se va a usar eso tan clasista y pedante como es el concepto de 'terror elevado' que parece que por desgracia se está poniendo tanto de moda. 
Depresión
Ari Aster. Jennifer Kent. 'Hereditary'. 'Midsommar'. 'The Babadook'. Cintas que inscritas dentro del género de terror hablan clara y directamente de la depresión. De ese monstruo que nos acecha, de ese monstruo que está deseando entrar en nuestra casa, que adquiere una y mil formas para intentar engañarnos, para que le demos permiso para entrar igual que el Babadook, igual que el personaje interpretado por Robert Blake en 'Carretera Perdida' ('Lost Highway') de David Lynch. Una enfermedad que muchas veces, no siempre, puede tener un componente familiar. Hereditario. Algo que se pudo observar en las cintas que supusieron el debut en pantalla grande tanto de Aster como de Kent..
'Hereditary' ha marcado para bien y para mal a Aster y su cine. El director y guionista vuelve a mostrar en 'Midsommar' varias de las ideas que este ya plasmó en su anterior película, de tal manera que muchos espectadores podrán incluso llegar a pensar que este ha cogido fragmentos de la estructura de la historia que le llevó a la fama y la ha utilizado sin ningún tipo de pudor para construir parte de la de su nueva película. Aster nos deja unos primeros minutos completamente arrolladores, unos primeros minutos de tal calidad que hacen que cualquier cosa que venga detrás se resienta.
Otra vez el espectador se volverá a encontrar con la depresión de manera clara y directa. Otra vez el espectador se volverá a encontrar con  la imposibilidad de superar la perdida, con la ausencia de alguna de las figuras paternas. Otra vez el personaje que sufre es una mujer, otra vez esta es incomprendida por su pareja. Otra vez una fiesta marcará el devenir de los protagonistas aunque en este caso y tranquilos que no es spoiler, porque estos deciden irse de viaje a un pequeño pueblo perdido de la mano de Dios a una fiesta que se produce cada noventa años. Otra vez la cámara se acerca a la casa de alguno de los protagonistas como si fuera a una casa de juguete, de miniaturas.  Son estos primeros minutos lo mejor de 'Midsommar'. Escenas de gran fuerza que muestran el grado de desesperación de la protagonista (Salvando las distancias, algo parecido a lo que hizo Kent en 'The Babadook') pero donde Aster deja clara su tendencia al efectismo, a descolocar al espectador con todo tipo de efectos, sirva de ejemplo la forma en la que la música es interrumpida por el sonido de un teléfono. Aster podría haber seguido diseccionado con la precisión de un cirujano lo que es la depresión, como afecta a las personas y como estas se enfrentan a ella... pero por desgracia 'Midsommar' acaba dispersándose demasiado y como el novio de la protagonista, acaba casi dejándola de lado y centrándose en temas que al menos a la persona que escribe estas líneas no acaban por interesarle demasiado...
Es cuando los protagonistas llegan a Suecia cuando la cinta parece no saber aprovechar ciertas ideas que hasta ese momento había planteado (La depresión, la ansiedad, la perdida son mostradas con pinceladas casi apartándolas de la línea argumental principal de la historia), cuando las reacciones de los protagonistas se vuelven mas inverosímiles (y esto no es achacable al uso de drogas, ni a sus intereses ni a su egoísmo), cuando da la sensación de que a Aster le interesa llenar su película de guiños y referencias (Se ha hablado mucho de muchas películas, para mi resulta imposible no citar 'Burnt Offerings' - 'Pesadilla Diabolica'- de Dan Curtis), de llevar la historia a donde el quiere sin importar si lo hace de una forma limpia y justa (Christian es un personaje que solo se preocupa por si mismo, por sus intereses. Aster desarrolla a este así, a nivel personal, en su relación con su novia. Llevar esta idea a lo profesional resulta un tanto forzada), cuando desaprovecha a personajes a los que se les podía haber sacado mucho juego (Alguno de ellos parece una extensión/homenaje de Charlie -Milly Shapiro-, lo que refuerza la idea de que 'Hereditary' ha sido algo mas que una autoreferencia para Aster)
Personajes que aparecen y desaparecen. Indiferencia ante los extraños comportamientos de algunos. Incomprensión de porque expertos que quieren escribir sus tesis doctorales sobre este tipo de ritos y cultos no se dan cuenta (O no les importa) de que 90 forma parte de un ciclo, de una serie de 18 (años) por la que se rigen los habitantes del pueblo al que acuden (Hasta los 18 años es la niñez, hasta los 36 la juventud.. hasta llegar a los 72.. cuatro ciclos, cuatro estaciones). Aster lleva a la luminosidad a la historia y los personajes de 'Hereditary', pero mientras la historia de esta consiguió impactarnos a muchos, 'Midsommar' nos deja ciertos momentos que llegan a resultar aburridos, incluso pesados...Momentos que son rotos por el director y guionista de manera efectista. No voy a entrar en detalles, pero es cierto que algunas escenas son necesarias, otras no. Aster busca impactar y sorprender, lo consiguió en 'Hereditary' pero en 'Midsommar' transita por caminos mil veces vistos antes. Lo hace con gran técnica pero por momentos falla la historia.
Mandy
El mismo año que Aster estrenó 'Hereditary', el director Panos Cosmatos hizo lo propio con 'Mandy'. Si podemos decir sin ningún tipo de dudas que Aster lleva a la luz a 'Hereditary', podemos decir que algo parecido hace con con la cinta de Cosmatos, o mejor dicho con ciertas ideas de las que hace gala el director de 'Beyond the black rainbow' en su película. La fuerza del personaje femenino principal, la capacidad alucinógena de ciertas partes de la historia, la presencia de una secta o culto, un tigre o un oso (Que se puede ver en uno de los cuadros que tiene la protagonista en su casa) enjaulado, un extraño edificio con forma triangular. Es Cosmatos sin ningún tipo de dudas el que consigue de verdad llevar al espectador al extremo, el que consigue descolocar a este, el que consigue una atmósfera realmente extraña y enfermiza. 
Con 'Hereditary', Aster sorprendió. Con 'Midsommar', este ha querido apuntar demasiado alto y ha fallado errado el tiro. Es cierto que esta película tiene muchas y grandes ideas, momentos de una extraordinaria fuerza visual, pero también es cierto que da la sensación que Aster no ha sabido sacarle todo el provecho que a muchos nos gustaría. También es cierto que 'Midsommar' es inquietante pero su excesivo metraje y una parte final del todo previsible (Si lo siento, creo que esta es la mejor manera de definir la parte final de esta película) hacen que para algunos esta no sea la gran película que esperábamos. Tras ver 'Midsommar' me quedó la horrible sensación de que se había querido buscar de forma deliberada polarizar la opinión de los espectadores y no que este hecho surja de forma natural de la historia y eso es algo que como espectador nunca me ha gustado, porque en cierto modo me siendo utilizado, manipulado... como si fuera invitado a una fiesta que se celebra cada 90 años.. algo que igual no está mal del todo, ¿no?


Lo mejor: Los primeros minutos de película
Lo peor: El exceso de rituales acaba por cansar. Aster se muestra mas efectista que efectivo.