jueves, 21 de junio de 2018

Crítica/Análisis Incident in a Ghostland - Ghostland

Título: Ghostland - Incident in a Ghostland

Año: 2018
Género: Terror
Duración: 91 min.
Director: Pascal Laugier
Guión: Pascal Laugier
Música: Georges Boukoff, Todd Bryanton, Anthony d'Amario y Ed Rig
Interpretes: Crystal Reed, Mylène Farmer, Anastasia Phillips, Emila Jones, Taylor Hickson, Kevin Power, Rob Archer, Mariam Bernstein, Alicia Johnston, Ernesto Griffith, Adam Hurtig
Nota: 9
Sinopsis: Pauline y sus dos hijas se trasladan a vivir a casa de su tía recientemente fallecida donde serán atacadas por una pareja de psicópatas. Años después, Beth tras recibir una llamada de su hermana, volverá a la casa donde sucedió todo para intentar ayudarla  y enfrentarse así a sus propios fantasmas.

Crítica:
'Tu mundo comienza mas allá de este pasaje. Ve ahora'
Sutter Crane

Pascal Laugier ha vuelto. Tras la excesivamente comercial 'El hombre de las sombras' ('The Tall Man'), el director francés vuelve a rodar una cinta que se podría definir como enfermiza y malsana, una cinta que no solo muestra lo mejor de Laugier si no que además consigue plasmar la esencia y el espíritu propio de las películas de Alexandre Bustillo y Julien Maury. 
Ghostland
'¿Cómo podía contar a sus padres 
que las cosas malévolas estaban por todas partes?
En el éter y en el polvo.'
Elizabeth Keller

La mudanza de Pauline y sus dos hijas se convertirá en una terrible pesadilla cuando estas sean atacadas por una pareja de psicópatas. Tiempo después, Beth la menor de las chicas, tras recibir una llamada de auxilio de su hermana, volverá a la casa donde esta sigue viviendo con su madre y donde Beth tendrá que enfrentarse a los fantasmas que la atormentan en sus pesadillas.
Laugier vuelve a situar gran parte de la historia de su película en una casa. 'El orfanato' ('Saint Ange'), 'Martyrs', 'El hombre de las sombras' ('The Tall man') y ahora este 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland) vuelve a hacer de una casa o de un orfanato en su defecto, de un sitio que tiene que trasmitir tranquilidad y seguridad, el lugar donde el terror cobra forma, donde las pesadillas se hacen realidad. En 1997, David Lynch dirigió una de sus obras cumbre ,'Lost Highway' donde el director plasmó la idea de convertir el lugar donde viven los dos protagonistas en la perfecta representación de los miedos y la paranoia en la que estos se ven inmersos. Las cintas de vídeo que reciben Fred Madison y su mujer (Algo que también está presente en 'Caché' de Michael Haneke) o las palabras que el personaje interpretado por Robert Blake le dice a Fred Madison (Bill Pullman) hacen patente la idea de que aquello que nos ha de dar seguridad se convierte en la representación física de las peores pesadillas (Ese extraño hombre, esa persona que no entra en ninguna casa sin ser invitado fue también usado por Jennifer Kent en 'The Babadook' donde esta volvió a explorar otra vez la misma idea: La casa, el hogar como lugar aterrador e inhóspito)
Lovecraft. Escritor de terror. De lejos, el mejor de todos. Con estas palabras de Elizabeth Keller comienza 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland'). En 1994, John Carpenter dirigió la soberbia 'En la boca del miedo' ('In the mouth of the madness'), una cinta donde a pesar de que muchos espectadores podrán pensar en que Sutter Crane es un claro guiño a Stephen King (En un momento de la película, John Trent cita el nombre del escritor norteamericano ya que este piensa que es King el autor de novelas de terror mas leído y no Crane) posee cientos de referencias al universo creado por Lovecraft en sus novelas. Resulta imposible no pensar en la cinta de Carpenter al ver la de Laugier  no solo por ser claros homenajes a Lovecraft sino también porque ambas poseen una estructura similar: Tras una escena inicial (El ataque a la familia Keller, la llegada de John Trent a un manicomio, el mismo lugar donde Alejandro Amenabar situó parte de la historia de 'Regresión' - 'Regression'), los protagonistas buscarán respuestas en un pueblo donde estos tendrán que enfrentarse a sus propios fantasmas y a plantearse todo tipo de preguntas. Es llamativo que en ambos casos la figura del escritor esté presente de alguna e importante manera. Las portadas de los libros escritos por Elizabeth Keller harán otra vez que el espectador piense en las novelas de Crane, 
El espectador encontrará ciertos paralelismos entre la por ahora última cinta de Pascal Laugier y la de Carpenter, y también lo hará entre 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland') y 'Martyrs' películas  ambas escritas por el propio Laugier. Vera y Beth. Anna y Lucie. Vera y Lucie, dos mujeres traumatizadas por todas aquellas torturas que vivieron hace años. Beth y Anna, dos mujeres que intentarán ayudar a estas y que se tendrán que enfrentar a sus propios fantasmas. Puede que esta sea el punto mas criticable de la cinta de Laugier ya que este parece haber cogido la idea, la estructura de la película que le lanzó a la fama para construir la historia de su nueva película. Anna ('El internado' -'Saint Ange'), Vera y Lucie ('Martyrs'), Julie ('El hombre de las sombras' -'The tall man'), Vera y Beth ('Incident in a Ghostland' -'Ghostland'). Son las mujeres las verdaderas protagonistas de las películas de Laugier y son ellas los personajes fuertes y las que sufren, las que se enfrentan a todo tipo de adversidades.
Maury y Bustillo son otros dos de los nombres claves en el reciente cine francés de terror. La brutal y salvaje 'A L'Interiur' que igual que 'Martyrs' conoció un muy flojo e innecesario remake, su peculiar acercamiento al mito del vampirisimo con 'Livide', su homenaje al cine de los años ochenta con la injustamente infravalorada 'Aux jeux des vivants' ('Among the livings') y la muy decepcionante 'Leatherface' son las por ahora cuatro películas dirigidas por el dúo de directores franceses que para bien y para mal no dejan indiferente al espectador. Sin riesgo a equivocarnos podemos decir que Laugier ha hecho suya la esencia de Maury y Bustillo.
No solo los psicópatas de 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland') parecen extraídos directamente del imaginario de los directores de 'A L'Interieur' (Sin duda alguna, la última película de Laugier tiene dos de los mejores psicópatas que hemos visto en mucho tiempo en el cine. El hombre gordo y la mujer que le acompaña, sobre todo esta, son dos personajes que casi merecen su propia película) sino que ademas la atmósfera y ciertas ideas y escenas parecen inspirarse claramente en 'Livide' tanto es así que la casa de Clarice Giordan parece una especie de reimaginación de la de Deborah Jessel (Ahí está ese momento donde una de las chicas descubre unos cuadros con cientos de insectos y pregunta cual era el problema de su tía. La forma en la que Anna -Chloé Marcq- se revuelve al salir de la casa en la que vive nos lleva inevitablemente a pensar en una Beth invertida. La manera en la que los directores muestran a la chicas resulta excesivamente similar) e incluso 'Aux yeux des vivants' (El uso de muñecos nos puede remitir directamente a esta película como también la idea de volver a encontrarnos ante dos psicópatas en los que se establece una relación paterno-filial en el caso de la cinta de Maury y Bustillo y materno-filial en el de la de Laugier) Los espectadores mas observadores detectarán incluso una extraña máscara de cerdo que parece un guiño a 'Leatherface', la última cinta de Maury y Bustillo.
En los dos siguientes parrafos se va a hablar explicitamente de ciertas partes importantes de la película por lo que va a haber SPOILERS. Si no deseas leerlos, te recomendamos que busques la marca que indica que puedes seguir leyendo sin problemas. John Trent y Beth Keller, dos personas que se replantearan su realidad. Una de ellas, Trent por culpa de Sutter Crane que le llevará a dudar de su propia existencia, que le llevará a pensar si no es mas que un personaje del escritor. La otra, Beth Keller, será su propia Crane. Ella misma, como vía de escape dudará de cual de las realidades en las que vive es la verdadera y en cual le interesa seguir viviendo. 'Tu mundo comienza mas allá de este pasaje. Ve ahora' Estas palabras de Crane se pueden poner en boca de la madre de Beth. Laugier vuelve otra vez a mostrar personajes femeninos que se enfrentan a una realidad de alguna manera distorsionada lo que deriva en que en sus películas el espectador se encuentre con ciertos giros de guión mas o menos sorprendentes, justificables y lógicos. Son Vera y Lucie las dos mas claras referencias para la creación de Beth y Vera, para mostrar como los fantasmas de una pasan a la otra, para mostrar como lo que le afecta a una, le ocurre a la otra.
CONTINUAN LOS SPOILERS Carles Torrens dirigió en el 2016 'Pet', una exploración de la locura que ganó el premio al mejor guión en el Festival de cine fantástico de Sitges y cuya escena final desconcertó a propios y extraños, llevando a mas de uno a no acabar de entender la lógica de la manera elegida por Torrens para cerrar su película. Es inevitable pensar en Beth como una mezcla entre Seth (Dominic Monaghan) por la forma en la que esta se cree salvadora de su hermana y Holly (Ksenia Solo) por la manera en la que esta confunde las distintas realidades en las que vive. Laugier se aleja de Torrens pero el director francés nos deja un epílogo que nos lleva a pensar que hay mucho mas en su película, que como espectadores se nos ha pasado algún detalle por alto y que es necesario volver a ver esta película. A mi por lo menos, esas supuestas palabras tranquilizadoras me han perturbado bastante. Trent veía una película, Beth reconoce que le gusta escribir historias FIN SPOILERS SPOILERS
Por encima de la historia y los guiños al cine de Maury y Bustillo, hay algo que llamará especialmente la atención de los espectadores mas detallistas y eso no es otra cosa que el gran parecido que existe entre Jodelle Fernald coprotagonista de 'El hombre de las sombras' ('The Tall man') del propio Pascal Laugier y algunos de los planos que muestran a Crystal Reed en 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland'). No sabemos si esto es otro guiño del director, si tiene un componente de admiración o si hay alguna oscura intención que se nos escapa y desconocemos. Laugier parece coger ciertos elementos de 'Martyrs', del cine de Maury y Bustillo y de la novela de Jack Ketchum 'La chica de al lado' ('The girl next door') que fue llevada al cine por Gregory Wilson en el año 2007 y que ese mismo año conoció una versión de los hechos sufridos por Sylvia Likens dirigida en este caso por Tommy O'Haver. 'Incident in a Ghostland' ('Ghostland') es sin duda alguna, una de las grandes películas de terror de la temporada, una de esas películas enfermizas y malsanas que harán las delicias de los amantes del género. En definitiva, una de esas cintas de obligada visión.


Lo mejor: Esa pareja de psicopatas. La escena de las muñecas.
Lo peor: Ciertos clichés en este tipo de películas que no ayudan demasiado a la historia. El personaje de Paul Titley.

viernes, 15 de junio de 2018

Crítica: Analisis: 'The Villainess' - 'Akneyo'

The Villainess
Título: The Villainess - Akneyo
Año: 2017
Género: Drama - Thriller - Acción
Duración: 129 min.
Director: Byung-gil Jung
Guión: Byung-gil Jung y Byeong-sik Jung
Música: Ja wan Koo
Interpretes: Ok-bin Kim, Ha-kyun Shin, Jun Sung, Seo-hyeong Kim, Ye-Ji Min, Eun-ji Jo, Hae-Kyun Jung, Yun-Woo Kim, Cheol-min Park, Min.-ji Son
Nota: 9
Sinopsis: Sook-hee vive obsesionada con una idea: Dar con el paradero de la persona que mató a su padre y así poder vengarse. Educada desde joven como una asesina, un reguero de cadáveres hará que su vida de un giro radical donde nada es lo que parece.

Crítica:
La Venganza. Así con mayúsculas y sin rodeos. Ese parece ser el leit-motiv de muchas películas surcoreanas. La obsesión en una sociedad reprimida. Byung-gil Jung no ofrece nada que el espectador no haya visto antes, 'The Villainess' ('Akneyo') posee cientos de referencias fácilmente detectables para el espectador aficionado al cine de acción del país asiático pero también para aquel seguidor del cine de por ejemplo Quentin Tarantino, pero todo ello mezclado con exquisita elegancia y a pesar de no ser fan de la acción en primera persona, de grandes escenas de acción. Sin duda alguna esta 'The Villainess' es el 'Old boy' de esta década y por méritos propios ha de ocupar un lugar destacado dentro del cine de acción reciente.
Old boy
The villainess pasillo
Este mismo año, Francis Lawrence adaptó a la pantalla grande la novela de Jason Matthews 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow'). La cinta de Lawrence se resentía de la gran carga propagandística que tenía la misma, algo que también se podía encontrar en las páginas de la obra de Matthews aunque de una forma mas sutil y que podía llevar a muchos espectadores a pensar que esta era una película mas propia de una guerra fría que supuestamente se superó hacer ya unos años. Matthews y por tanto Lawrence en su película mostraban como Dominika Egorova, tras tener que abandonar su prometedora carrera de bailarina, se convierte en un gorrión rojo, una espía rusa capaz de usar todas las armas a su alcance (Incluido su cuerpo) para conseguir sus fines. Puede que al lector le sorprenda que en la crítica de 'The Villainess' ('Akneyo') se comience hablando de la novela de Matthews y de la película de Lawrence pero es que nadie puede dudar que la cinta de Byung-gil Jung tiene mucho de estas, tanto que se podría llegar a decir que 'The Villainess' ('Akneyo') es una especie de gorrión rojo pasado por el especial y peculiar filtro del cine surcoreano.
The Villainess entrenamiento
gorrión rojo
Tras quince años encerrado, Oh Dae-su (Choi Min-sik) será liberado con un poco de dinero y dos preguntas a las que tendrá que dar respuesta: Quién y por qué lo secuestró durante tanto tiempo. La segunda película de la conocida como trilogía de la venganza dirigida por Park Chan-wook se alzó con innumerables premios entre ellos el gran premio del jurado en el Festival de cine de Cannes el año en el que Tarantino formó parte del jurado (No recuerdo que crítico dijo que 'Old boy' es la película que a Tarantino le gustaría haber dirigido y que nunca podrá llegar a rodar). Tras la violenta escena inicial de 'The Villainess' ('Akneyo') rodada casi toda ella en primera persona a lo 'Hardcore Henry' de Ilya Naishuller, Byung-gil Jung hace de Sook-hee su propio Oh Dae-su. Su encierro, las visitas que esta recibe en su cuarto, todo parece extraído directamente de la cinta de Park Chan-wook, es mas, se podría incluso decir que del cine del director surcoreano ya que incluso la infravalorada 'I'm a cyborg, but that's ok' ('Ssa-i-bo-gue-ji-man-gwen-chan-a') parece tener su momento en la película de Byung-gil Jung gracias a ese cuarto donde está encerrada Sook-hee que se acerca estéticamente mas a esta película de Park Chan-wook que a 'Old Boy'.
old boy mascara
The Villaines mascara
Oh Dae-su y Sook-hee hacen de la venganza su máxima obsesión para ello tanto Park Chan-wook como Byung-gil Jung hacen del pasado de sus personajes parte fundamental de la trama, haciendo que este sea necesario para entender el presente. La narración de 'The Villainess' ('Akneyo') juega con los tiempos y aunque hay una clara línea temporal, esta se ve alterada con los constantes saltos y referencias al pasado de Sook-hee. En el año 2014, Tetsuya Nakashima dirigió la sobresaliente 'El mundo de Kanako' ('Kawaki') en la que el director japonés nos dejaba un arranque demoledor e impactante como pocos. En él, Nakashima conseguía llevar al espectador al grado de locura y paranoia de su protagonista, algo del todo necesario para entender la evolución de este en la película. Byung-gil Jung no busca crear esta misma sensación en el espectador o al menos no hasta tal grado, ni la narración es deliberadamente confusa pero el director surcoreano si consigue hacer que el espectador sienta la misma necesidad de Sook-hee para hacer encajar las piezas del puzzle y dar forma a lo que ocurre a su alrededor.
The Villainess Celda
Byung-gil Jung juega con la estética y las imágenes de manera soberbia construyendo escenas que perduraran en la memoria del espectador. El director surcoreano parece coger momentos de otras películas y los pasa por su filtro personal consiguiendo que el espectador recuerde el original pero aprecie la personalidad propia de esa 'reinvención'. 'The Villainess' ('Akneyo') a pesar de la gran cantidad de escenas de acción perfectamente coreografiadas posee, igual que sucedía en 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') un claro componente romántico que se establece entre Sook-hee y Jung Sung, los Dominika Egorova y Nate Nash de Byung-gil Jung. En el año 2000, Wong Kar-wai dirigió 'Deseando Amar' ('In the mood of love') una película romántica de una absoluta belleza que se apoyaba en el gran trabajo de sus dos protagonistas, la fotografía de Christopher Doyle y la extraordinaria banda sonora de Shigeru Umebayashi. Resulta llamativo que en 'The Villainess' ('Akneyo'), su director haya encontrado un hueco para hacer un pequeño pero notable homenaje a la película de Wong Kar-wai. Dos personajes. Un bar. El halago hacía una corbata. El reconocimiento de que es un regalo de su mujer. Casi el mismo movimiento de cámara. Solo falta Nat King Cole para que Byung-gil Jung nos deje casi la misma escena, casi la misma sensación que Wong Kar-wai consiguió transmitirnos.
In the mood for love
The Villainess Corbata
Byung-gil Jung se hace lo que podríamos llamar un Tarantino. De la misma manera que el director americano, el surcoerano ha cogido muchas, posiblemente demasiadas referencias a otras cintas y las mezcla sin pudor pero con bastante inteligencia. Es obvio el homenaje que Byung-gil Jung hace a 'Kill Bill: Volumen 1' ('Kill Bill: Vol 1') y 'Kill Bill: Volumen 2' ('Kill Bill: Vol 2'). Son al menos tres ideas las que Byung-gil Jung y Byeong-sik Jung parecen tomar de la cinta de Tarantino. La primera de ellas es la idea de La novia y su embarazo, algo sobre lo que Byung-gil Jung volverá de forma recurrente. Además con un vestido de novia el director surcoreano nos deja una escena de indudable belleza que hará imposible que el espectador no se acuerde 'Misión: Imposible - Nación Secreta' ('Mission: Impossible -Rouge Nation')
The Villainess Novia
Misión: Imposible - Nación Secreta
La segunda de ellas es la presencia de una nueva Nikki Bell (Ambrosia Kelley), hija de Vernita Green (Vivica A. Fox) y la tercera es la mas que apreciable similitud entre la infancia de O-Ren Ishii  (Lucy Liu) y  Sook-hee lo que justificará la venganza que ambas buscan de forma obsesiva.
Kill bill Volumen 2 - 1
The Villainess
Kill Bill Volumen 2 - 2
The Villainess 2
Si Tarantino cogió elementos propios del cine asiático para pasarlos por su filtro personal, Byung-gil Jung parece querer devolverle la jugada al director norteamericano y coger lo que hizo este para devolvérselo a la cultura  a la cual parece pertenecer de origen. 
Deadpool 2 persecución
The Villainess persecución
Muchos espectadores podrán no solo ver muchas referencias y homenajes de la cinta de Byung-gil Jung a otras películas sino que también ocurrirá lo contrario: Al ver algunas cintas recientes como 'Deadpool 2' de David Leitch es imposible no acordarse de 'The Villainess'. La composición de la escena donde el personaje interpretado por Ryan Reynolds conduce de una manera un tanto peculiar un coche para llegar a un camión es prácticamente similar, sin obviamente la carga cómica de la cinta de Leitch,  al momento en el que Sook-hee hace lo propio para intentar dar alcance a un autobús.
The Raid 2 Berandal
De la misma manera que Quentin Tarantino en 'Kill Bill: Volumen 2' ('Kill Bill: Vol 2'),  Park Chan-wook en 'Old Boy', Gareth Evans en 'The Raid' ('Serbuan Maut') y 'The Raid 2: Berandal', Byung-gil Jung vuelve a situar algunas de las escenas de acción de su película en espacios pequeños que impiden una movilidad perfecta de aquellos que se ven envueltos en las peleas que se muestran. Una caravana, largos pasillos, un vagón de metro o un autobús. Lugares tan limitados en lo que a espacio se refiere son aprovechados por todos y cada uno de estos directores para construir impactantes escenas de acción que harán las delicias de los amantes del género. Y si Gareth Evans nos dejó a la increíble Hammer Girl, Byung-gil Jung hace lo propio con la protagonista de su película.
The Villaines rain
'The Villainess'  ('Akneyo') es una autentica delicia en lo que a lo visual y sonoro se refiere. Byung-gil Jung cuida al detalle todos y cada uno de los elementos que forman parte de su película.  Su gran dirección, la excelente fotografía de Jung-hun Park y la gran banda sonora de Ja wan Koo hacen de esta película, de esta especie de Gorrión Rojo surcoreana todo un espectáculo que hay que ver y disfrutar.
Byung-gil Jung y Byeong-sik Jung construyen un gran guión donde todo está mezclado con inteligencia y las constantes referencias a otras películas no ofenden ni llevan al espectador a pensar en que la historia no es excesivamente original, porque Byung-gil Jung hace de 'The Villainess' una autentica montaña rusa, un gran espectáculo que ofrece al espectador todo aquello este espera de una película como esta. Cuando se mezclan muchas ideas y escenas y se hace de una manera tan soberbia como esta, uno solo puede quitarse el sombrero y reconocer que 'The Villainess' es sin duda alguna, una de las grandes cintas de acción de la temporada.
Lo mejor: El gran sentido del espectáculo y la acción de la película.
Lo peor: Que pase desapercibida al gran público.

sábado, 9 de junio de 2018

Crítica: Jurassic World: El reino caído - Jurassic World: Fallen Kingdom

Jurassic World: El reino caído
Título: Jurassic World: El reino caído - Jurassic World: Fallen Kingdom
Año: 2018
Género: Acción - Aventura - Ciencia Ficción
Duración: 128 min.
Director: Jose Antonio Bayona
Guión: Colin Trevorrow y Derek Connolly
Música: Michael Giacchino
Interpretes: Bryce Dallas Howard, Chris Pratt, Ted Levine, Jeff Goldblum, Toby Jones, James Cromwell, Rafe Spall, BD Wong, Daniela Pineda, Justice Smith, Geraldine Chaplin
Nota: 7,5
Sinopsis: Los dinosaurios que sobreviven en isla Nublar están en peligro. El volcán de la isla está apunto de estallar y así arrasar con todo aquello que la lava encuentre a su paso. Las suplicas de Claire Dearing por salvar a los animales serán oídas por un representante del magnate Benjamin Lockwood que le propondrá un plan imposible de rechazar.


Crítica:
Si, esta vez hay que ser honrado, hay que reconocerlo, tras la edulcorada 'Un monstruo viene a verme' ('A monster calls'), cinta que igual que ocurría con 'Lo imposible' ('The Impossible') era una película prefabricada para emocionar al público y aumentar las ventas de Kleenex y demás accesorios relacionados con las lagrimas y los lloros desconsolados, José Antonio Bayona ha conseguido revitalizar una saga que parecía abocada a la constante repetición, al eterno retorno, a que el espectador con cada nueva película se replanteara eso de porqué nadie ha aprendido nada todavía y cada nuevo parque tiene un sistema de seguridad peor que el anterior. Bayona ha conseguido hacer de su 'Jurassic World: El reino caído' ('Jurassic World: Fallen Kingdom'), una película que tras la mas que necesaria presentación de los personajes (Algunos mas elaborados e interesantes que otros. Sustituir a un actor como Jake Johnson por Justice Smith no resulta del todo acertado ya que el segundo no tiene la chispa del primero y los chistes, este es un personaje destinado principalmente a gritar e intentar arrancar una carcajada en el espectador, no acaba por funcionar) se convierte en todo un espectáculo que casi no da respiro al espectador y lo que es mejor, se disfruta de principio a fin. Y eso es sin duda alguna lo que esperamos de una película como esta. Lastima que al menos durante la primera parte de la misma ciertos efectos especiales, ciertas escenas, cierto uso del croma resulte demasiado cantoso, demasiado llamativo al ojo del espectador como para resultar natural.
Un monstruo viene a Jurassic World
'Jurassic World: El reino caído' ('Jurassic World: Fallen Kingdom') deja en la presentación de su personaje principal, Claire Dearing, un pequeño detalle, un pequeño guiño a 'Jurassic World' que no solo hará las delicias de los aficionados de la cinta de Trevorrow sino que además deja claras las intenciones de esta nueva entrega. El plano que abajo arriba sirve para mostrar a la protagonista empieza enseñando como no podía ser de otra manera los zapatos de tacón que esta lleva puestos. Que Dearing corriera por toda Isla Nublar con tan incómodos zapatos fue uno de los hechos sobre los que mas chistes se hicieron llegando a editarse un vídeo donde hasta los dinosaurios llevaban tacones. 'Jurassic World: El reino caído' ('Jurassic World: Fallen Kingdom') lo sabe y no huye de ello.
Jurassic World el reíno caído
No hay muchas ideas dejadas al azar en la película de Bayona. Sirva de ejemplo 'Arcadia' nombre del barco que es utilizado para sacar a los dinosaurios de isla Nublar y que es un concepto que fue asimilado durante largo tiempo con la idea del paraíso o un lugar idílico donde las personas viven en armonía con los animales. 
Jurassic World el reíno caído - Arcadia
A partir de este momento y hasta que se indique lo contrario, se van a hacer comentarios explícitos acerca de la trama de la película por lo que se van a revelar ciertas ideas que se pueden considerar como SPOILERS por lo que si no deseas leerlos te recomendamos que busques la marca que indica que se puede seguir leyendo sin ningún tipo de problema.
Jurassic World el reíno caído - Dinosaurio
La mansión Lockwood. Xanadu, La mansión de Charles Foster Kane. Dos personajes, uno interpretado por James Cromwell, el otro por Orson Welles y en ambos casos la importancia de Rosebund, de aquello que no se pudo conseguir o que ser perdió. La perdida de la infancia, de la inocencia, de aquello que fue arrebatado de forma cruel forma parte de ambos personajes aunque como no puede ser de otra manera desde muy diversas perspectivas. Trevorrow y  Connolly se sirven de Kane para de alguna manera crear a su Lockwood en lo que se podría definir como su versión amable y José Antonio Bayona no huye de tal idea cambiando una bola de nieve por el ambar donde se encuentra el insecto que sirvió de base para crear a los dinosaurios.
Jurassic World el reíno caído - Xanadu Vs Lockwood
En el año 2017, Jordan Peele deslumbró a propios y extraños con su 'Déjame Salir' ('Get out') cinta excesivamente sobrevalorada que llegó a alzarse con el premio al mejor guión original (Sigo pensando que de ganar algún premio, este tendría que haber sido el de mejor guión adaptado, ya que creo que la historia que Peele plasma en imágenes no deja de ser una puesta al día de cierta novela de Ira Levin). Para el espectador resulta imposible no pensar  en un cierto paralelismo entre Chris Washintong (Daniel Kaluuya) y Maise Lockwood (Isabella Sermon). Dos personajes que descubren terribles secretos acerca de quiénes son o lo que van a ser. La idea mostrada por Peele en su película, la de ese grupo de personas que van a casa de los padres de Rose (Allison Williams) es sustituida aquí por otro grupo de gente que acuden a la mansión Lockwood con un fin común. Distintas personas, diferentes pujas serán elementos para que los protagonistas descubran tanto la naturaleza humana como la suya propia.
Jurassic World el reíno caído - Maise
En el año 2012, Scott McGehee y David Siegel adaptaron la novela 'Lo que Maise sabía' de Henry James al cine. El titulo de la película sufrió un cambio y de 'Lo que Maise sabía' esta pasó a ser '¿Qué hacemos con Maise'? Este doble título del libro y de la película de McGehee y Siegel en España se puede utilizar sin ningún tipo de duda con el personaje interpretado por Isabella Sermon. Por una parte, Eli Mills (Rafe Spall, actor del que este año hemos podido disfrutar de la notable 'The Ritual') hará suyo el '¿Qué hacemos con Maise?', mientras que Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) y Owen Grady (Chris Pratt que aunque aquí se muestra mas comedido sigue bajo la influencia de su Star Lord) se enfrentarán a la parte mas dura, a la que hace referencia a lo que Maise sabe... Una de las grandes decepciones cinematográficas del año es sin duda alguna 'Winchester: La casa que construyeron los espiritus' ('Winchester') de los Spierig Brothers, cinta que tomaba como base la leyenda de la casa Winchester para construir una muy aburrida y predecible cinta de fantasmas. Los Spierig que nos dejaron cintas tan interesantes como 'Predestination' o 'Daybreakers' se mostraban incapaces de sacar juego a la laberíntica mansión que daba título a la película. Todo aquello que no supieron hacer estos con las cientos de habitaciones, es aquí aprovechado al máximo por Bayona, algo que sin duda alguna el espectador agradecerá y mucho.
Jurassic World el reíno caído - Interior Barco
Hay algo que siempre es achacable al cine de Bayona y eso no es mas que el gusto del director hacia el efectismo y ciertos, digamos, trucos que le sirven a este para llevar a la película donde quiere. El espectador no ha de dejar pasar en como ciertos personajes aparecen o desaparecen de la historia, en como las acciones de  alguno de ellos (Sirva de ejemplo Ken Wheatley -Ted Levine-) no son del todo lógicas pero sobre todo en la manera en que no se vuelve a hacer referencia a la escena inicial de la película hasta el final de la misma, algo del todo incoherente al ver el tamaño del dinosaurio y la mas que comprensible necesidad de alimentarse. Por desgracia, la idea de que este se quede esperando al final de la película para volver a aparecer resta credibilidad al conjunto.
Jurassic World el reíno caído - Interior Lockwood
FIN SPOILERS Hasta aquí llegan todas las ideas y referencias que pueden ser consideradas SPOILERS. Si lo deseas puedes seguir leyendo sin ningún tipo de problema.
Jurassic World el reíno caído - Star Lord
'Jurassic World: El reino caído' ('Jurassic World: Fallen Kingdom') es sin duda alguna una película realmente entretenida que ofrece al espectador un espectáculo que desde el momento en el que arranca va in crescendo. Sin llegar a la magistral 'Vengadores: Infinity War' ('Avengers: Infinity War' ) de los Russo, la cinta de Bayona es un perfecto ejemplo de como rodar una película de esas que nos hacen sentirnos en el cine como cuando eramos críos, una de esas películas que hay que ver en pantalla grande y que se disfrutan de principio a fin. La temporada de verano no podía haber empezado de mejor manera. Muy recomendable.



Lo mejor: Lo entretenido que resulta todo.
Lo peor: La presencia de Geraldine Chaplin

viernes, 1 de junio de 2018

Crítica/Análisis: The Cured

The cured - posterTítulo: The Cured
Año: 2017
Género: Drama
Duración: 95 min.
Director: David Freyne
Guión: David Freyne
Música: Rory Friers y Niall Kennedy
Interpretes: Ellen Page, Sam Keeley, Sam Vaughan-Lawlor, Stuart Graham, Paula Malcomson, Natalia Kostrewa, Hilda Fay, Sarah Kinlen, Judy Donovan, Peter Campion
Nota: 7
Sinopsis: Aquellos que fueron infectados por un extraño virus que los convertía en seres sedientos de sangre han vuelto a la normalidad. Una vacuna ha conseguido revertir los efectos de la enfermedad. Ahora llega el momento de reinsertarse en la sociedad y enfrentarse al miedo y al rechazo así como al recuerdo de todo aquello que hicieron y vivieron mientras estaban infectados.


Crítica:
Este también es nuestro país

Muchas veces las películas centradas en los zombis o infectados son cintas destinadas a entretener a al espectador, a hacerle pasar un buen o mal rato con unas gotas de gore, un poco de tensión y acción, muchas veces a todo esto se le envuelve con cierta carga dramática, con unos personajes que intentan trasmitir algo al espectador. Pero muchas otras veces, este tipo de películas utilizan a los zombis o a los infectados para construir una metáfora, para dar forma a una historia con un gran trasfondo y que sirve para acercarse a ciertos temas, profundizar en ellos y en muchos casos construir una muy elaborada crítica.
The cured
Hablar del género zombie es hablar de George A. Romero. El director norteamericano es sin duda alguna el padre del zombie moderno y todas sus películas 'La noche de los muertos vivientes' ('The night of the living dead'), 'Zombie' ('Dawn of the dead'), 'El día de los muertos' ('Day of the dead'), 'La tierra de los muertos' ('Land of the dead'), 'El diario de los muertos' ('Day of the dead') y 'La resistencia de los muertos' ('Survival of the dead') aunaban con notable acierto el espectaculo con la critica: La guerra fría, el comunismo, el consumismo, el fascismo del gobierno de George Bush, el poder de los medios de comunciación y el exceso de información incontrolada o el fanatismo religioso son algunos de los temas sobre los que pivotaban las cintas de Romero.
The cured - Tío y sobrino
Pero no solo Romero ha utilizado el género zombie como herramienta para reflejar bajo el prisma y los cánones del género, la sociedad y así criticar ciertas actitudes, comportamientos y diferentes situaciones. Existen diversas películas y series pero al escribir sobre 'The Cured' hay tres sobre las que creemos necesario detenernos: 'Retornados' ('The Returned') de Manuel Carballo, 'La resurrección de los muertos' ('Les Revenants') de Robin Campillo y la serie de televisión con la que comparte título y algo mas y la también serie 'Resurrection' basada en una novela de Jason Mott. ya que todas ellas hablan del rechazo de cierta parte de la sociedad representada por los habitantes de una ciudad o una pequeña comunidad contra aquellos que son considerados diferentes y a los que por muy diversos motivos se les teme.
The cured - Ellen Page 1
Un extraño virus ha convertido a la gente en seres sedientos de sangre. Tiempo después una vacuna ha conseguido curar a gran parte de los infectados que conservando los recuerdos de todo aquello que hicieron durante el tiempo que estuvieron infectados tendrán que intentar reinsertarse en una sociedad que los rechaza, además de enfrentarse tanto a sus recuerdos como a la manera en la que sus familiares los tratan.
The cured - Ellen Page 2
'The Cured' se acerca peligrosamente a las ideas mostradas por Carballo y Campillo en sus películas y a  la novela de Motten por el hecho de encontrarse ante un grupo de personas que tras haber sido infectadas han de volver a una sociedad que los rechaza. Es cierto que el gran paralelismo entre la cinta de Freyne y estas referencias es mas fácilmente visible en 'Retornados' ('The Returned') donde los infectados se han de inyectar una especie de suero que impide que la enfermedad continúe desarrollándose. Y digo que se acerca peligrosamente a las ideas mostradas por Carballo porque 'Retornados' ('The Returned') es una película con un planteamiento muy interesante que acaba naufragando por la sensación de que esta se cree mas de lo que es y porque el guión escrito por Hatem Khraiche, director de la también desaprovechada 'Órbita 9', parece que no sabe sacar rédito a las ideas planteadas y las diversas historias que forman parte de la película.
The cured - Ellen Page 3
Pero sobre todo, David Freyne construye en 'The Cured' una perfecta metáfora acerca del conflicto irlandés. Con un ritmo pausado que como siempre puede frenar a los espectadores mas impacientes, el director y guionista crea su propio 'The Boxer' donde Danny Flynn (Daniel Day-Lewis) es sustituido aquí por Senan (Sam Keeley) y el peso del pasado representado en Harry (Gerard McSorley) es ahora Conor (Sam Vaughan-Lawlor), y si bien en la cinta de Sheridan este muestra el resurgir de la relación entre Flynn y Maggie (Emily Watson), en la de Freyne este nos muestra la manera en la que Senan se acerca  a la mujer (Ellen Page) y al hijo de su hermano fallecido.
The cured - IRA
Son muchas las películas que han abordado el conflicto irlandés desde diversas ópticas y perspectivas. Jim Sheridan, Terry George, Paul Greengrass, Ken Loach, Steve McQueen o Pete Travis entre otros nos han dejado cintas de una indiscutible dureza donde muchas de ellas se muestran extremadamente críticas tanto con el IRA como con la actitud y posicionamiento del gobierno inglés. Podemos destacar 'En el nombre del padre' ('In the name of the Father') de Jim Sheridan y 'En el nombre del hijo', cinta escrita por Sheridan y Terry George cuyo titulo original 'Some mother's son' hijo de alguna madre fue cambiado para aprovechar el éxito de la película protagonizada por Daniel Day-Lewis, lo que nos lleva a pensar que la cinta de Freyne en manos de algún espabilado director de publicidad español, en manos de alguien que tenga un MBA podrá ser traducido libremente como 'En el nombre del infectado' para seguir la estela del éxito de las películas de Sheridan y George y hacer lo mismo que ocurrió con 'Some mother's son', prostituir la importancia del significado del titulo original. George narraba la huelga de hambre de Bobby Sands y sus compañeros (Tema también tratado de manera soberbia por McQueen) desde el punto de vista de las madres de los presos ya que estos, como todos nosotros somos hijos de alguna madre lo que servia al director para explorar los distintos puntos de vista y posicionamientos de estas ante lo que hacen y han hecho sus hijos. El sanado, los sanados, los curados.. esta acepción o cualquier expresión similar posee un enorme trasfondo en la cinta de Freyne ya que estos han superado la enfermedad pero el pasado es una pesada losa contra la que tienen que enfrentarse. Se  puede decir que estos han salido de la cárcel tras cumplir condena (Idea reforzada por el hecho de que el protagonista reconoce que ha estado infectado durante cuatro años. Senan es completamente consciente del tiempo que estuvo infectado por tan extraño virus cuyo nombre en ingles es Maze, 'Laberinto') y han de afrontar el presente al que han avocado a la sociedad por su violento pasado.
The cured - Tío y sobrino 2
En el mismo año en el que Sam Vaughan-Lawlor co-protagonizó 'The Cured', este hizo lo propio en una película titulada 'Maze' donde el director Stephen Burke narraba la fuga de la prisión Maze donde 38 prisioneros del IRA escaparon de una de las prisiones de mayor seguridad de toda Europa. Vaughan-Lawlor en declaraciones realizadas cuando se estrenó la película de Burke dijo que 'Aunque Irlanda es una isla muy pequeña, el enfrentamiento continua presente' y que el mensaje de Maze' es 'universal: Una universalidad acerca de la resolución de conflictos que solo puede ser a través del dialogo y a través de personas que se sientan a hablar en una sala. En intimidad. Y escuchando', algo que no ocurre por parte de ninguno de los bandos en 'The Cure'.  Es claro que los sucesos ocurridos en 1983 en la prisión de Maze han sido utilizados para construir gran parte de la historia de la película de Freyne. A ningún espectador se le pasará por alto el aparentemente extraño nombre del virus que infecta a la gente que no tiene nada que ver con las novelas de James Dashner, el porcentaje de personas inmunes a la cura (Ese 25% bastante similar a los resultados del Sinn Fein en Irlanda del Norte) y como no puede ser de otra manera SPOILER SPOILER SPOILER la manera elegida por el director y guionista para cerrar su película con la elección de un lugar, un suceso y un número de personas que igual que el nombre de la infección no ha sido escogido al azar lo que además parece que le da a la metáfora una especie de estructura a lo cinta de Moebius. FIN SPOILER FIN SPOILER FIN SPOILER
The cured - Conflicto
'The Cured' es una muy interesante película que posee un gran trasfondo sobre el que hay que hablar y mucho. Freyne no solo se acerca a una realidad para explorar y analizarla en profundidad sino que además nos deja una profunda reflexión acerca de como todos los bandos muestran los extremos de sus posiciones cuando lo único que quiere la gente es vivir en paz y seguir con sus vidas intentando superar el pasado. 'The cured' es una película que va ganándose al espectador poco a poco y cuyo pausado ritmo puede frenar a mas de uno, con todo la cinta de Freyne es una película que demuestra que aúna los infectados con la crítica.


Lo mejor: La elaborada metáfora que construye el director y guionista.
Lo peor: Que se espere una cinta de acción al uso.


martes, 22 de mayo de 2018

Crítica/Análisis: Revenge

Revenge - Poster
Título: Revenge
Año: 2017
Género: Thriller - Rape&Revenge - Acción
Duración: 108 min.
Director: Coralie Fargeat
Guión: Coralie Fargeat
Música: Robin Courdet aka Rob
Interpretes: Matilda Lutz, Kevin Janssens, Vicent Colombe, Guillaume Bouchède
Nota: 8
Sinopsis: La romántica escapada de Jen se convertirá en una pesadilla cuando dos cazadores amigos de su pareja lleguen a la asilada mansión donde se alojan y uno de ellos se sienta atraído por ella.



Crítica:
Son pocas las películas que dentro del género llamado Rape & Revenge despiertan en mi algo que no sea un profundo asco y rechazo. No soporto la forma en la que Steve R. Monroe se recrea en ciertos momentos en 'Escupiré sobre tu tumba' ('I spit on your grave') y 'Escupiré sobre tu tumba 2' ('I spit on your grave 2'). Tengo una especie de relación amor-odio con 'Irreversible' de Gaspar Noé porque aunque creo que la película tiene suficientes elementos para ser considerada una grandisima cinta, la constante necesidad de impactar y la etiqueta de enfant terrible del director argentino afincado en Francia juega en su contra y no hay ninguna justificación mas allá de la necesidad constante de demostrar que se puede llegar un poco mas allá y reventar las bases de lo políticamente correcto para mostrar en un plano fijo, la brutal violación y agresión del personaje interpretado por Monica Bellucci.
Revenge - Desierto
Pero también he de reconocer que hay otras películas de este género que poseen elementos para justificar su visionado como es el caso de la brutal y salvaje 'La última casa a la izquierda' ('The last house on the left') considerada por muchos un remake de 'El manantial de la doncella'  ('Jungfrukällan') de Ingmar Berman, y que es sin duda alguna un referente dentro del género ademas de suponer el debut en la pantalla grande de Wes Craven. A pesar de las aparentes y férreas normas del género, algunas películas consiguen ofrecer algo nuevo, algo diferente, consiguen aportar sugerentes ideas que hacen que estas se alejen de otras cintas de temática similar. 'Savaged' de Michael S. Ojeda, película sobre la que volveremos mas adelante, o, y aunque se aleje de lo que es formalmente un Rape&Revenge 'Bound to Vengeance' de José Manuel Cravioto. En un género dominado casi en exclusividad por los hombres es de agradecer y mucho, el acercamiento y la visión femenina en un tipo de historias sobre las que creo que es muy importante conocer ese punto de vista. Acertadas o no, a cintas como  'Fóllame' ('Baise-moi') de Virginie Despentes y Coralie Trinh Tri o 'Bronx: Distrito peligroso' ('The Ladies Club') de Janet Greek ahora hay que sumar este 'Revenge' de Coralie Fargeat, una película de una indudable calidad, perfectamente dirigida, excelentemente interpretada donde destaca Matilda Lutz y con una soberbia banda sonora a cargo de Rob (Robin Courdet). Sin duda alguna, Fagreat nos ha dejado el mejor Rape & Revenge de los últimos años.
Revenge - Piscina
La romántica escapada  de Jen y Richard se verá truncada cuando lleguen dos amigos cazadores de este último. La obsesión de uno de ellos por la chica llevará a los tres amigos a atacarla brutalmente y darla por muerta en medio del desierto. Pero la sed de venganza de Jen es mas grande de lo que los tres hombres jamás pudieron llegar a imaginar.
Revenge - La llegada
En toda rape & revenge hay dos partes claramente diferenciadas. Una, la que se centra en la manera en la que la mujer es brutalmente agredida (Hemos hablado de que este es un género mayoritariamente masculino donde son hombres los que dirigen este tipo de cintas aunque hay películas dirigidas por mujeres como algunos de los títulos antes comentados. Otra de las señas de identidad de este género es que es una mujer la que sufre todo tipo de abusos y es ella, la que tras lograr sobrevivir decide vengarse. Puede que haya películas donde sea un hombre el torturado pero personalmente a la hora de escribir estas lineas no recuerdo ninguna). La otra, la manera en la que esta u otras personas (Añado 'otras personas' por cintas como por ejemplo 'Irreversible' de Gaspar Noé o 'Encontré al diablo' -'I saw the devil' de Kim Jee-won) deciden vengarse. Analicemos la manera en la que Coralie Fargeat se acerca a estas dos partes esenciales del género.
Revenge - Helicóptero
Una cuida estética. Un helicóptero aterrizando en tonos azules y morados. El psicodélico desierto reflejado en las gafas de sol de Richard. El Zabriskie Point de Fargeat. La idea de aquello que es idílico, casi perfecto saltando por los aires, reventando. La dureza del rostro de él. La actitud de lolita de de ella.
Revenge - Lolita
Dos invitados que llegan antes de tiempo. Una fiesta. Ganas de pasarlo bien, de divertirse. La incapacidad de Stan (Vicent Colombe) para distinguir que es juego y que es seducción. La negativa a aceptar un No. Todos estos elementos son utilizados por Fargeat al inicio de su película para llegar a la escena que servirá de detonante para la historia. La directora rueda con absoluta maestría la violación de Jen.  No es necesario recrearse como lo hace Steven R. Monroe en sus películas, no hace falta rodar un plano fijo de casi diez minutos mostrando aquello que le ocurre a la protagonista, no.. solo hace falta saber donde y como situar la cámara para mostrando un poco, explorar la dureza y la crueldad de la situación. Con los temas 'Rape, Pt 1', 'Rape, Pt 2' y 'Rape Pt 3' de Rob, la indiferencia de Dimitri (Guillaume Bouchède. Fiel reflejo de la sociedad actual en la que vivimos), Fargeat consigue sin ningún genero de dudas, impactar al espectador. No hace falta mostrarse explicito para transmitir la angustia y el terror de un momento así. La indiferencia y los sonidos de un televisor para ahogar los gritos son elementos suficientemente terroríficos y perturbadores para en manos de la muy inteligente Fargeat rodar de manera extraordinaria uno de los momentos mas duros de la película.
Revenge
Hay dos elementos que puede que consigan alejar al espectador, al menos inicialmente, de la película de Fargeat. Uno de ellos es la conversación acerca del peyote entre el piloto del helicóptero y Richard, momento al que acompaña como no podía ser de otra manera el tema 'Peyotl' de Rob, diálogo que de alguna manera que puede poner sobreaviso al espectador. El clavo de Chejov en su máximo esplendor. 'Si al comienzo de un relato se ha dicho que hay un clavo en la pared, ese clavo debe servir al final para que se cuelgue el protagonista'. No hay nada gratuito. Todo está perfectamente estudiado. El otro es un excesivo toque fantástico que aleja a 'Revenge' del tono natural y realista del principio de la película y parece hermanar a esta cinta con el 'Savaged' de Michael S. Ojeda
Revenge - Disparo
En el año 2013, Ojeda dirigió la sorprendente 'Savaged' cinta que narra la violación y la posterior venganza de Zoe (Amanda Adrienne Smith) una chica sordomuda que realizando un viaje se topará con un grupo de salvajes asesinos cuando intente ayudar a una chica malherida. Son al menos dos ideas las que resultan o al menos lo parecen, comunes a la cinta de Ojeda y Fargeat. Una de ellas es el entorno donde suceden los hechos haciendo del desierto y el aislamiento que produce el lugar un elemento vital para narrar la historia, la otra, el aparente uso de elementos paranormales para desarrollar la venganza de las protagonistas. Si en el caso de Zoe esta idea queda representada de manera clara y directa ya que el cuerpo de la chica es poseído por el alma de un guerreo indio, en el de Jen esta idea resulta menos clara aunque el espectador se lo podrá llegar a imaginar (Momento para recordar que esta película en México se ha titulado 'Venganza del más allá') por la forma en la que esta 'sobrevive' y por el uso de cierta simbología, ya que aunque aquí no hay indios saliendo del cuerpo y liberando la angustia de la protagonista, el espectador se encontrará con la imagen de una lata de cerveza marca 'Altamira': Un águila con las alas desplegadas. El resurgir, la fuerza. Una idea cargada de simbolismo. Una metáfora perfecta.
Revenge - Tatuaje
Arlen. Suki Waterhouse. Jen. Matilda Lutz. Imperator Furiosa. Charlize Theron. El desierto. La huida. Tres mujeres fuertes en un árido entorno. Diferentes grupos de personas que por uno u otro motivo quieren acabar con ellas. Tres actrices en estado de gracia dando un autentico recital interpretativo. Tanto 'Amor Carnal' ('The Bad Batch') como 'Revenge' o 'Mad Max: Furia en la carretera' ('Mad Max: Fury Road') hacen de sus películas o al menos parte de ellas, un continuo peregrinaje por el desierto en busca de un lugar donde quedarse, de la tierra prometida o de venganza. Por desgracia puede que la segunda parte de 'Revenge', pueda recordar de alguna manera al espectador la decepcionante 'Caza bajo el sol' ('Beyond the reach') de Jean-Baptiste Léonetti director de la notable distopía 'Carré Blanc'. Es difícil para cualquier director conseguir encontrar el ritmo adecuado para una historia donde diferentes personajes están en medio del desierto persiguiéndose o buscándose unos a otros. George Miller nos dejó en el 2015 una de las mejores cintas de acción de los últimos años, un golpe a toda una industria mas preocupada en mostrar toda una sucesión de explosiones que en conseguir deslumbrar con una película que no da respiro al espectador. Ana Lily Amirpour rodó una especie de remake de 'A girl walks home alone at night' con mas medios y las mismas obsesiones. Coralie Fargeat hace de la víctima, el verdugo, hace de quién ha de temer por su seguridad, la verdadera amenaza de aquellos que la violaron y torturaron. Tres notables películas que merece la pena y mucho ser vistas.
Revenge - Disparo 2
'Revenge' es una cinta que parece nacida de la rabia. Una cinta que encuentra un sitio propio en un género dominado por hombres. Una cinta con un claro componente fantástico ya que a las ideas anteriormente mencionadas hay que sumar el hecho de que los personajes de esta película parecen tener bastante mas sangre que el común de los humanos, algo que como no puede ser de otra manera hará las delicias de los aficionados a la acción mas salvaje y excesiva. La manera en la que evoluciona el color del pelo de Jen, algo no solo achacable a la suciedad y la sangre sino a una especie de renacimiento. De igual manera que Leland Palmer se vio afectado por una extraña versión del síndrome de María Antonieta, Jen sufre una transformación tanto interna como externa, idea que refuerza el componente fantástico de la historia. Fargeat sabe encontrar el punto justo a su historia, sabe jugar perfectamente con las imágenes y los tiempos dejándonos una notable escena final, sabe como crear un gran personaje protagonista, una Jen que se beneficia del gran trabajo de Matilda Lutz que consigue que nos olvidemos de su trabajo en la desastrosa 'Rings' y sabe sacar el máximo provecho de Kevin Janssens y Vicent Colombe. Si a todo eso sumamos la excelente banda sonora de Rob (Autor de la música de películas como 'Maniac' de Franck Khalfoun, 'Horns' de Alexandre Aja o 'Seuls' de David Moreau entre otras), nos encontramos ante una notable cinta cuyo recuerdo perdurará en la memoria del espectador durante un largo periodo de tiempo. De obligatoria visión.


Lo mejor: Matilda Lutz. La potencia visual de la película. La banda sonora de Rob. La excelente manera elegida por Fargeat para rodar uno de los momentos mas duros de la película.
Lo peor: Que los espectadores esperen una nueva 'Escupiré sobre tu tumba' ('I spit on your grave') o sucedáneos.