sábado, 19 de mayo de 2018

Crítica: Blanco Perfecto - Downrange

Título: Blanco Perfecto - Downrange
Año: 2017
Género: Thriller - Gore
Duración: 90 min.
Director: Ryuhei Kitamura
Guión: Ryuhei Kitamura y Joey O'Brian
Música: Aldo Shllaku
Interpretes: Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames,  Jason Tobias, Aion Boyd, Eric Matuschek, Ikumi Yoshimatsu, Hanah Burson, Chris Powell
Nota: 6,5
Sinopsis: Un accidente. Una rueda que ha reventado. Un grupo de personas que se quedan atrapadas en una carretera en medio de la nada. El mayor miedo de todo conductor que no es otro que tener que cambiar la rueda del coche se convertirá en una pesadilla todavía peor cuando un francotirador empiece a dar caza a los jóvenes.


Crítica:
Qué más da si Kitamura se ha rodeado de un grupo de actores con escasas capacidades para la actuación. Qué más da si el guión de esta película no pasará a la historia del cine. Qué más da si por momentos parece que 'Downrange' está tan atascada en medio de la nada como su propios protagonistas. Qué más da todo esto y mas si Kitamura vuelve a hacer de las suyas en esta película, si el exceso del que el director hace gala en muchas de sus películas vuelve a aparecer en 'Downrange' en todo su esplendor. En una época en la que muchas cintas acaban por no ofrecer al espectador aquello que este espera de ellas, hay que reconocer que Kitamura es honesto y hace de su película una de esas cintas que parecen concebidas para sus mas acerrimos seguidores, lo que como no puede ser de otra manera tiene su lado positivo y su lado negativo. Positivo porque aquel que haya disfrutado de películas como 'El vagón de la muerte' ('The Midnight Meat Train') o 'Nadie Vive' ('No One Lives') hará lo propio con 'Downrange'. Negativo porque su exceso y su violencia hacen de esta película un producto que puede resultar un tanto hermético y todos aquellos espectadores que o bien no entren en el sádico juego que propone Kitamura o bien desconecten de ella por culpa de ciertos momentos un tanto tediosos podrán considerar a 'Downrange' como una cinta vacía y sin sentido donde todo parece destinado a que sus protagonistas vayan muriendo de maneras cada vez mas salvajes.
Un grupo de jóvenes está realizando un viaje por la carretera mas solitaria y menos transitada que se puede llegar a imaginar. En medio de la nada, a demasiada distancia de cualquier núcleo urbano, una de las ruedas del coche reventará dejándolos varados en tan idílico lugar. Uno de los mayores miedos de todo conductor que no es otro que el de tener que enfrentarse al duro reto de tener cambiar una rueda no parece un gran problema si se cuenta con tan fornidos y predispuestos compañeros de viaje (Bueno.. solo uno de ellos.. Uno trabaja y el resto descansa...¿De qué me suena eso?). Pero como no podía ser de otra manera una extraña amenaza en forma de francotirador que les irá dando caza poco a poco acabará por romper la magia de tan bello momento.
Muchos lectores observarán que la idea original de 'Downrange' es todo menos eso, menos original. Son muchas las películas que toman como premisa para su historia la de mostrar a un grupo de personas que realizan un viaje y que por un motivo u otro se quedan atascadas en medio de la nada mientras una extraña presencia, persona o lo que sea los va atacando. Resulta sorprendente que todos aquellos jóvenes que nos muestran estas películas no sean muy aficionados al cine, solo así se explica que decidan viajar por carreteras semiabandonadas, que paren a repostar en cochambrosas gasolineras o que decidan pasar la noche en el peor tugurio jamás imaginado. La selección natural de Darwin en todo su esplendor.
Puede que uno de los ejemplos mas claros de la poca originalidad de 'Downrange' sea el de 'Reeker' de Dave Payne, donde un grupo de personas se juntarán para realizar un viaje a un festival de música que se realiza en medio del desierto. El humor negro y la ironía de la que hacía gala alguna de las escenas de la cinta de Payne brilla por su ausencia en la de Kitamura que se muestra claro y directo ya que este no necesita endulzar su historia con golpes de humor. Obviamente se puede pensar en mil y un ejemplos de películas donde un idílico viaje acaba convirtiéndose en una horrible pesadilla. 'La Matanza de Texas' ('The Texas Chainsaw Massacre') de Tobe Hooper, 'Psicosis' de Alfred Hitchcok, 'Habitación sin salida' ('Vacancy') de Nimrod Antal, 'Verano Rojo' de Carles Jofre que comparte con 'Downrante' las limitadas capacidades artísticas de parte de su reparto... y así podríamos seguir eternamente citando películas...
'Downrange' posee dos partes claramente diferenciadas. Una, la que se centra en crear tensión, en jugar con la situación y los personajes para que el espectador sienta la angustia de estos. La otra, donde el exceso y la violencia hacen su aparición en su máximo esplendor. En la primera Kitamura se encuentra con dos problemas: Alguno de los actores no resulta para nada creíble en su papel (Kelly Connaire parece que por momentos no sabe en que película se encuentra y como ha de reaccionar su personaje. Stephanie Pearson, la experta en armas y caza, hace que muchas de sus frases resulten poco creíbles... Se echa en falta en 'Downrange' un Luke Evans, una Adelaide Clemmens o incluso un inexpresivo Vinnie Jones. Kiramura sabe crear grandes malvados y aunque la presencia del francotirador, de esa especie de coleccionista de cadáveres que podría hacer las delicias del mejor Marcus Dunstan y que parece familia lejana de Zaroff, es mas bien pequeña este es un personaje del que el espectador quiere y querrá saber mas) y su propio trabajo detrás de las cámaras ya que a pesar de ciertos y muy llamativos planos (Tanto aquellos que se pueden definir como violentos como esos encuadres y juegos con la cámara realmente increíbles) se muestra torpe a la hora de plasmar esa tensión. Pasados los primeros minutos de película donde el espectador se puede sentir angustiado por el hecho no de saber que va a pasar sino de cuando y como va a pasar, la cinta entra en un cierto bajón de interés y es que Kitamura se muestra mas certero en el exceso que en la contención.
Parece que Kitamura se siente mas libre en la segunda parte de su película donde da la sensación de que se le empieza a escapar de las manos pero donde el director ofrece todo lo que esperamos de ella: Un festival sangriento como pocos. Es cierto que a pesar de que la sangre no deja de salpicar al espectador durante toda la trama, la parte inicial puede hacerse demasiado lenta o pesada para el espectador mas impaciente. 'Downrange' a pesar de su 'espíritu festivo' no es 'No one lives'. Con todo es de agradecer que en la época actual donde parece que un una película tiene que durar por lo menos dos horas, Kitamura ruede una cinta que no supera la hora y media de duración. Aun así es probable que algunos espectadores sigan pensando que ciertos momentos de la trama han sido alargados innecesariamente.
Por desgracia y dejando de lado el trabajo de los actores puede que el guión de 'Downrange' sea de lo mas flojo de esta película donde la manera elegida por Kitamura y O'Brian para dar a conocer al espectador quienes son los protagonistas, que los ha llevado hasta allí y justificar su forma de actuar resulta del todo forzada. La lógica también parece brillar por su ausencia y es probable que mas de uno piense que algunos disparos parecen extraídos directamente del 'Wanted' de Timur Bekmambetov. 'Downrange' es una cinta imperfecta, con fallos (y muchos) pero aun así es una película fácilmente disfrutable para los seguidores de Kitamura y de la violencia y el exceso. El resto, abstenerse.


Lo mejor: El exceso del que hace gala la parte final de la película.
Lo peor: Lo malos que son los actores. Kitamura se muestra un tanto torpe a la hora de crear tensión.

Y si..el poster de la película no corresponde con el lugar donde sucede la acción. Eso o alguien se ha pasado con el photoshop...


domingo, 13 de mayo de 2018

Crítica: Operación: Huracán - The Hurricane Heist

Título: Operación: Huracán - The Hurricane Heist
Año: 2018
Género: Acción - Thriller y si.. ciencia ficción
Duración: 103 min.
Director: Rob Cohen
Guión: Scott Windhauser y Jeff Dixon
Música: Lorne Balfe
Interpretes: Toby Kebbell, Maggie Grace, Ryan Kwanten, Ralph Ineson, Melissa Bolona, Ben Cross, Jamie Andrew Cutler, Christian Contreras, Jimmy Walker, Ed Birch, Eric Rondell
Nota: 4,5
Sinopsis: Un grupo de ladrones planean hacerse con un multimillonario botín en la reserva federal de Estados Unidos aprovechando la llegada de un huracán... Pero los pobres no saben que no hay que jugar con la naturaleza ni con toda una serie de personas atormentadas por la culpa.



Crítica:
Sin duda alguna es un grave error de marketing que esta película no se titule 'Den of Thieves: Twister and Furious' o 'Den of Thieves: Fast and Twister', algo que sin duda le iría como anillo al dedo a la nueva cinta de Rob Cohen, tanto por ser este el director de la original 'The Fast and the Furious: A todo gas' ('The Fast and the Furious') película que dio origen a una de las sagas mas longevas de la actualidad como por el hecho de que 'Operación: Huracán' ('The Hurrican Heist') mezcla elementos tanto de 'The Fast and the Furious: A todo gas' ('The Fast and the Furious') como de la película de Jan De Bont 'Twister' y del debut como director en la pantalla grande de Christian Gudegast, 'Juego de Ladrones. El atraco perfecto' ('Den of Thieves'). Persecuciones, asaltos a camiones en marcha, tornados, meteorólogos o cazadores de tornados y sobre todo muchos, pero que muchos billetes de curso legal destinados a ser triturados.. es decir, billetes que no se pueden rastrear o al menos eso es lo que nos dicen..
Es cierto que en 'Operación: Huracán' ('The Hurracan Heist') no hay tiburones pero como en toda película de catástrofes o de atracos que se precie esta sigue toda una serie de pautas que parecen marcadas de antemano y que tienen que ser seguida para construir las historias que cuentan...

1.- El pueblo
Como no puede ser de otra manera, el pueblo donde se sitúa la acción o parte de ella y que se verá afectado por un devastador fenómeno meteorológico, un tiburón con ganas de alimentarse o una especie de extraño parásito como ocurría en la muy apreciable 'The Bay' de Barry Levison, tendrá que cancelar la fiesta que con tantas ganas han preparado los oriundos del lugar. Si puede ser el 4 de julio, mejor que mejor, sino la ceremonia de graduación del instituto local pero sino es posible se puede coger cualquier tipo de fiesta local como el GulfPort Fall Festival centrado en todo lo relacionado con el maíz y las calabazas. Rob Cohen no se muestra muy complaciente con los habitantes de GulfPort, incapaces de usar de forma controlada una carretera de dos carriles para evacuar la ciudad.
2.- El instinto humano contra el criterio de las maquinas.

Uno de los momentos mas llamativos de 'El coche fantastico' ('Knight Rider') era aquel en el que Kitt avisaba a Michel Knight de que no había espacio suficiente para conseguir la velocidad necesaria para realizar un complicado salto. El hombre contra la maquina. A pesar de las quejas de un complejo sistema informático, Knight siempre se salia con la suya. Allison interpretada por Sarah Wayne Callies en 'En el ojo de la tormenta' ('Into the storm') de Steven Quale y que forma parte de un grupo de cazadores de tornados se enfrentará a sus compañeros por la posible localización de la próxima gran tormenta. 'Si quieres, puedes considerarlo fruto del instinto y no de los datos'. Como no puede ser de otra manera, la corazonada de Allison resultará mas acertada que la gran cantidad de datos analizados por los ordenadores. Esta misma idea vuelve a estar presente en 'Operación: Huracán' ('The Hurricane Heist'), en este caso es Will (Toby Kebbell) es el que se enfrentará a sus jefes indicándoles que su instinto le dice que la tormenta que se avecina estará fuera de las mediciones hasta ahora realizadas. Como ocurría con Michael Knight y Allison, Will volverá a tener razón. El cine parece empeñado en dar la razón a Gary Kasparov  y sus declaraciones acerca de su enfrentamiento contra la Deep Blue.
3.- El trauma de los personajes

Es necesario que las películas reflejen de alguna manera una historia de superación o al menos como los protagonistas son capaces de superar sus traumas y problemas personales para enfrentarse a las terribles amenazas con las que se enfrentan. Problemas personales y familiares como los de Jake Lawson y Big Nick O'Brien ambos interpretados por Gerald Butlet en 'Geostorm' de Dean Devlin y 'Juego de Ladrones. Atraco perfecto' ('Den of Thieves') de Christian Gudegast o los de Raymond Gaines (Dwane Johnson) en 'San Andrés' ('San Andreas') de Brad Peyton. Si puede estar sazonado por el peso de la culpa por no haber podido evitar la muerte de un compañero como ocurre con Casey (Maggie Grace) o por el enfrentamiento por la manera de actuar ante los hechos que derivaron en la muerte de su padre como en el caso de Will (Toby Kebbell) y Breeze (Ryan Kwanten) mejor. Es necesario construir personajes aparentemente débiles pero que posean una gran fuerza interior y que así sean capaces de enfrentarse a cualquier tipo de situación. Resulta llamativo que dos películas cuya temática gira entorno a los desastres naturales como son 'Geostrom' y esta 'Operación: Huracán' ('The Hurricane Heist') muestren a dos hermanos enfrentados por diversos motivos que se verán obligados a volver a confiar el uno en el otro por culpa de grandes y extraordinarias tormentas y por unos malvados que o bien quieren robar millones de dolares o bien ser una especie de Thanos de andar por casa y que en ambos casos tienen planes que hacen aguas por todas partes.
4.- Desprecio por todas las leyes físicas de este Universo (Y de todos los posibles Universos en general)

Si algo tienen que ofrecer muchas de estas películas es toda una serie de escenas imposibles que muestran un absoluto desprecio por las leyes físicas o de la lógica. Todo vale, todo sirve con tal de construir escenas que hacen del exceso su seña de identidad. No importa que en medio de una tormenta que produce un ruido ensordecedor, dos de los protagonistas se entiendan casi sin problemas chillando. No importa que la única persona que decida quedarse en un pueblo que ha sido evacuado sea quién se encarga del mantenimiento de los generadores del edificio del Tesoro que va a ser atracado y que por supuesto este haya combatido en Afganistán (Se puede llevar esta idea al máximo de los absurdos haciendo por ejemplo como ocurre en 'Proyecto Rampage' - 'Rampage'- de Brad Peyton con el personaje interpretado por Dwayne Johnson: Primitologo y ex fuerzas especiales. Espero que al leer estas líneas, de fondo haya sonado un redoble de tambor). Una regla básica que todo guionista o director de este tipo de cine ha de respetar es que ante una situación de riesgo, el o la protagonista ha de salir airoso/a independientemente de la manera en la que se consiga, da igual si es ridícula, exagerada o del todo inverosímil.. El héroe no solo ha de salir con vida sino que además ha de superar sus traumas y evitar que los malos, sean quienes sean se salgan con la suya.
5.- Medias de seguridad propias de una cinta de Zucker, Abrahams y Zucker

No se ha de buscar ningún tipo de lógica o coherencia en la historia. Hay que conseguir meter a los malos dentro de lugares que se supone que tienen los mejores sistemas de seguridad del mundo. Da igual si esto se consigue vistiéndoles de cocktail y haciéndolos pasar por expertos informáticos, da igual si esto se consigue vistiéndole de repartidor de comida china. Ningún guardia de seguridad verificará nada y si lo hace como en 'Juego de Ladrones. El atraco perfecto' ('Den of Thieves') le dará absolutamente igual. Resulta llamativo que dos cintas recientes como es la de Christian Gudegast o esta 'Operación; Huracán' ('The Hurricane Heist') se publiciten o tengan en su título eso de 'atraco perfecto'. Ante esas medidas de seguridad, ex-convictos conduciendo vehículos blindados entrando en la reserva federal del tesoro, o bien hay que ser muy torpe o bien encontrarte con un grupo de héroes traumatizados por la perdida para que tu atraco al final no resulte perfecto (En algunos casos se pueden dar las dos cosas: Ser torpe y darte de bruces con los afectados héroes)
'Operación; Huracán' ('The hurricane heist') es en definitiva una cinta muy floja que no ofrece lo que esperamos de ella: Espectáculo y diversión. Es cierto que Cohen que es perro viejo, deja toda una serie de escenas del todo excesivas que harán las delicias de los aficionados pero por desgracia estas tardan mucho en llegar y aunque es necesario dedicar parte del tiempo de la película para dar a conocer a los personajes, a los espectadores no les interesan ni estos ni sus tan ya conocidos traumas. Cohen parece que ha pensado que otra vez iba a dar con la clave del éxito, que otra vez iba a hacer otra 'The Fast and the Furious: A todo gas' ('The Fast and the Furious') u otra 'xXx' pero para eso se necesita dar espectáculo y personajes con carisma y seamos sinceros, por momentos parece que ni Toby Kebbell, ni Maggie Grace y ni Ryan Kwanten sangrarían si los pinchasen. El único actor al que podríamos salvar de la quema sería a Ralph Ineson pero no por su papel o su trabajo, sino por esa voz que produce autentico terror y si no que se lo digan a Thomasin.


Lo mejor: La escena de los camiones
Lo peor: Que todo resulte tan, pero tan aburrido.

jueves, 10 de mayo de 2018

Crítica: Black Hollow Cage

Título: Black Hollow Cage
Año: 2017
Género: Drama - Thriller - Ciencia Ficción
Duración: 105 min.
Director: Sadrac Gonzaléz-Perellón
Guión: Sadrac Gonzaléz-Perellón
Música: Sergio Ramis
Interpretes: Julian Nicholson, Daniel M. Jacobs, Lowena McDonell, Haydée Lysander, Lucy Tillett, Marc Puiggener, Will Hudson
Nota: 3,5
Sinopsis: Una casa aislada en medio del bosque. Una niña, su padre y su perro. La rutinaria existencia de estos se verá perturbada cuando la niña descubra una extraña caja en medio del bosque y su padre acoja en casa a una mujer malherida y a su hermano.



Crítica:
Sin duda alguna esta película es como yo bailando: Arrítmica. Si muevo los brazos no puedo mover las piernas al mismo tiempo y viceversa. A 'Black Hollow Cage' parece que le ocurre algo parecido, se muestra incapaz de unir la estética, la historia y crear interés en el espectador al mismo tiempo. Cuando 'Black Hollow Cage' se gusta (Y se gusta mucho) deja de lado la historia, cuando parece que quiere crear una historia, la película nos deja toda una serie de escenas capaz de exasperar al mas entregado de los espectadores sumando a ello una dirección de actores deja mucho que desear.
En la propia concepción de 'Black Hollow Cage' hay una idea que es un grave error y esa no es otra que rodar esta película en inglés. Imagino que el motivo será el poder facilitar la venta de 'Black Hollow Cage' en los mercados internacionales pero por desgracia, la manera de actuar, la manera de expresarse, la manera de hablar hacen que al ver esta película el espectador no deje de pensar en esos vídeos prefabricados para aprender inglés que podemos ver en 'That's English' o similares. Acercarse a la cinta de Gonzaléz-Perellón es hacerlo olvidando a Muzzy y sus compañeros pero sobre todo al acercarse a una cinta como 'Black Hollow Cage' hay que hacerlo sin sueño. Si el personaje que interpretaba Edward Norton en 'El club de la lucha' ('Fight Club') hubiera visto la cinta de Gonzaléz-Perellón no hubiera existido la novela de Palahniuk ni la película de Fincher.
Nunca he sido fan de 'Los cronocrímenes' de Nacho Vigalondo por el hecho de que el director se reservó un papel importante dentro de su película a pesar de su muy limitada capacidad para la interpretación, pero he de reconocer que esta tiene su gracia, que tiene un guión que sabe jugar con el tiempo y los personajes y que sabe sacar provecho a su protagonista, a Karra Elejalde, algo que por desgracia no ocurre en 'Black Hollow Cage' ya que a pesar de ciertas e interesantes ideas (La nota manuscrita y sobre todo la grabación y la dificiultad de calcular los tiempos) esta acaba recorriendo caminos mil veces vistos pero de una manera francamente decepcionante. El uso de tópicos de este tipo de películas acaba por lastrar a la cinta de Gonzaléz-Perrellón.
El guionista y director se muestra torpe no solo a la hora de desarrollar una historia que no sea un potente remedio contra el insomnio sino también a la hora de cuidar los detalles (Resulta cuando menos sorprendente que la protagonista, incapaz de coger, mover y situar cilindros de distintos tamaños con su mano artificial si que sea capaz de sostener entre sus dedos un folio. Creo que esto se llama psicomotricidad fina) o sacar provecho a los dos extraños invitados que llegan a casa (Aquellos que por accidente o por invitación que con su llegada rompen la monotonía de una familia han sido analizados y explorados en el cine de manera extraordinaria. Está por ejemplo 'Funny Games' de Michael Haneke o 'Teorema' de Passolini. Por desgracia Gonzaléz-Perrellón no consigue que su Erika y su Paul transmitan incomodidad, mal rollo, que sus intenciones o las de la protagonista hacia ellos siembren la duda del espectador... Tampoco Erika parece tener la capacidad de ser ese personaje seductor capaz de nublar el juicio del padre de la protagonista. Esos dos personajes que tendrían que estar perfectamente desarrollados para que todo pudiera fluir con naturalidad en esta 'Black Hollow Cage' pero por desgracia no es así)
Jugar con la caja de Lamerchand podría abrir las puertas del infierno, traer a los cenobitas a este mundo. Jugar con 'Black Hollow Cage' es hacerlo con el aburrimiento supremo. Nada tiene que envidiar ninguna de las torturas de Pinhead y sus amigos al espectáculo que ofrece esta película. Gonzaléz-Perrellón parece querer buscar la belleza de las imágenes de cintas como 'Beyond the black rainbow'. Pero mientras Panos Cosmatos construía un espectáculo del todo seductor tanto por las imágenes como por la música y la extraña historia que este tiene entre manos, 'Black Hollow Cage' se gusta demasiado y se olvida del fondo. Es verdad que el lugar donde se desarrolla la historia es sensacional, que la casa donde viven los protagonistas resulta mas laberíntica (O al menos esa sensación trasmite) que la mansión donde se desarrolla 'Winchester' de Michael y Peter Spierig, pero esto no justifica la inclusión de ciertos planos que resultan repetitivos y vacíos. ¿Cuantas veces vemos a los protagonistas cruzar esa especie de terraza-salón con una enorme piscina de fondo?
Todo podría ser aceptable. Como espectadores podríamos ser indulgentes y pensar que las intenciones son buenas pero que el resultado no está a la altura. Cuando todo parece seguir una línea claramente descendente en lo que al interés de la historia se refiere, el director y guionista nos deja uno de esos monólogos que nos cuesta creer que nadie le aconsejara dejar fuera del metraje final. Tom Hanks, las pizzas, el color azul... Demasiado para el común de los mortales.
'Black Hollow Cage' es una cinta lastrada por su ritmo, por una historia que nunca acaba por funcionar y por una pésima dirección de actores, algo que se aprecia tanto en ciertas interpretaciones y reacciones de estos como en la forma de decir los diálogos. Gonzaléz-Perrellón se muestra capaz de sacar gran provecho al entorno y su película se beneficia de una gran fotografía pero a una película hay que pedirle mucho mas. Esta 'Black Hollow Cage' es una cinta tan bonita por fuera como vacía por dentro. Pero lo peor de todo es la pregunta que se queda en la mente del espectador... ¿Es 'Black Hollow Cage' el 'Asmodexia' de la temporada...?


Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: Lo aburrido que resulta todo.

lunes, 30 de abril de 2018

Crítica/Análisis: Kink - The Ceremony

Título: Kink
Año: 2013
Género: Documental - BDSM
Duración: 80 min.
Director: Christina Voros
Fotografia: Christina Voros, Kimberly Parker y Dave Malloure
Edición: Ian Olds
Interpretes: Peter Acworth, Maitresse Madeline, Chris Norris, Tomcat, Princes Donna, Van Darkholme, Jessie Lee, Five Star, Orlando, Matt Williams, John Paul, Jessie Colter, Josh West
Nota: 7
Sinopsis: Exploración de la empresa y de las personas que hay detrás de kink.com, una de las webs mas populares en lo que a BDSM (Bondage y disciplina, dominación y sumisión, sadismo y masoquismo) se refiere.




Título: The Ceremony - La cérémonie
Año: 2014
Género: Documental - BDSM
Duración: 78 min.
Director: Lina Mannheimer
Fotografia: Daniel Tackás
Edición: Laureline Delom
Interpretes: Catherine Robbe-Grillet, Beverly Charpentier, Dominique Corringer, Claude Helleu, Christian Hersant, Alain Robbe-Grillet, Ulriqa Fernqvist, Emma Kim Hagdahl
Nota: 5
Sinopsis: Acercamiento a la figura de Catherine Robbe-Grillet, la dominatrix mas famosa de Francia y las ceremonias sadomasoquistas que esta lleva a cabo en su mansión.


Crítica:
'Tiene algún propósito, aunque sea para satisfacer su curiosidad'
'Interior, Leather Bar'


En el primer capítulo del libro 'BDSM: Estudios sobre la dominación y la sumisión' de Thomas S. Weinberg titulado 'SM: una introducción al estudio del sadomasoquismo', este junto con G. W. Levi Kamel citan la definición que el psicoanalista Richard von Kraff-Ebing hizo del concepto de sadismo como 'la experimentación de sensaciones placenteras sexuales (incluyendo el orgasmo) obtenidas mediante actos de crueldad, castigos físicos infligidos a uno mismo o a otros, tanto personas como animales, en presencia nuestra. Además puede consistir en un deseo innato de humillar, lastimar, herir o incluso destruir a otros para obtener así uno mismo placer sexual' llegando a la conclusión de que las raíces de las muestras extremas de sadismo también pueden hallarse en la actividad sexual normal. Kraff-Ebing destacó que en el masoquismo 'tiene gran importancia la fantasía y aspectos no propiamente físicos de dominación y sumisión'. En las siguientes líneas nos vamos a acercar a dos documentales que abordan el tema de la dominación y la sumisión, del sadismo y el masoquismo, del bondage y la disciplina desde aparentemente distintas sensibilidades pero a los que creemos que es necesario acercarnos de manera conjunta.
Christina Voros seducida por la idea de James Franco de rodar un documental acerca de las personas, el lugar y el tipo de trabajo que se realiza dentro del edificio Armory, y tras superar la reticencia inicial de los trabajadores de kink.com por la forma en la que ellos entienden que su trabajo ha sido manipulado y demonizado, decidió explorar la forma de pensar de estos y mostrar desde dentro como son las jornadas de trabajo en dicho lugar. 'Kink' es sin duda un interesante documental, con una gran carga sexual para la que no todos los espectadores podemos estar preparados pero al que le sobra autocomplacencia y le falta crítica. Se echa de menos la mas que necesaria exploración acerca de todas aquellas ideas que de alguna manera quedan apuntadas en el documental pero no son analizadas en profundidad, algo que el espectador podrá y deberá echar de menos, sobre todo viendo que a veces las palabras parecen contradecir a los actos.
Catherine Robbe-Grillet escritora francesa que en 1956 publicó la novela de corte sadomasoquista 'L'image' que fue llevada a la pantalla grande en 1975 por el director Radley Metzer, es considerada como la mas famosa dominatrix (Mujer que adopta una posición dominante dentro de lo que se conoce como BDSM -Bondage y disciplina, dominación y sumisión, sadismo y masoquismo-) de Francia y en su chateau del siglo XVII desarrolla toda una serie de ceremonias y rituales de dominación y sumisión. Tras dos cortometrajes ('Kontraktet' y 'The Five Senses'), la directora sueca Lina Mannheimer explora la figura de Catherine, sus ceremonias y la relación que mantiene con Berverly Charpentier así como con alguna de las personas que participan en tan peculiares sesiones y que consideran que al tener un contrato con esta, son de su propiedad. A pesar de lo interesante de la propuesta y de la gran fuerza visual de las recreaciones, 'The Ceremony' no consigue hacer que la aparentemente seductora personalidad de Catherine traspase la pantalla y haga que el espectador no vea a toda la gente que hay a su alrededor como personas con grandes carencias emocionales que encuentran en ella aquello que no les da nadie mas. Si 'Kink' se muestra demasiado complaciente consigo misma aunque no escatima con la dureza de las escenas de sexo, 'The Ceremony' se muestra demasiado timorata, demasiado comedida haciendo que el espectador pueda llegar a pensar que en las sesiones comandadas por Catherine Robbe-Grillet son solo teatrales performances llevadas a cabo por gente de gran poder adquisitivo que busca de alguna manera llenar su vacío existencial con algún tipo de hobby que se aleje de lo esperado. Por momentos Mannheimer parece que ha querido acercarse de manera comercial incluso de una forma políticamente correcta a un tema que necesita ser abordado de forma natural, no artificial.
En 1980, William Friedkin dirigió 'A la caza' ('Cruising) película que cuenta la investigación del detective Steve Burns interpretado por Al Pacino para dar con la identidad de la persona que dentro del ambiente gay está matando a personas que comparten los mismos rasgos faciales ('Todas esas personas se parecen a usted. Cercanos a los 30 años, 63-68 kilos Pelo y ojos oscuros'). 'A la caza' ('Cruising') tuvo que recortar su metraje en mas de cuarenta minutos para no recibir la calificación X (Imposible no pensar en 'Irreversible' de Gaspar Noe y el 'Rectum' lugar al que acuden los protagonistas para averiguar quién es el Tenia). James Franco y Travis Mathews rodaron en el año 2013 el documental 'Interior, Leather Bar' donde estos  no solo se acercaban a esos cuarenta minutos de metraje que fueron excluidos de la película y que según se dice nadie ha visto, sino también a la manera en la que los diversos actores se preparan para abordar una película tan arriesgada como la de Friedkin lo que puede llevar a que muchos espectadores que se acerquen al documental de Franco y Mathews solo por el morbo se sientan decepcionados (Y puede que los que lo hagan por otros motivos también, ya que 'Interior, Leather Bar' a pesar de su corta duración, poco menos de una hora, acaba por resultar un muy discreto documental). No es casual hablar de 'Interior, Leather Bar' al hacerlo de 'Kink' ya que estos poseen tres elementos comunes: El primero de ellos es James Franco, productor de ambas cintas y que en el caso del documental de Voros mas que suponer un apoyo para la película casi consigue eclipsar la figura de la directora (Ocurre prácticamente lo mismo en 'Interior, Leather Bar'). El segundo es que ambos documentales se rodaron en el año 2013 (Año en el que Franco estaba rodando 'Oz, un mundo de fantasía' -'Oz the great and powerful'- para la Disney) y el tercero como no puede ser de otra manera es que tanto 'Kink' como 'Interior, Leather Bar' se acercan de una u otra manera al mundo sadomasoquista ('Les gustaba el cuero. Sadomasoquismo. Es un mundo en si mismo' le dice el Capitán Edelson -Paul Sorvino- a Steve Burns -Al Pacino- al referirse a dos de las víctimas). Friedkin no tuvo suerte en algunas de sus películas donde la censura o las presiones recortaron el metraje lo que derivó en que cintas de una calidad innegable como 'Carga Maldita' ('Sorcerer') o 'A la caza' ('Cruising') no fueran en su momento valoradas como se merecían.
En año 2012, Éric Falardeau rodó 'Thanatomorphose' cinta que vendida como una de las películas mas desagradables de la historia usaba la descomposición de una persona en vida para construir una metáfora acerca de como una mujer es utilizada y despreciada por su pareja y su amante. En una de las escenas mas impactantes de la película, Laura interpretada por Kayden Rose soñaba como su cuerpo era despedazado por aquellos se supone que se preocupan por ella pero que en el fondo la usan y la manejan a su antojo para satisfacer sus propias necesidades. A pesar de la teatralidad de muchas de las escenas mostradas en 'The Ceremony'  ('La cérémonie') por Lina Mannheimer (Momento para recordar las palabras de P.H. Gebhard: 'el masoquista habrá hecho supuestamente algo merecedor de castigo, etcétera. A menudo la actuación se asemeja a un ritual planeado o a un producción teatral') uno de estos momentos nos hacen pensar en la cinta de Falardeau ya que dos personajes se pelean por la carne que Catherine Robbe-Grillet les arroja. Resulta sorprendente el parecido de dos escenas que intentan mostrar en un caso la sumisión de dos personas en una ceremonia y en otra la angustia de una mujer que siente que es despedazada por dos hombres. El paralelismo resulta escalofriante.
Uno de los puntos mas escabrosos de 'Kink' no es otro que el uso de las modelos (y los modelos también) en vídeos de un gran componente sexual y sin duda alguna, extremos y de gran violencia física. Voros construye un documental excesivamente benevolente con todo aquel que sale en él. A pesar de la gran entrevista a una de las modelos donde reconoce que lo mas difícil de su profesión es ser madre y la manera en la que ella ha conseguido salvarse de todo lo que rodea a ese mundo ('No bebo ni tomo drogas inmediatamente después de una grabación. Ni antes de grabar'. A finales del 2013, Peter Acworth fundador de Kink.com fue arrestado por posesión de drogas) no profundiza en estos comentarios y por momentos Voros parece la encargada de hacer un publireportaje acerca de las bondades (y bondages) de Kink algo que puede llevar a que mas de un espectador medianamente crítico pueda llegar a pensar que las palabras van por un lado y las acciones por otro. 'Si te paras en una imagen y no quieres lastimarle obtendrás malas imágenes', 'Necesito que me quiten la bolsa. Te la quitaremos cuando no estemos rodando'. Van Darkholme y Princess Donna, dos personas, dos frases, una actitud que parece alejar las palabras de los actos. La calidad de las escenas parece estar por encima de las personas que se ven en ellas. A pesar de las constantes muestras de preocupación de los directores por sus actores, Voros no consigue que el espectador evite pensar en que no todo es como le quieren hacer creer.
La ex-actriz porno Ovidie dirigió en el 2017  'Pornocratie: Les Nouevelles Multinationales du Sexe' un interesante documental en el que la autora exploraba quién está detrás de ciertas páginas que ofrecen contenido sexual explicito de manera gratuita. Ovidie abre su documental  con una brutal y espeluznante revelación acerca del uso de drogas, sedantes y estimulantes para conseguir rodar escenas mas llamativas para el consumidor de este tipo de material, algo que principalmente pone en riesgo la seguridad de las mujeres. A pesar de que Voros muestra diversas entrevistas a mujeres directoras de películas para kink, esta no explora como sería necesario la posición de la mujer en el mundo del porno en general y del BDSM en particular. 'Kink' el documental, muestra ciertas pinceladas acerca de este tema llevando a que el espectador conozca solo un punto de vista: El de los trabajadores de la empresa que da nombre al documental por lo que todo resulta demasiado sesgado y dirigido según el capricho o la intención de Voros y Acworth. 'Creo que la gente las ve como mujeres perdidas y las quiere proteger de eso. Es más fácil creer que hay un grupo de mujeres que deben ser protegidas de que haya mujeres que toman decisiones conscientes, de adultas' , 'Las mujeres que trabajan con nosotros hacen una elección, para compartir un momento íntimo con nosotros y el resto del mundo. Esta decisión debe ser respetada'. Es una lastima que afirmaciones de este calado no tengan replica y que en base a esa replica el espectador pueda posicionarse. El hecho de conocer un solo punto de vista, uno parcial hace que 'Kink' parezca mas un lavado de cara destinado a que los consumidores de películas de esta web tengan la conciencia tranquila que un documental que se adentra en el oscuro mundo del BDSM. Volviendo a la escena anteriormente comentada de 'Thanatomorphose' de Éric Falardeau, resulta imposible no pensar en que la manera en la que Laura es despedazada por sus amantes es una proyección de la forma en la que este tipo de productos destruyen y anulan a las personas que trabajan en ellas. El consumidor parece ocupar el lugar del 'amante y la pareja' de Laura ante aquello que ve, si estos solo quieren satisfacer sus necesidades lo mismo ocurre la persona que observa estos vídeos. Voros vuelve a fracasar a la hora de intentar que tras ver su documental, el espectador no se quede con esta idea en la cabeza.
Si 'Kink' parece un producto destinado a lavar la imagen de la empresa creada por Acworth, 'The Ceremony' -('La cérémonie') hace lo propio con Catherine Robbe-Grillet y sus ceremonias, apuntando pero sin profundizar las ideas mas interesantes de su documental, aquellas que llevarían de verdad a tanto a explorar la faceta de Robbe-Grillet como dominatrix como su relación con Beverly Charpentier ('Ahora siento que la conozco como para adivinar lo que contestará, lo que significa que soy mas independiente...Lo que no ha cambiado es mi deseo de someterme a ella. De ser lo que ella quiera que sea') o Christian Hersant (''En ese contrato le pedía ser su súbdito. Ese contrato se firmó pero antes de que se firmara grabó sus iniciales en mi piel'), donde las palabras de estos pueden llevar a mas de un espectador a pensar que mas que sesiones sadomasquistas ante lo que estamos es una especie de secta. La entrevista inicial a él también desperdicia otra de esas ideas sobre las que se podría construir un documental entero y que hace que indudablemente nos acordemos de las palabras de Richard von Krafft-Ebing en 'Psychopathia Sexualis': 'A menudo las sensaciones sádicas pueden remontarse a la primera infancia y existir durante un período de la vida cuando su reactivación no puede en modo alguno atribuirse a impresiones externas y menos aún al temperamento sexual'. Por desgracia tanto Lina Mannheimer como Christina Voros parecen estar mas deslumbradas por las personas a las que entrevistan que por dar una profundidad real a sus documentales para llevando a estas al extremo poder extraerles la realidad de aquello que viven. Todo en 'Kink' como en 'The Ceremony' ('La cérémonie') parece demasiado prefabricado para dar una visión demasiado idílica y por tanto no real de aquello a lo que las directoras quieren acercarse. Todo documental debe mostrar pero también ser crítico y ni en el trabajo de Voros ni el el de Mannehimer se aprecia dicha crítica.
'Kink' y ''The Ceremony' ('La cérémonie') son dos interesantes documentales que hay que ver con distancia por la mas que carente falta de crítica de ambos con respecto a los temas que tratan, algo que sin duda echaran de menos los espectadores (Exigentes o no). Christina Voros y Lina Mannheimer se acercan al mundo del sadomasoquismo, de la sumisión y desde 'La soledad del perro guía' recomendamos complementar su visionado con el también documental de Ulrich Seidl 'Im Keller' donde el austriaco no intenta suavizar ni lavar la imagen de alguno de sus protagonistas sino simplemente mostrar una realidad (Ojo, la cinta de Seidl no usa el sadomasoquismo como la base de lo que el director quiere contarnos sino que es solo una pequeña parte de la historia), algo que por momentos parece que no ocurre ni en 'Kink' ni en ''The Ceremony' ('La cérémonie'). La benevolencia acerca de aquello que muestran acaba jugando en su contra de los documentales de Voros y Mannheimer, una lastima.


,

Lo mejor: Acercarse a un mundo que muchos desconocemos.
Lo peor: La falta de crítica, la benevolencia con la que se trata a los protagonistas del documental

domingo, 22 de abril de 2018

Crítica/Análisis: Gorrión Rojo - Red Sparrow

Título: Gorrión Rojo - Red Sparrow
Año: 2018
Género: Thriller - Romance - Propaganda
Duración: 140 min.
Director: Francis Lawrence
Guión: Justin Haythe según la novela de Jason Matthews
Música: James Newton Howard
Interpretes: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Charlotte Rampling, Mary-Louis Parker,  Ciarán Hinds, Joely Richardson, Bill Camp, Jeremy Irons, Douglas Hodge
Nota: 4
Sinopsis: Tras sufrir un aparatoso accidente, Dominka Egorova será reclutada como gorrión rojo, para usando su cuerpo como arma, seducir a un agente americano y averiguar la identidad del topo ruso que le está pasando información a un gobierno enemigo desde hace mas de una década.


Crítica:
El pasado 13 de Abril del 2018, Antonio Guterres, secretario general de Naciones Unidas, declaró que la guerra fría había vuelto. Alejandro Crespo Jusdado en su mas que notable tesis 'El cine y la industria de Hollywood durante la guerra fría 1946 - 1969' escribe: 'La propaganda como forma de por un lado, desprestigiar al contrario y por otro vender las excelencias del propio bloque, se convertirá en una de las armas principales de la Guerra Fría, algo que como no podía ser de otra manera se vio reflejado en el cine de toda una época'. Ahora, películas como 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') hacen que esta afirmación vuelva a estar de actualidad. Guterres tiene razón, la guerra fría ha vuelto en todo su esplendor.
Justin Haythe adapta la novela de Jason Matthews del mismo titulo, obra que se muestra tremendamente crítica con el gobierno liderado por Vladimir Puttin pero que sin ser precisamente sutil resulta bastante mas digerible (Y sobre todo entretenida. Desde aquí recomendamos abiertamente la lectura de la obra de Matthews) que el guión de Haythe y por tanto que la cinta de Lawrence. No solo la gran carga propagandística del guión de Haythe llama la atención en lo referente a la adaptación de la novela de Matthews para la pantalla grande, sino también y a pesar de que ambas historias se sustentan sobre una misma base, un mismo esqueleto, los cambios en lo que se refiere a la concepción del personaje de Dominka Egorova (Jennifer Lawrence), su familia, su relación con Nate Nash (Joel Edgerton) y sobre todo, todo lo relacionado con la comida, elemento con el que Matthews acaba todos y cada uno de los capítulos de la novela y que brilla por su ausencia en la cinta de Lawrence pueden causar estupor en el lector reconvertido a espectador. Hablemos mas detenidamente de las diferencias entre la obra de Matthews, la película de Lawrence y el mensaje que indudablemente empapa gran parte de los fotogramas que forman parte de 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow').
En 1998, se editó en España la novela de Serguéi Likiánenko 'Guardianes de la noche' ('Nochnói Dozor') que fue llevada al cine en el año 2004 por el siempre excesivo Timur Bekmambetov. En ella, se narraba la eterna lucha entre los Oscuros y los Luminosos así como las tretas de ambos bandos por acabar con el otro y ganar la guerra. Anton Gorodetskiy, Svetlana Nazárova, Boris Ignatievich. Zabulón. Resulta inevitable pensar en la novela de Likiánenko y estos cuatro personajes al leer la de Matthews por dos ideas que parecen estar presentes en ambas obras. Una de esas ideas es la forma en la que ambos autores muestran las intrigas y los tejemanejes que existen entre ambos bandos (Luminosos, oscuros, Estados Unidos, Rusia... El orden no ha sido elegido al azar. Creo que Matthews y sobre todo Haythe y Lawrence estarán bastante orgullosos de ello). El juego de espías y la construcción de la historia que hace Matthews nos lleva a pensar en todas y cada una de las historias que forman parte de la novela de Likiánenko. (Nota: El universo creado por el escritor ruso abarca cinco novelas. Por desgracia solo tres de ellas han sido editadas en España)
La otra es un hecho que introduce Matthews en su novela, vital para entender la evolución del personaje interpretado por Jennifer Lawrence y que se ha dejado fuera de la película: Dominika es capaz de interpretar la realidad, las palabras, la música y los sentimientos de los personajes gracias a los colores. Es decir Dominika padece sinestesia. Cada palabra, cada nota, cada reacción humana tiene asignado un color lo que hace que la protagonista de la novela de Matthews tenga una especial sensibilidad que no solo refuerza su notable inteligencia sino que ademas de alguna manera le hace anticipar la acciones de las personas que le rodean. Los colores de Dominika, el vórtice sobre Svetlana. Dos mujeres que de alguna manera serán piezas clave en una lucha en la que por diversos motivos se ven envueltas sin buscarlo ni desearlo. Anton Gorodetskiy, Nate Nash. Dos hombres, dos personas que se sentirán atraídas por Svetlana y Dominika llegando incluso a poner en peligro sus carreras por ellas. Boris Ignatievich. Zabulón. Forsyth. Vanya Egorov. Aquellos que manejan los hilos de las marionetas que participan en cada una de las celadas que con tanto esmero han preparado para ganar la guerra. Nota: A pesar del uso de los colores para explicar la especial percepción e inteligencia de Dominika, Matthews no explota este elemento en su vertiente fantástica sino de un modo mucho mas realista a pesar de que a muchos lectores, entre los que me incluyo, nos es difícil no pensar en ello tanto es así que 'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow'), la novela, podría hacer suyo y adaptar a sus intereses el titulo de la película de Bille August y protagonizada por Julia Ormond y haberse titulado 'Dominika y su especial percepción de los colores'.
Dominika. Nash.

Fragilidad. Dureza. Dos adjetivos opuestos que sirven para definir a la Dominika de la novela y la de la película. Ataques de ira. Una misma idea utilizada de dos formas distintas en la obra de Matthews y en la de Lawerence y que sin lugar a dudas sirven mostrar la personalidad del personaje protagonista (Nota: La forma en la que está escrita la novela de Matthews hace que a pesar de que el título de la misma se refiere a Dominika, los protagonistas sean tanto ella como Nate Nash, algo que parece que no sucede en la cinta de Lawrence donde por momentos él queda relegado a un segundo plano). Si la capacidad de percibir con colores las emociones y la música ha sido eliminada en su salto a la gran pantalla, se puede decir algo parecido de la gran carga romántica que posee la novela original. Es cierto que Lawrence plasma en pantalla la relación existente entre Dominika y Nash pero y a pesar de cierto momento, lo hace con bastante frialdad. Aunque su madre es el talón de Aquiles de Dominika, la fortaleza y seguridad que esta muestra en si misma en la película la aleja de alguna manera de esa persona frágil que se va a romper por dentro simplemente al rozarla que se percibe en muchos de los fragmentos de la novela. Si la forma elegida para mostrar a Dominika y su relación con Nash puede sorprender al lector reconvertido en espectador, mayor sorpresa le producirá la manera en la que ha cambiado la relación de esta con Marta (Thelka Reuten): De amiga en la obra de Matthews a una compañera de piso que ve en el personaje interpretado por Jennifer Lawrence una clara amenaza para sus intereses. La Dominika de la novela evoluciona de su fragilidad inicial a una gran fortaleza, en la Dominika de la película no se aprecia dicha evolución ya que esta muestra su fortaleza casi desde el principio.
Tu cuerpo le pertenece al Estado. 
Desde que naciste, el Estado ha cuidado de él.
Es hora de que le devuelvas algo a cambio.

Matron - Charlotte Rampling

Sobre el cine de propaganda I

Podrá gustar o no, la por ahora última película de Francis Lawrence, director de cintas tan decepcionantes como 'Constantine' o 'Soy Leyenda' ('I am Legend') pero nadie podrá poner en duda la gran carga propagandística que contienen muchos de los fotogramas de la película, no solo por las frases que dicen algunos de los personajes (Sirva de ejemplo la que ilustra este párrafo) sino también y muy especialmente por la construcción de alguno de ellos y sobre todo por sus motivaciones que en alguno de los casos se aleja de forma radical de lo mostrado por Matthews en su novela, obra que como ya hemos dicho posee una gran carga crítica contra el gobierno y las instituciones rusas pero de una forma mucho mas digerible y por lo tanto mas efectiva que la de la cinta de Lawrence. Hay muchas ideas y escenas que pueden servir de ejemplo, muchas o todas las palabras de Matron (Charlotte Rampling), el personaje del general Korchnoi (Jeremy Irons) y muy especialmente el de Stephanie Boucher (Mary-Louise Parker)
Sobre el cine de propaganda II - Stephanie Boucher

Son muchas las razones que pueden existir para traicionar a tu país. El odio hacía aquellos que negaron la posibilidad de un tratamiento médico para la persona a la que mas quieres. El resentimiento hacia las personas que han utilizado a tu familia para obligarte hacerte cosas que van contra tus principios. Causas que para los lectores y espectadores son claramente asumibles y sobre las que nadie se va a poner en contra. Los motivos por los cuales en la cinta de Lawrence se traiciona a Rusia son claros y hasta lógicos, pero no ocurre lo mismo con la justificación para hacer lo contrario, es decir para traicionar a Estados Unidos y esto se observa claramente en el personaje de Stephanie Boucher. 'La ideas del bien y el mal no ocupaban sus pensamientos. Tampoco el patriotismo, la lealtad a Dios, a la familia o su país. Solo se preocupaba por ella misma. Si le convenía, Stephanie Boucher no derrocharía ni un solo segundo cuestionándose la moralidad de espiar para Rusia'. De esta manera describe Matthews a Boucher en su novela, una persona sin un ápice de moralidad obsesionada con el poder. Sin ética, sin justificaciones, solo poder. Todo esto debió resultar demasiado difícil de mostrar en pantalla para Haythe y Lawrence. ¿Como suavizar la traición, como justificar tan deplorable acto? ¿Que mejor que hacer a la Boucher de la película que es una mezcla entre John Paul Bullard y la Boucher de la novela, una alcohólica? ¿Que mejor manera la de mostrar que el personaje interpretado por Mary-Louise Parker es una persona a que usa el alcohol para calmar su culpabilidad?. La traición de los personajes rusos esta motivada por actos deplorables llevados a cabo por su gobierno, la de los personajes americanos son decisiones personales diluidas en alcohol.
Sobre el cine de propaganda III - El general Korchnoi

En el siguiente párrafo se habla explicitamente de los actos y decisiones que determinan el destino del general Korchnoi y Stephanie Boucher tanto en la novela como en la película por lo que si no deseas leerlo, te recomendamos que saltes al siguiente párrafo SPOILERS SPOILERS. Jeremy Irons interpreta al general Korchnoi, persona que lleva pasando información clasificada al gobierno de Estados Unidos desde hace mas de una década. Sus motivaciones tanto en la obra de Matthews como en la película de Lawrence son las mismas y pueden ser fácilmente compartidas por el espectador: Rusia denegó el traslado de su mujer a un centro médico para que esta fuera tratada del cáncer que finalmente acabó con su vida. Pero.. ¿Que hacer con un personaje que para el Estados Unidos es un héroe? ¿Puede ser este cruelmente asesinado en el momento que está apunto de recuperar la libertad o es necesario recalcar que una traición depende quién la cometa y contra quién es punible o no? Queda claro que la primera parte de la pregunta hace referencia al destino del general Korchnoi en la novela de Matthews mientra que la segunda parte hace referencia al destino de Boucher y Korchnoi en la película de Lawrence. Las acciones de ambos personajes tienen consecuencias según sea el país al que se traiciona: Boucher atropellada por una furgoneta, Korchnoi conservado su puesto y el respeto del gobierno del país al que lleva traicionando mas de una década. Un mismo acto puede ser punible o no según el punto de vista del guionista y el director de la película. No ha de sorprender que se considera bueno y malo. De eso va el cine de propaganda. FIN SPOILERS
'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') es una de esas películas en las que existe una gran diferencia entre lo que el espectador espera tras ver el trailer y lo que esta realmente ofrece. La cinta de Lawrence no es una cinta de acción sino una película de espías que se mueve dentro de las reglas del género y que se beneficia del gran trabajo de sus dos protagonistas: Jennifer Lawrence y Joel Edgerton. Es obligatorio destacar también el trabajo de Matthias Shoenaerts que da vida a Vania Egorov, tío de Dominka y por desgracia reconocer que Mary-Louise Paker resulta del todo excesiva siendo sin duda alguna una de las grandes decepciones de la película.  'Gorrión Rojo' ('Red Sparrow') es una de esas películas en las que si solo se aprecia su superficie se puede disfrutar pero que al profundizar en ella se aprecia un tufillo rancio mas propio de otra época que hace de esta película una cinta propagandística con apariencia de solvente thriller.



Lo mejor: La pelea entre los dos protagonistas y Matorin (Sebastian Hülk)
Lo peor: El tufillo a propaganda que desprenden muchos de su fotogramas.



sábado, 14 de abril de 2018

Crítica: The Lure - Córki dancingu

Título: The Lure - Córki dancingu
Año: 2015
Género: Musical - Fantástico - Romance
Duración: 92 min.
Director: Agniezska Smoczynska
Guión: Robert Bolesto
Fotografia: Jakub Kijowski
Interpretes: Marta Marurek, Michalina Olszanska, Kinga Preis, Andrzej Konopka, Jakub Gierszal, Zygmunt Malanowicz, Magdalena Cielcka, Kataryzna Herman, Marcin Kowalcyzk
Nota: 7
Sinopsis: Dos sirenas entrarán a trabajar en un club nocturno. Mientras una se empiece a enamorar de un humano, la otra añorará viajar por el mundo y que la relación que había entre ellas vuelva a ser como era antes.



Crítica:
Resulta difícil posicionarse al menos inicialmente ante una película tan personal, arriesgada y diferente como 'The Lure' ('Córki dancingu'). Agniezska Smoczynska plasma con imágenes y música, mucha música, un guión de Robert Bolesto que no deja de ser una nueva versión a ritmo de sintetizador del cuento de 'La sirenita' ('Den Lille Havfrue') de Hans Christian Andersen. 'The Lure' ('Córki dancingu') es una propuesta tan arriesgada que es una de esas películas que se disfrutan o cuyo visionado, tras el efecto inicial de sorpresa, puede convertirse en una verdadera tortura. A la persona que escribe estas líneas, los cantos de Golden (Michalina Olszanska) y Silver (Marta Marurek) le han seducido y su efecto a día de hoy todavía perdura...
En el año 2015, Marcin Wrona rodó la notable 'Demon', película que fue estrenada en el Festival de cine fantástico de Sitges poco después del suicidio del director. En ella, Wrona y en base a un guión del propio director y de Pawel Maslona mostraba un acercamiento al mito del Dibbuk, espíritu capaz de poseer a un ser humano. Wrona situó su historia en el transcurso de la boda de los dos protagonistas Piort 'Pyton' (Italy Tiran) y Zaneta (Agniezska Zulewska). No es casual hablar de la película de Wrona al hacerlo de la de Smoczynska, no solo lo hacemos por la nacionalidad de ambas cintas, ambas son polacas (Cine al que como espectadores no estamos precisamente habituados salvo contadas excepciones) sino también por dos hechos que resultan comunes a 'The Lure' y 'Demon'. Uno es su gran capacidad visual y el excelente trabajo de fotografía y composición que hay detrás de muchas de sus escenas, el otro es la precipitación que muestran tanto Wrona como Smoczynska a la hora de cerrar sus historias. Tanto 'The Lure' como 'Demon' se toman su tiempo para narrar las historias que ambas películas nos cuentan pero llama la atención las acuciantes prisas que parecen tener los directores en los últimos minutos de sus películas.
El cine del director serbio Emir Kusturica también está presente de alguna manera en 'The Lure'. Suele ser una constante en muchas de sus películas el mostrar mostrar etílicas bodas así como unos toques de humor con los que no todos los espectadores conectan. Otra vez está presente en la cinta de Smoczynska el alcohol, el poder etílico de la fiesta, un barco donde se celebra la misma (Imposible no pensar en 'Underground') y como no podía ser de otra manera una boda.
Ese mismo año, el hungaro Károly Ujj Mészáros dirigió la sorprendente y muy entretenida 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') cinta que comparte con 'The Lure' cierta carga estética y la importancia de la música. Si bien es cierto que la película de Smocynska es un musical y como tal ha de tratarse, Liza (Mónika Balsai) sufre cierta ensoñación con la música de Tomy Tani (David Sakurai). De alguna manera, la voz de un cantante japones de los años cincuenta es su 'propia sirena' que la seduce. Notese el influjo que Tani tienen o intenta tener sobre Liza y porque decimos que es la voz de sirena de esta película.
Una oscura noche, un grupo de músicos descubrirán un par de sirenas. Estos las llevarán al club nocturno donde tocan cada noche y donde se convertirán en la máxima atracción del lugar. Pero mientras una de ellas empezará a enamorarse de un humano, la otra anhelará escapar de allí y que todo vuelva a ser como antes.
Tras unos brillantes créditos iniciales, Smocynska muestra el etílico encuentro de Golden y Silver con los personajes interpretados por Kinga Preis, Andrzej Konopka y Jakub Gierszal que seducidos por su voz, las llevarán con ellos al club nocturno donde trabajan como músicos. A ritmo del 'I feel love' cantada por Kinga Preis, el espectador recorrerá diversas partes de tan peculiar y decadente lugar gracias a una soberbia escena donde todos los personajes excepto el del jefe del club nocturno interpretado por Zygmunt Malanowicz se dejan llevar por la música que está sonando. Este momento nos hace indudablemente pensar otra vez en 'Un hada llamada Liza' ('Liza, a rókatündér') por el hecho de estar ante otra película que parece que va a tener un tono de fabula que de alguna manera las hermana.
Siempre he pensado que uno de los problemas con los que se puede encontrar un musical es que los temas que suenan en la película no consigan conectar con los espectadores. A pesar de que 'The Lure' contiene grandes canciones, no todas tienen la misma calidad lo que deriva en que los altibajos en la historia se noten mas que en otras películas. Así 'Banana Song' no está a la altura de la soberbia 'I came to the city', tanto en lo que a la canción se refiere como al uso que Smoczynska hace de ella en la película (Otra vez 'Un hada llamada Liza' -'Liza, a rókatündér'- vuelve a aparecer, ya que el exterior del centro comercial Sezam tranquilamente podría formar parte de la cinta de Mészáros, de la misma manera, el restaurante al que acude Liza podría ser una de las opciones culinarias del Sezam). 'Chronos' de Aukasz DrapaBa y los coros de 'Colors' de The Abstinents parece composiciones del grupo gipsy-punk Gogol Bordello. Llegados a este punto cabe la pena pararse un momento para hablar sobre Tryton/Dedal, personaje interpretado por Marcin Kowalcyzk que bien podría ser un secundario de la llamativa 'Brothers of the Head', película de Keith Foulton y Louis Pepe, autores del documental 'Lost in la Macha', que narra la historia de dos hermanos siameses que fundan una banda de punk en la Inglaterra de los años setenta.
Son muchos los momentos que visualmente asombrarán al espectador. Smoczynska cuida al detalle la imagen y la estética llegando a crear escenas tan bellas como perturbadoras. A ritmo de 'The Loop' cantada por Magdalena Cielcka, 'The Lure' nos deja, al menos para la persona que escribe estas líneas, uno de los mejores momentos de la película. Una escena con una estética propia del videoclip que no dejará indiferente a nadie, una escena que puede justificar el visionado de toda la película. Lo mismo se puede decir del deseo de Kinga Preis o del anhelo de Silver (Marta Marurek) mientras esta canta 'The Bed'. Tras el impacto inicial, cuanto mas tétrica se pone 'The Lure' mas profundo es el poso que para bien y para mal deja en el espectador.
Tras el impactante 'Antichrist Superstar', Marilyn Manson publicó 'Mechanical Animals' disco con elementos de la música glam que se alejaba de la oscuridad de su anterior trabajo y que según se cuenta  la presencia de Trent 'Nine Inch Nails' Reznor tuvo demasiado peso en el resultado final del mismo. Influenciado por Bowie, Manson utilizaba a un alienígena llamado Omega que tras caer a la Tierra entraba a formar parte de una banda de rock. Esta idea resulta común tanto al disco de Manson como a la película de Smoczynska, seres fantásticos (Un extraterrestre, dos sirenas) que acaban formando parte de grupos musicales. El lector también podrá observar el claro parecido físico existente entre Silver, Golden y ese andrógino interpretado por Manson en 'Mechanical Animals'.
Golden y Silver. Silver y Golden. Michalina Olszanska y Marta Marurek. Dos actrices que dan a sus personajes la fragilidad, en el caso de Silver, y la dureza, en el de Golden, que resultan perfectas para entender la evolución de estos en la película. Sin duda alguna, Olszanska y Marurek son dos actrices a seguir. Si que resulta mas sencillo destacar a Kinga Preis dentro del grupo formado por su personaje y los interpretados por Andrzej Konopka y Jakub Gierszal, donde el primero parece quedar relegado a un segundo plano y el segundo eclipsado por Marta Marurek. 'The lure' es una cinta con una muy cuidada estética y una potencia visual que sumado a lo peculiar que supone la propuesta de Smoczynska no dejará indiferente a nadie... para bien y para mal...


Lo mejor: El trabajo de Olzanska y Marurek. La potencia visual. La forma de conocer el club a ritmo de 'I feel love'
Lo peor: No todos los temas musicales están igual de logrados.