domingo, 21 de mayo de 2017

Crítica: Sobre 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious')

Título: Fast & Furious 8 - The Fate of the Furious
Año: 2017
Género: Acción - Thriller - Drama
Duración: 136 min. 
Director: F. Gary Gray
Guión: Chris Morgan
Música: Brian Tyler
Interpretes: Vin Diesel, Jason Statham, Dwayne Johnson, Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Ludacris, Charlize Theron, Kurt Russell, Nathalie Emmanuel, Elsa Pataky, Kristofer Hivju, Scott Eastwood
Nota: 5,5
Sinopsis: Una misteriosa mujer irrumpirá en la luna de miel de Toretto y Letizia haciendo que el primero haga aquello que nunca nadie llegó a imaginar: Traicionar a su tan querida familia.



Crítica:
Y no solo Imperator Furiosa se unió a la saga iniciada en el año 2001 con 'A todo gas' ('The fast and the furious') de Rob Cohen sino que además, la cinta de George Miller, 'Mad Max: Fury Road' es un claro referente para este 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious'). La película del director australiano es una de esas cintas que se convierten en un clásico desde el momento de su estreno. Solo era cuestión de tiempo que esta influyera en otras películas. Por desgracia no ha pasado el suficiente como para que el espectador se olvide de la cinta de Miller por lo que cualquier película que se compare con esta tiene todas las de perder.
Tras el exagerado y elefantiásico espectáculo rodado por James Wan en 'Fast & Furious 7' ('Furious Seven'), la saga de películas protagonizadas por Toretto y sus compañeros (Recordemos que en la segunda entrega, Vin Diesel no participó y en la tercera su presencia se limitó a un simple cameo) alcanzó el que parece su punto álgido. Wan no solo consiguió entender perfectamente la evolución de la saga (De un policía que se adentra en los bajos fondos y en el mundo de las carreras ilegales para capturar a unos ladrones a ese especie de 'grupo de élite' que trabaja para el gobierno de manera encubierta) sino que además ofreció a los espectadores todo lo que esperaban de una película como esta. Sin duda alguna y junto con la ya nombrada 'Mad Max: Fury Road', la cinta de James Wan fue una de las grandes películas de acción de la temporada.
Ahora, el mas que correcto F. Gary Gray, director de las muy entretenidas 'Un ciudadano ejemplar' ('Law Abiding citizen'), 'Negociador' ('The Negotiator') o el documental 'Straight outa compton' (Nominada al Oscar al mejor guión original) y que ya trabajó con Vin Diesel en 'Diablo' y con Dwane Johnson en 'Be Cool' (Innecesaria secuela de 'Como conquistar Hollywood' -'Get Shorty'-) se encarga de poner en imágenes la historia escrita por Chris Morgan, guionista de las seis últimas entregas de la saga (Él y Justin Lin como director fueron los responsables de cavar la fosa que parecía ser el final de la saga con 'A todo gas: Tokio Race' -'The fast and the furious: Tokio Drift'-. Cualquiera que dude de lo que supuso la tercera entrega puede observar como esta fue borrada de la línea temporal de saga para al final, reconciliarse con ella y situarla cronológicamente entre la sexta y la séptima película) o de cintas tan decepcionantes como 'Exorcismo en el Vaticano' ('The Vatican Tapes') y que no deja de ser un resumen de escenas y situaciones ya vistas en otras películas. 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious') es al cine de acción lo mismo que 'Scary Movie' a la comedia. 'Guardianes de la Galaxia' ('Guardians of the galaxy'), 'La leyenda de Barney Thompson' ('The legend of Barney Thompson'), 'Hitman: Agente 47' ('Hitman: Agent 47'), 'xXx: Reactivated' ('xXx: The Return of Xander Cage' - Quién habría pensado que la hermana menor de 'The fast and the furious: A todo gas' iba a ser tomada como referencia para la octava entrega de la famosa saga) y sobre todo 'Max Max: Fuy Road' son 'influencias' claramente identificables a la hora de ver la película de F. Gary Gray. Por lo menos todo ha sido mezclado con mayor o menor acierto y la presencia de un excesivo Jason Statham que nos deja los mejores momentos de la película hacen de esta un muy entretenido espectáculo para ver y disfrutar en pantalla grande.
A continuación y en lo que se puede definir como SPOILER vamos a hacer un pequeño resumen (Con la mayor ironía del mundo) de ''Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious') con escenas de las películas anteriormente citadas junto con alguna otra, seguro que a los lectores se les ocurrirán otras referencias, si es así, desde 'La soledad del perro guía' estaremos encantados de leerlas y  ampliar así este 'montaje alternativo'. Advertimos que si no deseas ver las imágenes o leer el texto que las acompaña por que se desvelan algunas partes de la historia, te recomendamos que no sigas leyendo.
Un tono mas propio de comedia infantil que de una película de acción es utilizado por F. Gary Gray para mostrarnos la actual situación de Hobbs lo que hace inevitable que el espectador se acuerde de cintas como 'Rompiedientes' (Tooth Fairy'), aunque en este caso la misión del rudo personaje interpretado por Dwane Johnson no es la de recolectar los dientes que los niños dejan debajo de sus almohadas y cumplir sus sueños, si no entrenar al equipo de su hija 'Las dragonas rojas' y que estas ganen la liga a 'Las mariposas rosas' ya que si no ganan este tendrá que pasar mucho tiempo escuchando música de Taylor Swift. Puede que este sea de verdad el mayor peligro al que se enfrenta Hobbs en esta película.
La idílica luna de miel de Toretto y Leti se ve bruscamente interrumpida cuando una extraña mujer muestra un misterioso vídeo al primero, lo que llevará a que este traicione a su familia. Igual que ocurría en 'xXx: Reactivated' ('xXx. The Return of Xander Cage'), el personaje interpretado por Vin Diesel se encuentra en un país centro o sudamericano alejado de su vida pasada, oculto y disfrutando de su anonimato. En ambos casos serán reclutados por peligrosas mujeres que se desplazan a todos los sitios en sus lujosos y superequipados aviones (Pero cuyas medidas de seguridad brillan por su ausencia) con la intención de que estos roben o bien la caja de Pandora, (No el ojo de Dios ni el ojete del Diablo) o una maquina de pulsos electromagnéticos. Son tan parecidas las evoluciones de las relaciones entre Xander Cage y Jane Marke, y Toretto y Cipher que la sensación de estar ante un refrito de ideas se hace claramente patente. No sabemos que fue antes, si el guión de 'xXx: Reactivated' ('xXx: The return of Xander Cage') o el de 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the furious') pero las semejanzas entre ambas resultan del todo excesivas.

Tras el fallido golpe en Berlín (Muchos espectadores podrán pensar en que según se decía el montaje inicial de la película se iba hasta las casi tres horas al ver la manera tan brusca elegida por el director para situar la acción en la ciudad alemana), Hobbs será encerrado en la cárcel (De máxima seguridad, por supuesto). Tal y como ocurría con los protagonistas de  'Guardianes de la galaxia' ('Guardians of the Galaxy'), la mitad de los presos tienen cuentas pendientes con él, siendo su mayor anhelo poder vengarse de él. Pero hay un preso en especial que quiere enfrentarse a él, llevar la afrenta al terreno personal, en este caso Deckard (Jason Statham). La manera en la que Star Lord y sus compañeros escapan de la cárcel resulta bastante similar a la forma en la que lo hacen Deckard y Hobbs. Y si Kurt Russell pone todo y mas de su parte en ‘Guardianes de la Galaxia Vol 2' ('Guardians of the Galaxy Vol. 2'), en 'Fast & Furious 8' ('The fate of the furious') la apatía se apodera de su trabajo.

Un coche deportivo. Un cruce de calles. Ganchos que son lanzados contra el vehículo y que lo atrapan. Derrapes, acelerones, cualquier movimiento que pueda servir para escaparse de tan crítica situación. La escena de Toretto rodeado y atrapado por sus compañeros parece extraída directamente de 'Hitman: Agente 47' ('Hitman: Agent 47') decepcionante película que hace de la cinta de Xavier Gens prácticamente una obra maestra.
Nada peor que subestimar a un personaje interpretado por Vin Diesel, error que cometen tanto Cipher (No dejo de pensar que su nombre de pila será Lois) como Jane Mark. Un plan alternativo, enemigos que se unen y comienza la venganza. 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious') se aleja de la idea de sus predecesoras de contar con actores asiáticos (Tony Jaa, Joe Taslim) del mismo modo que 'xXx: Reactivated' ('xXx: The return of Xander Cage') hizo con Donnie Yen, Deepika Padukone y otra vez Tony Jaa). Una lastima, todavía tenemos la esperanza de ver a Iko Uwais o Yayan Ruhian dando lo mejor de si mismos y no en un simple cameo como en 'Star Wars: Episodio VII - El despertar de la fuerza' ('Star Wars: Episode VII - The force awakens')

Helen Mirren le debe y mucho al personaje que Emma Thompson interpretó en la película 'La leyenda de Barney Thompson' ('The legend of Barney Thompson') dirigida por Robert Carlyle y que supuso su debut en la pantalla grande. La cinta de Carlyle resultaba una irregular cinta con momentos hilarantes junto con otros que llevaban al espectador a pensar que la historia se estancaba, no avanzaba. La sola presencia de Emma Thompson y la forma en la que esta interpretaba a su personaje es motivo suficiente para ver esta película. Sería imposible no pensar en la Magdalene de Helen Mirren sin la Cemolina de Emma Thompson. En ambos casos los momentos en las que ambas están en pantalla resultan simplemente insuperables.
Pero si Helen Mirren parece que se divierte y mucho en 'Fast & Furious 8' ('The Fate of the Furious') hay otro actor que parece estar en su salsa y ese no es otro que un Jason Statham pasado de vueltas y que por momentos está mas cercano a lo que hizo en 'Crank' de Mark Neveldine y Brian Taylor que de la sobriedad del malvado que interpretó en la cinta de James Wan. Otra vez y al igual que ocurría en 'xXx: Reactivated' ('xXx: The return of Xander Cage') la venganza hace extraños compañeros y aquellos que eran enemigos encuentran un motivo para unir sus fuerzas. Si en la película de D.J Caruso todo resultaba demasiado forzado, ilógico e incoherente, sucede lo mismo en la de F. Gary Gray. Las motivaciones de Deckard Shawn no son mas que una burda manera de hacer de este uno mas de la familia, por desgracia la saga ha perdido a un malvado de altura porque por mucho que nos guste Charlize Theron, el Deckard de 'Fast & Furious 7' (Furious Seven') eclipsa a la Cipher de 'Fast & Furious 8' ('The fate and the furious')

Por mucho empeño que ponga Charlize Theron para sacar a su personaje adelante, este no es el único malvado que resulta desaprovechado (Son varias las ideas carentes de toda lógica que suceden alrededor de Cipher y de su inexpugnable fortaleza aérea). Kristofer Hivju conocido por muchos por interpretar a Tormund Giantsbane en la serie 'Juego de Tronos' ('Game of Thrones'. El actor también ha participado en la precuela de 'La Cosa' - 'The Thing'- o 'Fuerza Mayor' -'Force Majeure') tiene el dudoso honor de ser el actor mas desaprovechado de toda la película. Si con el cambio de Deckard Shanw se ha perdido un gran malvado, con el papel escrito para este actor se puede decir prácticamente lo mismo, la presencia física de Hivju hace de este un actor al que sacarle mucho juego, algo que por supuesto no sucede en este caso. Es la parte final de la película de F. Gary Gray la que deja patente lo que ha supuesto 'Mad Max: Fury Road' para el cine de acción (Habría que analizar la huella que han dejado las cintas de Jason Bourne dirigidas por Paul Greengrass, 'The Raid' de Gareth Evans y 'Mad Max: Fury Road' en lo que a la concepción de escenas de acción en el cine reciente se refiere). Cambiemos el desierto por el hielo, debió pensar Morgan. No tenemos un guitarrista ciego.. Cambiémoslo por un submarino.. y tampoco tenemos lanzadores, pues pongamos torpedos que se deslizan por encima del hielo. Es cierto que la escena final resulta realmente entretenida, pero también es cierto que la película de F. Gary Gray se queda muy, pero que muy lejos de lo que rodó George Miller.
'Fast & Furious 8' ('The fate of the furious') no aporta nada nuevo a la saga. Otra vez los protagonistas que conducen lujosos coches en frenéticas persecuciones hablan entre ellos con walkie-talkies, otra vez el personaje interpretado por Tyrese Gibson se ve relegado a ser el gracioso de la película lo que hace que este parezca cada vez mas tonto con cada nueva entrega, otra vez los guionistas de Hollywood creen que los hackers se dedican a decir todo tipo de tonterías rimbombantes para justificar lo que hacen y otra vez volvemos a encontrarnos con la idea de la familia que se vuelve cada vez mas cursi en cada nueva película. Por desgracia, el giro argumental parece alejar a la saga de las buenas ideas mostradas en la cinta dirigida por Wan desperdiciando a un malvado de altura. 'Fast & Furious 8' (The Fate of the furious') es una cinta transición mas que una película en si misma. A día de hoy, aún habiendo disfrutado mucho de esta película en pantalla grande, no recuerdo ninguna gran escena de acción, y eso hablando de una película protagonizada por Toretto y su 'familia' es una verdadera lastima.


Lo mejor: Jason Statham y Helen Mirren. Diversión en estado puro.
Lo peor: El guión parece un refrito de escenas y situaciones de otras películas.

miércoles, 17 de mayo de 2017

Bases Concurso de Cortometrajes ObuxoFest 2017


El festival ObuxoFest especializado en cine de terror, fantástico y extraño, entendiéndose por extraño todas aquellas narrativas alternativas alejadas de los circuitos comerciales ha abierto el plazo de inscripción para el concurso de cortometrajes. A continuación os dejamos sus bases que como es lógico también podéis consultar en la página web del festival

CONCURSO DE CORTOMETRAJES

Una edición más abrimos las bases para nuestro Concurso Internacional de Cortometrajes. Cada año recibimos más cortometrajes y de mejor calidad, con lo que la selección se hace cada vez más difícil. El año pasado se presentaron a concurso cerca de 300 cortometrajes llegados de todas las partes del planeta, de los que finalmente se acabaron seleccionado 15,

Bases del Concurso Internacional de Cortometrajes

PARTICIPANTES: Podrán participar cuantos realizadores/as nacionales e internacionales que lo deseen presentando un máximo de dos obras por realizador/a. Sólo se admitirán cortos producidos desde enero de 2016.

CONDICIONES: Las producciones se podrán presentar a través de la plataforma online Movibeta. La temática ha de estar inscrita dentro de los géneros fantástico, terror y extraño, entendiéndose por extraño cualquier apuesta narrativa alternativa. La duración máxima aceptada será de 30 minutos. Las obras presentadas en otro idioma que no sea el castellano deberán ir acompañadas de subtítulos en castellano. Las copias recibidas pasarán a formar parte de la organización.

INSCRIPCIÓN: El plazo límite de la inscripción será el 9 de Julio de 2017.

JURADO: El fallo del jurado será inapelable. El jurado se reserva el derecho de declarar los premios desiertos.

ACEPTACIÓN: Todos los participantes, por el hecho de serlo, aceptan estas bases.

PREMIOS: Primer Premio Obuxo: 600 Euros. Segundo Premio Obuxo: 400 Euros.

viernes, 5 de mayo de 2017

II Concurso de carteles ObuxoFest


El ObuxoFest, festival de cine de fantástico, de terror y experimental ha abierto el periodo de recepción de obras para su segundo concurso de carteles. Las obras que se pueden enviar al e-mail: obuxofest@hotmail.com han de cumplir con las siguientes premisas:
  • Leyendas y cuentos fantásticos populares
  • Terror
  • Ambiente rural
Desde 'La soledad del perro guía' queremos animaros a participar en el concurso y a disfrutar de un festival como el ObuxoFest, cinta imprescindible en el Pirineo aragonés a finales de verano. Todos aquellos que queráis disfrutar de un festival diferente, tenéis en el ObuxoFest lo que esperáis..

A continuación reproducimos la entrada que se puede ver en la página oficial del festival obuxo.net

Hay leyendas que perviven en el tiempo,
hay historias que pasan de padres a hijos,
hay cuentos que forman parte de la cultura popular,
brujas, aquelarres, hechizos, mitos,
los latidos de la Diosa Culibilla, el nacimiento del Monte Perdido,
muchas de esas historias suceden en el Pirineo aragonés...
...ha llegado el momento de que el ObuxoFest les rinda homenaje
y se convierta en una de ellas

El Festival de Cine Extraño y de Terror ObuxoFest convoca su segundo concurso de carteles online para seleccionar la imagen que representará a la decimosexta edición del festival. ObuxoFest pretende estimular la creatividad y la participación así como fomentar la difusión del certamen. El concurso está abierto a todos los diseñadores que quieran presentar sus propuestas. El ganador será elegido por los miembros de la organización.

Con el objetivo de facilitar la participación, el concurso será online a través de nuestro correo electrónico obuxofest@hotmail.com

La fecha de recepción de las obras comienza en el mismo momento en el que sea lanzado este post, hasta el día 15 de Julio incluido. El ganador será anunciado el día 16 de Julio.

BASES DEL CONCURSO

Los carteles han de ser originales e inéditos y no haber sido presentados en otros concursos. El autor del cartel deberá ser propietario de los derechos sobre las imágenes y elementos utilizados en el cartel o bien tratarse de recursos de libre uso.

Los autores serán responsables del cumplimiento de los establecido en estas bases.

El Festival valorará especialmente la originalidad de las propuestas, diseño, composición e impacto visual; y que cumpla en lo máximo de lo posible con la siguientes premisas:
  • Leyendas y cuentos fantásticos populares
  • Terror
  • Ambiente rural
El ganador o ganadores deberán entregar los carteles en un soporte digital que contenga un arte final que debe haber sido realizado en un programa profesional de diseño gráfico vectorial y en versión actualizada, con calidad y resolución óptima para posteriores aplicaciones y reproducciones antes descritas. Del mismo modo será necesario entregar un empaquetado del proyecto para sus posibles adaptaciones. Es importante que el cartel esté identificado con un 'Título', que sirva como referencia cuando la propuesta se muestre públicamente.

Los carteles han de presentarse en formato JPG. El archivo debe tener un tamaño mínimo de 1361 x 1927 píxeles y máximo de 2825 x 4000 píxeles, en formato vertical.

La organización se reserva el derecho a declarar desierto el concurso. El jurado estará compuesto por 3 miembros de la organización del Festival.

ELECCIÓN Y NOTA LEGAL


Durante la fase de aprobación de las propuestas los autores irán recibiendo emails donde se les comunicará si los mismos han sido aceptados o rechazados. Para la elección de los carteles ganadores se preseleccionarán las 3 propuestas mejor valoradas por parte del jurado.

El premio para el ganador del segundo concurso de carteles de ObuxoFest será la publicación y utilización de su obra como imagen del XVI Edición del Festival y su amplía difusión, mostrando en el cartel la firma o autoría del mismo.

Por el hecho de participar en el concurso, el autor acepta y cede al ObuxoFest el uso público en web, redes sociales y cartelería off-line de su pieza, así como se responsabiliza de no incumplir la normativa de propiedad.

martes, 2 de mayo de 2017

Crítica: Rings

Título: Rings
Año: 2017
Género: Terror
Duración: 102 min. 
Director: F. Javier Gutierréz
Guión: David Loucka, Jacob Estes, Akiva Goldsman
Música: Matthew Margeson
Interpretes: Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Vicent D'Onofrio, Aimee Teegarden, Bonnie Morgan, Chuck David Willis, Patrick R. Walker, Zach Roerig, Laura Wiggins, Lizzie Brocheré
Nota: 3
Sinopsis: Para salvar a su novio, una joven verá voluntariamente el famoso vídeo pero todo se complicará cuando esta descubra que en el hay un mensaje oculto. La maldición de Samara continúa.




Crítica:
Si la pobre Samara no sufrió lo suficiente en el fondo del pozo, ahora llega esta película para continuar con su suplicio. No me extraña que tenga ganas de venganza. Yo las tendría.
Cuidado con los mercadillos. Cuidado con lo que compráis en ellos. Si Frank Cotton encontró en Marruecos una pequeña caja que al manipularla abría las puertas del infierno y dejaba entrar en este mundo a los Cenobitas, Gabriel da con un viejo reproductor de cintas vhs que perteneció a un joven que murió en un accidente de avión. Pero sobre todo, no robéis nunca nada, ahí está como ejemplo de lo que os podría pasar la escena inicial de la muy entretenida 'Arrastrame al inferno' ('Drag me to hell') de Sam Raimi. En esos lugares donde podemos encontrar grandes gangas, también pueden ser el origen de nuestras pesadillas. No estaría demás que a la entrada de los mercadillos hubiera un cartel que nos avisara de la terrible amenaza que se puede cernir sobre nosotros. ‘Entrad libremente y dejar parte de la felicidad que traéis...'
Köji Suzuki escribió en 1991 la novela ‘Ringu’ (Editada en España por el Grupo Editorial Random House Mondadori S.L) que fue llevada a la pantalla grande ocho años después por su compatriota Hideo Nakata con notable éxito y que como en el caso de la cinta ‘Déjame entrar’ (‘Lat den ratte komma in’) de Thomas Alfredson dejaba fuera de la película las partes mas flojas de la novela. La cinta protagonizada por Nanako Matsuhima e Hiroyuki Sanada, conoció un año mas tarde su secuela dirigida por el propio Nakata (Ambas películas se proyectaron en la trigésimo segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges. La primera parte conocida como ‘The Ring’ –‘El Círulo’- se alzó con los premios a la mejor película y los mejores efectos visuales). Como no podía ser de otra manera, la aplastante maquinaria de la industria americana puso el ojo en las cintas de Nakata y en el año 2002 llegó su remake dirigió por el ecléctico Gore Verbinski cuya carrera por desgracia parece haber acabado marcada por la saga de piratas del Caribe, y que consiguió dejarnos una mas que digna película pero que aún manteniéndose en líneas generales bastante fiel a la cinta que tomaba como base relegó al mas oscuro de los ostracismos a la sutilidad con la que Nakata había rodado su película sustituyéndola por un exceso de explicaciones innecesarias que jugaba en contra de la magia de la historia de Suzuki.
Tres años después y tras adaptar a la pantalla grande ‘Dark Water’, otra novela de Suziki que también conoció su remake americano esta vez de la mano del brasileño Walter Salles (‘Diarios de motocicleta’), el propio Hideo Nakata fue el encargado de dirigir la segunda parte de la cinta protagonizada por Naomi Wattas. A pesar de que para muchos espectadores la elección de Nakata era un motivo para pensar que esta iba a ser una gran película, el resultado final fue francamente decepcionante. La aventura americana de Nakata compuesta por esta cinta y ‘Chatroom’ no estuvo a la altura de lo esperado y a pesar de que este sigue dirigiendo, sus películas no son esperadas con el furor de antaño. Takasi Shimizu es otro ejemplo de un director japonés con una carrera cuando menos interesante en su país pero que no acabó funcionando en el mercado americano. Al flojo remake de la película que le lanzó a la fama, 'Ju-on', hay que sumar la desastrosa 'Flight 7500'.
El cine asiático ha marcado para bien y para mal a la mayoría de películas de terror recientes. Películas como ‘Mamá’ de Andrés Muschietti, ‘Nunca apagues la luz’ (‘Lights out’) de David F. Sandberg, ‘Friend request’ de Simon Verhoeven, remakes como ‘Presencias extrañas’ (‘The uninvited’. Original de Jee-woon Kim) de The Guard Brothers, ‘The eye’ (Original de The Pang Brothers) de David Moreau y Xavier Palud, ‘Reflejos’ (‘Mirrors’. Original de Sung-ho Kim) de Alexandre Aja son algunos de estos ejemplos. En algunos casos se han tomado las historias para adaptarlas a los gustos occidentales (O lo que los productores creen que es lo que le gusta al espectador), en otros se han cogido elementos propios de estas películas, especialmente en lo que a estética se refiere para introducirlos como propios y en los casos mas descarados como 'homenajes'.
Ahora, cuando la mayoría de los espectadores se había olvidado de Samara (Solo algunos de los espectadores mas frikis se acuerdan de ella al ver como el jugador del Real Zaragoza, Samarás, se arrastra por los campos de fútbol los pocos minutos que juega) llega esta innecesaria tercera parte (A la segunda ya se le podía calificar de la misma manera) de la mano del español F. Javier Gutiérrez director de la interesante ‘Tres días’. Son muchas las películas protagonizadas por jóvenes descerebrados que se enfrentan a algo sobrenatural y más poderoso que ellos. Puede que la reciente ‘Friend Request’ de Simon Verhoeven sea uno de los mas claros ejemplos pero tampoco debemos dejar de lado a la sorprendentemente entretenida ‘Tell me how i die’ de D.J. Viola película que comparte con la de Gutiérrez ciertas ideas entre ellas las de mostrar a un grupo de protagonistas que se someten a un extraño experimento. Las escenas de los jóvenes reunidos en esa sala de la universidad es otro claro ejemplo que hace que sea imposible no pensar en la cinta de Viola.
‘Rings’ posee una gran escena inicial, un prometedor arranque y eso es todo. Aunque al espectador le cueste creerlo, tres personas se han encargado del guión de esta película: David Loucka (‘La casa al final de la calle’ –‘House at the end of the street’-), Jacob Estes (‘The Details’) y Akiva Goldsman (‘Una mente maravillosa’ –‘A beautiful mind’-) que acaba por ser un resumen de lo peor que podemos encontrar en este tipo de historias y que además coge ideas y elementos de otro tipo de películas sin el menor pudor. Jóvenes descerebrados incapaces de darse cuenta de que una chica con un barrigón descomunal está embarazada hasta que no cuenta 34 marcas en la pared, el equivalente a 8 meses y medio…, típica investigación relacionada con aquello que está sucediendo (Esto es desde mi punto de vista, lo mas decepcionante de este tipo de historias: Tras una impactante escena inicial, los protagonistas se verán envueltos en una investigación para ayudar al alma torturada que les acecha. Por desgracia estas partes se mueven siempre por los mismos caminos, explotando todos los tópicos posibles, haciendo que en muchos, si no en la mayoría de los casos, la resolución resulte francamente decepcionante), melenas que salen de la boca de alguno de los protagonistas, moscas volando por doquier y que atraviesan cristales…
En el siguiente párrafo por comparación se pueden establecer ciertos SPOILERS por lo que si no quieres leerlos te recomendamos que saltes al siguiente.

…la presencia de una gran estrella que da cierta entidad a la película (Por ejemplo, en el caso de la cintad de Verbinski era Brian Cox, en el de la de Gutiérrez, Vincent D’Onofrio, actor que parece que le ha cogido el gusto a esto de aparecer brevemente en películas de terror, algo que ya hizo en la notable ‘Sinister’ de Scott Derrickson)  y un guión que toma demasiados elementos de otras películas. Si resultaba imposible no pensar en ‘El resplandor’ (‘The Shinning’) al ver ‘Tell me how i die’, ocurre lo mismo con ‘No respires’ (‘Don’t Breath) de Fede Álvarez (Otra vez volvemos a encontrarnos con otro invidente que parece ser familia de Daredevil) o ‘Chained’ de Jennifer Lynch y protagonizada por un gran Vincent D’Onofrio al que el joven Eamon Farell le roba todo el protagonismo. Los pilares básicos de los personajes interpretados por el actor tanto en la cinta de Lynch como en la de Gutiérrez son prácticamente calcados. FIN SPOILERS
Hay varios problemas en ‘Rings’. El primero de ellos es la falta de fuerza de la historia, una realización plana e impersonal y una forma de montar ciertas escenas que juega en contra del clímax de estas. El segundo de ellos, es lo realmente aburrido que resulta el conjunto. ‘Rings’ parece una película prefabricada para intentar devolver a Samara a lo mas alto del cine de terror, a relanzar una saga que porque realmente los guionistas tuvieran una buena historia, una de esas historias que necesitan ser contadas en imágenes. A pesar de que la idea de buscar un pobre incauto al que pasar la maldición ya fue mostrada en las anteriores cintas de la saga, fue David Robert Mitchell en su notable 'It follows', el director que mejor explotó este hecho. La sentencia de muerte no llegaba vía cinta de vídeo sino mediante relaciones sexuales. La maldición como enfermedad venérea y el 'sacrificio' por amor fueron mostradas por Robert Mitchell con gran maestría. El pausado ritmo de la película, la soberbia banda sonora y sobre todo, la manera en la que este sacó provecho al espíritu que acechaba a la protagonista hace que esta 'Rings' resulte todavía mas innecesaria, absurda y aburrida. No hay nada en la cinta de Gutierréz que resulte digno de mención, nada que distinga a esta película de otras igual de mediocres, nada que sea digno de alabanza. Por desgracia, el debut americano de Gutierréz deja en el espectador un muy mal sabor de boca, esperemos que esta 'Rings' considerada por muchos como una de las peores películas del año, sea solo un pequeño tropiezo. La venganza de Samara ha vuelto con fuerza. Ahora no tienes que ver un extraño vídeo para morir siete días después. No. Su venganza es todavía mas cruel. Su venganza es 'Rings'.



Lo mejor: Lo siento, nada.
Lo peor: Que un prometedor director español debute en Hollywood con una película como esta.

Aquí dejo a Julia, que sigue pensando si 34 rayas en una pared, es decir ocho meses y medio es motivo suficiente para decir que una mujer está embarazada o si con ver su gran barriga ya podía haber caído en ese pequeño detalle.



sábado, 22 de abril de 2017

Crítica: El otro lado de la esperanza - Toivon tuolla puolen

Título: El otro lado de la esperanza - Toivon tuolla puolen
Año: 2017
Género: Drama
Duración: 100 min. 
Director: Aki Kaurismäki
Guión: Aki Kaurismäki
Sonido Tero Malmberg
Interpretes: Sherwan Haji, Sakari Kousmanen, Simon Al-Bazoon, Ilkka Koivula, Tommi Korpela, Janne Hyytiäinen, Nuppu Koivu, Hannu Kivioja, Puntti Valtonen, Varpu, Kati Outinen
Nota: 8,5
Sinopsis: Khaled llega a Finlandia huyendo de la guerra de Siria. Wikström cansado de su trabajo y de su matrimonio necesita dar un giro radical a su vida. El camino de dos personas tan diferentes acabará encontrándose en las puertas de un bar.



Crítica:
'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') es el 'Soul Kitchen' de Aki Kaurismäki, su 'Rock and Cigarretes Kitchen'. De esta manera y a pesar de las claras diferencias existentes entre la película de Fatih Akin y la del finlandés, se puede definir a la cinta que le valió el oso de oro al mejor director en el último festival de cine de Berlín.
Khaled llega a Finlandia huyendo de la guerra que está asolando su país. Un día, tras acabar su jornada laboral este se da cuenta de que algo ha pasado: Su casa ha desaparecido. Toda su familia a excepción de su hermana ha muerto en un bombardeo. No le importa si ha sido el gobierno, los rebeldes, los rusos, Al-qaeda o el Isis, Khaled ha perdido todo, su mundo ha sido devastado y su familia violentamente asesinada. La huida a un lugar mejor es su única esperanza. Eso y su hermana son las dos únicas cosas que le quedan.
Wikström está cansado de su vida. Su matrimonio ha fracasado y su negocio como vendedor de camisas no le satisface. (Resulta imposible no pensar en Jonathan y Sam, los dos vendedores mas tristes de artículos de broma que Roy Andersson mostró en su notable 'Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia' -'En duva satt pa en gren och funderade pa tillvaron'- al ver a Wikström. La cinta de sueco resulta mas árida y excesiva que la del finlandés, el surrealismo de la película de Andersson puede jugar por momentos en su contra, pero ambas cintas llegadas del norte de Europa poseen ciertos elementos en común como puede ser el sutil sentido del humor, la manera que tienen los actores de interpretar a sus personajes o el ritmo con el que los directores plasman sus historias en la pantalla grande. Pero mientras la película de Andersson no deja de ser una serie de relatos que intentan reflejar a la sociedad con mayor o menor acierto, la de Kaurismäki es en su conjunto una historia por lo que resulta mas compacta y coherente. Con todo, el título 'Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia' bien podría aplicarse a la película de Kaurismäki, ya que en el fondo lo que hace el director finlandés es analizar y reflexionar con la precisión propia de un cirujano la existencia y la forma en la que las personas reaccionan en ciertas y extremas circunstancias.) Tras ganar en una timba de póquer gran cantidad de dinero, este verá el momento de cumplir uno de sus sueños: Abrir un restaurante. (Reflexión: La cinta de Roy Andersson se alzó con el galardón a la mejor comedia en los premios del cine europeo. A pesar del humor que destilan muchas de las escenas y situaciones que el director sueco plasma en su película, esta posee una gran carga dramática y crítica. Era necesario premiar una obra como la de Andersson pero que esta ganara el premio a la mejor comedia resulta un chiste muy macabro)
Khaled y Wikström son dos personas que en sus respectivas huidas acabarán encontrándose. Uno huye de la guerra, de un país que ha sido arrasado por las bombas y que llega a Finlandia por error (Khaled deja claro que su intención no era llegar a dicho país pero la situación y las circunstancias lo llevaron a él). El otro de una vida que no le satisface y de un matrimonio que ha fracasado. Khaled y Wikström se aferran a la esperanza de que sus sueños se hagan realidad. En el caso del primero encontrar a su hermana y vivir tranquilo alejado de la guerra, en el del segundo triunfar con su restaurante. En medio de un mundo que se desmorona, de una sociedad donde los movimientos de extrema derecha están resurgiendo con fuerza, personas aparentemente antagónicas se encontrarán y se ayudaran. Todos somos iguales. Todos somos humanos. La cinta de Kaurismäki, a pesar de su gran componente dramático, es un canto a la solidaridad, a valores que hoy en día parece que están en peligro de extinción.
En el año 2009, el director turco-alemán Fatih Akin se alejó de la gran carga dramática de sus dos últimas películas de ficción ('Al otro lado' -'Auf der anderen seite' y 'Contra la pared' -'Gegen die Wand'-) para rodar una excelente comedia protagonizada por un Adam Bousdokus, guionista también de la cinta, que daba vida a Zinos Kazantsakis el dueño de un pequeño restaurante llamado 'Soul Kitchen' que intentaba sacar adelante. La película de Akin además de tener una notable banda sonora con temas de Kool & the gang, Quincy Jones,Curtis Mayfield entro otros, resultaba una obra cargada de optimismo haciendo de esta una de esas cintas que tendría que ser recetada contra el desanimo y la depresión por prescripción facultativa. Hay ciertos detalles que resultan comunes tanto a la cinta de Akin como a la de Kaurismäki: El empeño por sacar adelante un pequeño restaurante, el intento por reconvertir el lugar en algo nuevo e innovador (Si Shayn Weiss, el peculiar cocinero interpretado por Birol Ünel intenta convertir el 'Soul Kitchen' en un restaurante de diseño llegando a llamar a sus clientes 'racistas culinarios' tras ver fracasar su idea, Wikström intenta hacer de 'La jarra dorada' no solo un sitio para beber cerveza, servir albóndigas o comer pescado enlatado -Claro, tienen cocina de inducción- sino un lugar especializado en sushi donde el ingrediente principal es el wasabi capaz de acabar con el sabor salado de los arenques), la presencia de una mas que odiosa inspectora de sanidad, toda una serie de variopintos personajes que tienen como punto de encuentro ese bar o que directamente trabajan en él (Aunque en la cinta de Kaurismäki no hay una figura tan excesiva como la de Weiss, los tres empleados de 'La jarra dorada' son como poco peculiares) Pero sobre todo, si algo tienen en común 'Soul Kitchen' y 'El otro lado de la esperanza' es la importancia de la inmigración, de la multiculturalidad.
A ningún espectador que haya visto y disfrutado de la película de Akin se le tiene que pasar por alto un pequeño detalle: Todos aquellos personajes que son buenos son de origen extranjero, bien sean griegos, italianos, turcos, etc, etc..., incluso el hermano del protagonista al que da vida Moritz Bleibtreu, presidiario, jugador y timador, posee un gran corazón y será capaz de hacer cualquier cosa con tal de ayudar a su hermano y conquistar a Lucia (Anna Bederke), Son los personajes alemanes (Udo Kier, Wotan Wilke Möhring, etc, etc...) aquellos a los que Akin reserva los peores papeles de la película, convirtiéndolos en los verdaderos malvados de la historia. No hay pues en 'Soul Kitchen' la figura de un inmigrante que llega a Alemania buscando refugio pero si toda una serie de personajes que hacen de este país su hogar donde intentan prosperar y luchar por sus sueños. Kaurismäki se aleja de esta forma de tratar a los extranjeros y los nativos, para el director finlandés la bondad es inherente de la nacionalidad y ninguno de sus personajes necesita evolucionar para acabar conociendo que es la bondad, lo que si ocurre por ejemplo con la inspectora de sanidad en 'Soul Kitchen'.
Kaurismäki mezcla con notable maestría el humor y el drama y 'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') es sobre todo una cinta tremendamente crítica con la situación de los refugiados en Europa, tanto que incluso el director finlandés pone en su punto de mira a estos centrándose en la necesidad de mantener el nombre, las raíces, de no dar la espalda a quienes son por muy mal que esté la situación en su país. 'Los finlandeses fueron una vez refugiados, no se olvidarán de eso'. Mientras Alepo está siendo devastada por los constantes bombardeos, las instituciones finlandesas no creen que la situación en dicha ciudad  sea tan peligrosa como para ayudar a las personas que huyen de la guerra. Kaurismäki no solo muestra el odio y el rechazo a los inmigrantes mediante el uso de bandas de extrema derecha si no también por la manera en la que se rechaza aquello que esta ocurriendo en Siria. Por suerte, la esperanza y la solidaridad todavía se puede encontrar en muchas personas y ese es el mensaje más importante que la última cinta de Kaurismäki nos transmite y que con tanto acierto publicita a esta película.
'El otro lado de la esperanza' ('Toivon tuolla puolen') contiene todos los elementos propios del cine de Kaurismäki: Desde esa peculiar estética que tanto nos seduce como el por muchos momentos sutil sentido del humor mezclado con el drama pasando por las interpretaciones de los protagonistas, sus miradas y la manera en la que estos se mueven o dicen gran parte de los diálogos (Sirva de ejemplo la manera en la que Kati Outinen, habitual del cine del director finlandés cuenta que su sueño es irse a Mejico a bailar y disfrutar ya que su país es tranquilo, demasiado tranquilo) llegando a  esos perdedores que abundan en su película con los que el espectador acaba empatizando y que tanto ha influido a otros directores y películas algunas de ellas realmente alejadas de lo que en un principio podríamos llegar a pensar como es el caso de 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') de Károly Ujj Mészáros, extraña pero fascinante película que mezcla el espíritu de 'Amelie' ('Le fabuleux destin d'Amélie Poulain') de Jean-Pierre Jeunet con elementos propios del cine de Kaurismäki. La cinta de Mészáros ha arrasado por todos aquellos festivales en donde se ha proyectado en especial en la edición del Nocturna Festival del año 2015.
Tabaco y alcohol ('Aquí la gente bebe cuanto está triste, pero mas cuando está contenta). Rock, Tradición y modernidad (Maquinas de escribir versus ordenadores portátiles). Finlandia ('Amo a este país, pero ayúdame a escapar de aquí'). Odio y esperanza. La necesidad de huir pero sin olvidar quienes somos, cuales son nuestras raíces. Nuestro nombre y nuestras acciones nos definen. En épocas sombrías donde lo mas lo mas importante parece que somos nosotros mismos, la gente la gente es capaz de sacar lo mejor de si mismos. La inmigración y la forma de sentirse parte de la sociedad e intentar conseguir ser aceptados (Impagable el consejo que Mazdak le da a Khaled -Lo siento, no pude dejar de pensar en Martin Compston en algunas de las escenas donde aparece el actor- acerca de como comportarse: No sonrías pero tampoco parezcas demasiado triste). Todo esto y mas se puede encontrar en una de las mejores cintas que podemos ver en actualmente en los cines. Karusmäki vuelve al cine de ficción por la puerta grande seis años después de 'El Havre' ('Le Havre'). De visión obligada.



Lo mejor: La manera en la que Kaurismäki nos va atrapando poco a poco.
Lo peor: A cierto tipo de público le puede costar entrar en la película.

domingo, 16 de abril de 2017

Crítica: Your Name - Kimi no na wa

Título: Your Name - Kimi no na wa
Año: 2016
Género: Drama - Fantasía - Romance - Animación
Duración: 106 min. 
Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Radwimps
Interpretes: Ryunosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Masami Nagasawa, Etsuko Ichihara, Ryo Narita, Yuri Aoi, Nobunaa Shimazaki, Kaito Ishikawa, Kano Tani
Nota: 9
Sinopsis: Tras 1200 años el cometa Tiamat se vuelve a acercar a la Tierra. Será en ese momento cuando las vidas de Mitsuha y Taki cambien por completo.







Crítica:
'Nos vemos en Montauk'. 'No importa donde estés, iré a buscarte y te encontraré'.
Sobre el encuentro con una chica cien por cien perfecta una soleada mañana del mes de abril. El título de esta historia corta del escritor japonés Haruki Murakami bien podría ser el de la última película de Makoto Shinkai. 'Me encuentro apretada contra una persona muy importante para mí, encajados a la perfección, sin ningún espacio entre nosotros. Estamos unidos de una forma que resulta difícil de comprender’. ‘Querer a alguien y ser correspondido. ¡Qué cosa tan maravillosa! Es un milagro. Un milagro de dimensiones cósmicas’.
'Solitarios dentro de las ciudades, la inclinación a encerrarse en sí mismos es tal que ya no pueden vivir sin el suplemento que les proporciona la ficción. Esos escenarios que los jóvenes japoneses actuales llevan en sus corazones son lo que Makoto Shinkai quiere reproducir. Es lo que siento cuando veo sus obras'. Estas palabras del director Shunji Iwai son extrapolables a muchas de las obras tanto de Murakami como a la historia 'Tokio' de David Mitchell que forma parte de su libro 'Escritos fantasmas' y por supuesto a ‘Your name’. La soledad, los encuentros fortuitos y la forma en la que tanto el director como los escritores plasman en sus obras el deseo y el amor hace imposible no pensar en ellos al ver 'Your Name', ya que esta por encima de sus claros componentes propios de la ciencia ficción, es una extraordinaria historia de amor que luchando contra los tópicos que parecen formar parte de los pilares básicos de la misma, consigue alzar el vuelo consiguiendo que el espectador se estremezca y emocione en la butaca del cine.
Tras 1200 años, el cometa Tiamat se aproximará a la Tierra. Durante ese periodo, Mitsuha, una estudiante de secundaria de un pequeño pueblo Itomori, y Taki que estudia en un instituto de Tokio, intercambiaran sus cuerpos. Los extraños sucesos que ocurren de dos a tres veces por semana, sin ningún tipo de control y cuando estos duermen, no solo pondrán sus vidas patas arriba si no que además creará entre ellos un vinculo especial que los conectará de una forma que nunca ninguno de los dos llegó jamás a pensar.
Shinkai muestra una extraordinaria sensibilidad a la hora de plasmar en imágenes la historia, equilibrando el humor (La manera en la que Taki descubre que se encuentra dentro del cuerpo de una chica y las constantes apariciones de la hermana pequeña de Mitsuha o la referencia a los dos únicos bares que hay en Itomora hacen imposible que al espectador no se le escape una sonrisa), la fantasía y la carga romántica de la película hacen de esta una de esas obras que no solo se disfrutan de principio a final sino que además va ganando enteros conforme avanza el metraje, dejándonos una parte final que explota como si de fuegos artificiales se tratase deslumbrando al espectador. 
En el año 2004, Michel Gondry llevó a la pantalla grande un guión de Charlie Kaufman en la que es sin duda alguna su mejor película pero de nefasto título en español, el 'The eternal sunshine of the spotless mind' cambió a un horrible 'Olvidate de mi'. Joel Barish despierta una mañana con la necesidad de viajar a Montauk. En el día de San Valentin, fecha inventada para vender tarjetas, este coge el primer tren hacía dicho destino. La cotidianidad de Barish se rompe de una manera tremendamente impulsiva. Su novia, Clementine Kruczynski ha borrado todo los recuerdos de su relación con este. Barish que se someterá al mismo proceso que Clementine intentará por todos lo medios guardar uno, aunque solo sea un recuerdo de ella.  Puede que al lector le sorprenda el hecho de nombrar la cinta de Gondry al hablar de ‘Your Name’ ya que Mitsuha no se somete a ningún proceso para olvidar a Taki pero Itomori no deja de ser el Montauk del segundo, la frase ‘Nos vemos en Monatuk’ posee la misma fuerza que el ‘¿Quién eres?’ y sobre todo y muy especialmente los protagonistas luchan contra el olvido, contra la forma en que se están borrando sus recuerdos del otro. 'Alguien importante para mí. Alguien a quién no debo olvidar. ¡Alguien a quién no quería olvidar!' La manera en la que Barrish y Taki se aferran a un recuerdo, a una sensación que no pueden justificar de ninguna manera lógica y coherente hace que ambas películas posean mas puntos en común de los que en un principio pueda parecer. Hasta los trenes y las estaciones forman parte fundamental de las historias de ambas cintas.
‘En Tokio viven y trabajan veinte millones de personas. Es tan grande que nadie sabe a ciencia cierta dónde acaba. (…) La ciudad nunca cesa de reescribirse a si misma.’ De esta manera David Mitchell describe a la ciudad de Tokio en la historia corta del mismo nombre que forma parte del recopilatorio ‘Escritos Fantasmas’. La misma fascinación que desprenden las palabras del autor inglés es extensible a la manera en la que Mitsuha percibe dicha ciudad. El deseo de esta por reencarnarse en un guapo chico de Tokio, su hastío relacionado con el pueblo en el que vive y la manera elegida por Shinkai para presentar y desarrollar a sus dos protagonistas sirve también para mostrar la dualidad entre las tradiciones y lo moderno en el Japón actual. El enfrentamiento entre la abuela de Mishua y el padre de esta por culpa de la dedicación a la política de este y la forma en la que da la espalda al santuario que ella cuida es un claro ejemplo de esto. A un nivel más superficial, la manera en la que Mishua disfruta de una cafetería de Tokio es otro de los ejemplos que pueden ilustrar esta idea.
Mitchell parece tomar parte de la esencia con la que Murakami envuelve a sus historias para desarrollar algunos de los capítulos de ‘Escritos fantasmas’. Resulta imposible no pensar que ‘Okinawa’ no deja de ser una extensión de ‘Underground’ (Novela que se puede considerar como la menos ‘Murakami’ de todas sus obras ya que esta recoge una serie de entrevistas que sirven para narrar el ataque con gas sarin en el metro de Tokio en 1995, algo parecido a lo que hizo Svetlana Alexievich en su tremendamente desgarrador ‘Voces de Chernobil’), de igual manera ‘Tokio’ podría formar parte de cualquier recopilatorio de historias cortas del autor japonés y a nadie le resultaría extraño. ‘Desde que la vi, pensaba en la chica a diario. Veinte, treinta, cuarenta veces al día. Me sorprendía pensando en ella y luego no queriendo parar como esas mañanas de invierno en que no se quiere salir de la ducha caliente’. Satoru (El jazz también está presente en la historia de Mitchell) se queda prendado gracias a un encuentro fortuito con una joven que entra en la tienda de discos donde este trabaja. El azar forma parte fundamental tanto de las historias de Mitchell y Murakami como de la de Shinaki y servirá para que la chispa de amor prenda en los protagonistas.
Otro rasgo en común entre los dos escritores y el director (También podemos referirnos a Shinaki como escritor ya que este escribió la novela de la película mientras esta se estaba todavía rodando. Según el propio director/escritor para él es difícil precisar cual fue antes, si la novela o la película debido a que ambas se complementan aunque es cierto que Shinaki se refiere a su libro como la novelización de la película) son unos personajes fuertes, capaces de seducir solo con su presencia. Puede que en el caso del escritor japonés el ejemplo mas claro sea el de May Kasahara que aparece en ‘La crónica del pájaro que da cuerda al mundo’, pero tanto Mishua  como Tomoyo (Esta última como no puede ser de otra manera con una presencia mas limitada) consiguen no solo seducir a los personajes masculinos sino también traspasar las páginas del libro o de la película y conseguir que el lector o el espectador se sientan como Toru Okada, Taki o Satoru.
‘Me irrité conmigo mismo. No existían muchas posibilidades de volver a verla’. Los encuentros fortuitos y las sensaciones por encima de los recuerdos están presentes en ‘Tokio’, ‘Sobre el encuentro con una chica cien por cien perfecta una soleada mañana del mes de abril’ o ‘Your name’. ‘Nadie puede decir que su chica perfecta al cien por cien corresponda a un tipo preconcebido. Es curioso, no recuerdo la forma de su nariz. En realidad no recuerdo si tenía o no’. Los recuerdos que vienen y van en la memoria de Taki van dando forma a la historia, (‘Todas esas cosas debían ocultar cálidos secretos, como el mecanismo de los relojes antiguos cuando el mundo aún vivía en paz’) a los encuentros y desencuentros. ‘De algo si que estoy segura. Si nos encontráramos nos daríamos cuenta’. La fuerza de muchos de los pasajes de Murakami, Mitchell y Shinkai radica en la enorme capacidad de expresar sentimientos comunes sin caer en lo ridículo o edulcorado, gracias a lo cual los lectores y espectadores son capaces de empatizar con los protagonistas.
‘Your Name’ posee un claro componente fantástico. Muchos espectadores podrán encontrar en esta parte de la película alguno de sus momentos más flojos. Puede que el recuerdo de cintas como ‘La casa del lago’ (‘The lake house’) de Alejandro Agreste y protagonizada por Keanu Reeves y Sandra Bullock pueda jugar en contra de la cinta de Shinkai pero este consigue que el espectador se olvide de este peligroso referente y que su película encuentre su propio camino. ‘Your Name’ posee un elaborado guión que juega con elementos que parecen directamente extraídos de cintas como ‘Las posibles vidas de Mr. Nobody’ ('Mr. Nobody') de Jaco Van Dormael pero sin llegar a la excesiva complejidad de esta. A pesar de que las cintas de Shinkai y Dormael poseen un gran componente romántico, las pretensiones de ambos directores hacen que sus películas aún teniendo nexos en común acaben alejándose.
La banda Radwimps ha compuesto la notable banda sonora de la película que funciona perfectamente acompañando todos y cada uno de los fotogramas de la película (Tanto el director como el productor Genki Kawamure reconocen que la música de Radwimps complemente perfectamente también a la novela) La belleza de la animación rodada por Shinkai y su equipo junto con la música de Radwimps posee gran fuerza lo que consigue que muchos momentos se queden grabados en la memoria del espectador. La extrema sensibilidad que muestra el director y guionista para retratar a sus personajes y las situaciones en las que estos se ven envueltos hacen de esta una de esas cintas deliciosas que se disfrutan y mucho.
‘Your name’ es una sobresaliente cinta de animación que a pesar de su poco original premisa inicial consigue reinventarse a si misma dejándonos algunos de los momentos mas bellos vistos en el cine reciente. A pesar de que la novela de Shinkai resulta prácticamente calcada a la película, su lectura puede hacer que el espectador reconvertido a lector preste atención a algunos detalles que en un primer visionado es posible que se le pasen por alto. Tal y como reconoce el propio Shinkai, si que hay un punto importante que diferencia la narración de la novela y de la película. Mientras que en la primera solo hay dos puntos de vista, los de Mitsuha y Taki, recalcando que estos solo saben lo que ellos están viviendo y sintiendo, en la película hay múltiples puntos de vista, tanto los de otros personajes como el de la propia ‘cámara’. 
‘¿Por qué no probamos si de verdad somos cien por cien perfectos el uno para el otro? Estoy seguro de que volveremos a encontrarnos y, cuando eso sucede, nos casaremos’. 'No importa donde estés, iré a buscarte y te encontraré'.


‘Una historia triste. ¿No le parece?


‘Jamas he vuelto a sentirme tan cerca del paraíso’


‘¿Cómo te llamas?




Lo mejor: El epilogo final de la película. Simplemente soberbio.
Lo peor: El principio de la historia puede llevar a mas de uno a pensar que está otra vez ante la misma película que ha visto antes una y mil veces.